«Альфавиль» (Alphaville, une etrange aventure de Lemmy Caution) — фантастический художественный фильм 1965 года совместного производства Франции и Италии, снят режиссёром Жан-Люком Годаром (Jean-Luc Godard) на основе романа французского поэта и писателя Поля Элюара (Paul Eluard). Главные роли в этом фильме исполнили Эдди Константин, Анна Карина, Хауард Вернон и Аким Тамирофф. Фильм получил Гран-При международнго киновестиваля в Берлине.



Лемми Коушен — частный детектив, который прибывает в город будущего Альфавиль, для того чтобы найти агента Генри Диксона. Сам город Альфавиль находится под контролем профессора фон Брауна и управляется с помощью компьютерной системы под названием Альфа-60. В городе объявлены вне закона все гуманные человеческие чувства, такие как любовь, нежность, сострадание и взаимопомощь, а также запрещены поэзия и романтика. Все эти запреты привели в Альфавиле к негуманному и отчуждённому обществу. Лемми Коушен пытается с помощью Наташи, дочери профессора фон Брауна, изменить ситуацию в городе к лучшему.



«Cупергеройское» задание, данное Годаром своему персонажу, постепенно перетекает в почти что экзистенциальную драму о поиске истинной любви. Визуально «Альфавиль» безупречен в своей простоте. Роль фантастического города-зла взял на себя ночной Париж с его окраинами и ещё недостроенным в 1965 году терминалом Орли. Невероятная работа дежурного оператора Годара — Рауля Кутара поражает. Камера творит чудеса. Не прибегая к эффектам и используя зернистую чёрно-белую плёнку, Кутар заставляет зрителя поверить, что он находится в городе вечной ночи. Нет ни одного тёплого или приятного для глаза кадра, линии резкие, а все движения происходят рывками, и, как оказывается, этого вполне достаточно что бы оказаться в Альфавиле.



Но не только ночной Париж радует глаз зрителя. Персонажи все тоже как на подбор. Лемми Кошен — персонаж, сошедший со страниц романа Питера Чейни. Он называет себя 003 и совершенно точно отсылает зрителей к фильмам жанра нуар. Лемми ездит на Форде Гэллакси и живёт в отеле Красная Звезда. Противостоят ему ещё более гротескные личности. Главный враг — это профессор Носферату и зловещий электронный мозг Альфа-60 (привет Кубрику). Впрочем, среди безликих жителей Альфавиля Лемми встречает людей, не совсем ещё забывших о своём прошлом. Среди таких оказывается и дочь диктатора Носферату — Наташа, которую Лемми учит самой простой вещи на свете — любви. Это становится залогом их спасения после крушения системы «тёмного города».



Фильм щедро оснащен шаржированными атрибутами "масскульта". Для потребителя боевиков тут все понятно и узнаваемо. Если уж показывают здание, где расположился злой правитель Альфавиля -  электронный мозг Альфа, то непременно с бесконечными коридорами, с закрытыми дверями. Штамп в фильме наезжает на штамп - с назойливостью, доходящей до гротеска. "Злой гений" фон Браун - типичный персонаж комиксов и масскультовской фантастики, эдакий "сумасшедший ученый". Годар высмеивает в этом фильме не только современную "массовую культуру" - суррогат духовной пищи, призванный занять время и не побеспокоить голову. Он высмеивает еще и ставшее уже привычным в руках у правых пугало "тоталитарной антиутопии". Предельно технизированный тоталитарный мир оказывается на поверку "бумажным тигром", разваливается от столкновения с живым человеком, даже таким идиотом, как Лемми Кошэн.

Уже возле кассы девчонка (года четыре) встала в позу Вицина из "Кавказской пленницы" (когда им пытались машину на трассе остановить) и начала смешно, по-детски голосить (в шутку) - "ему низя проходить, проход закрыт, низзя, низзя" и т.п.

Мама её еле оттянула, постоянно выговаривая - "Таисия, прекрати! Это-же тот самый доктор, у которого мы были. Который стикесы выдает".

Таисия не сдавалась и продолжала блокаду прохода к кассе. Мама очень хотела поскорей уйти с кассы. Не в своей тарелке оказались все - и мама маленькой Таисии и я (слегка). Мама на кассе пробивала пивасик (пару бутылок). Ну а я - коньяк (одну), но в сочетании с вином (кстати - обалденным).

А вообще,  вот про что хочу - иногда в самых неожиданных местах можно встретить и неожиданных людей и совершенно удивительные вина.

Саперави (причем очень хорошего качества и реально грузинский) всего за 38.60 (гривен) - это круто. Ну всего полтора доллара. Очень вкусный. Решили растянуть на два дня.

Когда пришел домой - первым делом пробил по базе, какие-такие Таисии были у нас за последнее время (рабочий комп с домашним синхронизирован). Оказалось, что этой Таисии мы делали УЗИ сердца три месяца назад. И там все хорошо. И слава Б-гу. Пусть пьют свое пиво, а мы свое саперави с коньяком.

«Лабиринт Фавна» (El laberinto del fauno) — мрачная киносказка мексиканского режиссёра Гильермо дель Торо (Guillermo del Toro) снятая в 2006 году по мотивам произведений Артура Мейчена (Arthur Machen).



«Лабиринт Фавна» представляет историю двенадцатилетней девочки Офелии, спасающейся от жестокой реальности франкистской Испании в мире не менее жестоких фантазий. Фильм участвовал в основном конкурсе Каннского кинофестиваля 2006 года, в рамках которого 27 мая состоялась мировая премьера ленты. Лауреат трёх премий «Оскар» (лучшая операторская работа, лучшая работа художника-постановщика, лучший грим).



Пока фашистский капитан Видаль ведет в своих лесах жестокую войну с партизанами, его десятилетняя падчерица Офелия пускается в смертельно опасное путешествие по мрачным коридорам таинственного лабиринта, кишащего гигантскими жабами и хитрыми эльфами, на встречу с повелителем подземелья, всемогущим Фавном. До наступления полнолуния она должна пройти три страшных испытания. Стрелки часов приближаются к полуночи, время на исходе как для Офелии, так и для группы повстанцев, которая в это время ведет жестокий бой с отрядом фашистов под командованием капитана Видаля, жестокого и коварного отчима Офелии. Хватит ли у девочки мужества, у повстанцев стойкости, чтобы противостоять мировому злу на пути к свободе?..



«Лабиринт фавна» – это история, сотканная из сказки, мифа и притчи. Притча о тайном и явном ликах фашизма, миф мы узнаем по отсутствию очевидной морали, по жуткому духу тайны, по силуэтам невероятных существ, не похожих ни на кого и ни на что из привычной жизни. Фавн из «Лабиринта» (создание Серхио Сандоваля) и кровожадное чудовище с глазами в ладонях (шедевр Дэвида Марти, отвечающего за спецэффекты) словно усмехаются в адрес всех фентезийных кино-персонажей.  При этом клеймо «малобюджетный» едва ли можно ставить и на «Лабиринте». Вот уж чего не скажешь при взгляде на Фавна, так это «дешево». Скорее скажешь «странно». Это и впрямь странно, причем не только Фавн, не только Фея-богомол, не только «Безликий» в пиршественном зале, но и просто весь фильм. Очень странно, что «плохие» могут победить. И что сказочные испытания могут кончиться крахом. И что за все это в итоге заплатишь смертью.



Лабиринт – это заброшенное каменное сооружение, которое находит Офелия сразу по прибытии в усадьбу злого отчима. И, конечно же, зрителю покажут, как этот самый отчим будет гнаться за Офелией по этому самому лабиринту. Но до этой погони еще надо дожить, точнее – досмотреть. Дойти по лабиринту. Потому что и сам фильм Гильермо Дель Торо – тоже лабиринт. Перебежка – тупик, перебежка – тупик. К концу уже перестаешь считать обманутые ожидания. И там не получилось, и это не сработало, и того убили, а выхода все нет, а ты все идешь, под волшебную грустную музыку Хавьера Наваррете.



Да, сказки бывают страшные. А фашизм – это не обязательно документальные кадры из Освенцима. Очень может быть, что это еще и омерзительное чудовище, с ямой вместо рта, спящее в комнате с запретными яствами. И когда оно преследует девочку, вытянув вперед зрячую ладонь, а девочка роняет мелок, которым должна нарисовать выход из подземелья, а песок в часах, отмерявших ее время, весь вытек… – может быть, она от него спасется, а может быть, и нет. Такой вот странный закон жизни и произведения – отсутствие законов. Жить в таком мире – рискованно, как может быть рискованно жить вообще.

«Прирожденные убийцы» (Natural Born Killers, США, 1994) — фильм режиссера Оливера Стоуна (Oliver Stone), повествующий о сладкой парочке Микки (Вуди Хэррелсон) и Меллори (Джульетт Льюис) Нокс, жестоких серийных убийцах, вокруг которых СМИ создает образ народных героев.



В фильме, Стоун не только высмеивает средства массовой информации, восхваляющих серийных убийц, но и критикует американское общество в целом, которое также ответственно за появление подобных изгоев. Среди зрителей, фильм вызывает противоречивые мнения. Одни поддерживают Стоуна, за его проницательную сатиру над современными СМИ, когда другие обвиняют его в том, что поступки главных героев ленты, могут побудить людей к насилию.



Cуть ленты можно обозначить как плевок в лицо американской нации, это издевка - и над насилием, как таковым, и над теми, кто его смакует - кино, ТВ, средствами массовой информации, и прежде всего - над потребителями, идиотами у телевизоров, которые (как отец Мэллори) жаждут насилия, выступая в роли силы или зрителя, но уж никак не ожидают оказаться в положении жертвы. И таких в фильме (да и в стране) - по мнению Стоуна, абсолютное большинство! Кто-то из них говорит в камеру: "Микки и Мэллори - это круто!", кто-то носит майку с их изображением; журналы, пресса, ТВ, промышленность делают на этом деньги, нация прилипает к телевизорам - ну, еще бы, как романтично! А между тем, в Микки и Мэллори нет ничего привлекательного. Режиссер не просто развенчивает "в процессе" романтический флер - он с самого начала дает понять, что герои - недолюди. Они и выглядят соответственно: Микки - с лицом дегенерата и уголовника, Мэллори - жалкая, отталкивающая дура. И у них нет не то что "великой любви" - но даже нормальных человеческих отношений и элементарного друг к другу уважения (достаточно вспомнить эпизод, когда каждый из них искал "развлечений" на стороне). А сами они у здравомыслящего человека ничего, кроме отвращения вызвать не могут. Как, впрочем, и те, кто их окружает - начиная от журналиста, паразитирующего на теме маньяков (да, видно, что Стоуна тамошние "акулы пера" уже порядком достали) и заканчивая полицией, тюремной администрацией, фанатами на улицах... А что вы, собственно, хотите, от нации, которая уже полвека рыдает над "Бонни и Клайдом" - историей двух убийц, лишавших жизни окружающих даже не из-за денег (ведь от "грабежей" они получали копейки - пять, десять - максимум пятьдесят долларов), а просто ради собственного удовольствия. Стоун довел ситуацию до абсурда: нет не денег, ни Великой депрессии, а только "любовь" и пули. И плюс - сбылась голубая мечта не одного поколения американских идиотов - Бонни и Клайд остались в живых и бесконечно колесят по дорогам, плодя таких же ублюдков, как сами. И так же любят друг друга. Только учтите, граждане: их чувства, вызывающие у вас слезы умиления, ни в коей мере не помешают им сжечь вас заживо.



И американская нация, оказалась в точности такой же, какой он ее изобразил - реальные подростки отреагировали на Микки и Мэллори точно так же, как подростки из фильма: "Микки и Мэллори - это круто!", "Я люблю Микки и Мэллори" и т.д. Более того, нашлись "герои", пожелавшие повторить жизненный путь персонажей фильма. И  получилась ситуация, не имеющая по-моему, аналогов в мировом культурном  процессе: злая сатира "Против!" стала считаться (причем, как это ни страшно, повсеместно) манифестом "за!".



Отдельно надо сказать о монтажных изысках. "Прирожденные убийцы" не зря называют фильмом-клипом. Тут вам и мультипликация, и комиксы, и различные цветовые приемы, и последние (на тот момент) достижения компьютерной графики. Но что самое главное, - все это не только красиво, но и несет сильнейшую смысловую нагрузку. Ведь частично, именно сумбур из комиксов и компьютерных игр сделал Микки и Мэллори убийцами. В нужную минуту в голове у ребят перемыкает, и они видят не жертву - живого, и часто ничего не сделавшего им человека, а компьютерного монстра, убить которого - значит, перейти на следующий уровень.



Попутно Стоун иронизирует над классическими американскими жанрами и ценностями, срывая с них флер, и выставляя на всеобщее обозрение их убогость. Так домашняя обстановка у Мэллори - это типичная гэг-комедия со смехом за кадром, плавно переходящая в фильм ужасов. В других местах есть убийственные пародии на боевики класса "Б", "тюремные" и "журналистские" фильмы. Ну а венцом насмешливости Стоуна можно считать "сентиментальную" сцену в тюрьме: вся нация, начиная с невозмутимой дикторши телевидения, плачет от умиления над судьбой двух монстров...

"Подполье" (Андерграунд, Подземлье, Underground) — фантасмагория культового  сербскогго режиссёра Эмира Кустурицы (Emir Kusturica). Фильм вышел на экраны в 1995 году. В этой работе Кустурица связал прошлое своей страны с эпизодами новейшей истории (начало войны на Балканах).



В 1992 году началась Боснийская война. Дом семьи Кустурицы в Сараево был разрушен, отец режиссёра Мурат Кустурица вскоре после этого скончался от сердечного приступа. Семья нашла убежище в Черногории. Видя, что происходит с его страной, Кустурица вернулся в Югославию для того, чтобы начать работу над новым фильмом — фантасмагорическим фильмом-притчей с элементами чёрной комедии "Подполье" по сценарию знаменитого югославского драматурга Душана Ковачевича.



Действие фильма происходит на протяжении пятидесяти лет в Югославии. Два приятеля-бандита любят одну и ту же женщину — актрису Наталью. Когда начинается Вторая Мировая Война один из них, Марко, предлагает второму, Петару по прозвищу «Чёрный», уйти в подполье. Петар переселяется в подвал, и вместе с сыном и другими своими товарищами начинает производить оружие для нужд партизанского движения. Проходит время. Война уже закончилась, но Петар об этом не знает. Марко становится наверху крупным чиновником, приближённым Тито, женится на Наталье, и вместе со всей Югославией оплакивает память якобы почившего Петара, при этом продолжая зарабатывать на оружии, производящемся в подполье…



«Подполье» считается лучшим фильмом Кустурицы и одним из величайших фильмов 90-х годов XX века. Фильм отмечен одной из наиболее престижных наград мирового кинематографа — «Золотой пальмовой ветвью» на Каннском кинофестивале. Оригинальную музыку для фильма сочинил Горан Брегович, и этот саундтрек сразу вошёл в классику мировой киномузыки.

«Цвет граната» — поэтическая притча о великом армянском поэте Саят-Нова. Фильм снял на киностудии Арменфильм в 1968 году выдающийся режиссер Сергей Параджанов.



Кинолента представляет собой эстетский паззл из образов, вдохновленных историей жизни и творчества армянского поэта XVIII века Саят-Новы. Ковровые узоры, живописные натюрморты, поэтические строки и пышно декорированные руины армянских крепостей складываются в аудиовизуальную икону, прославляющую свободу духа и восточный гедонизм.



Первоначально фильм назывался по имени главного героя. Однако картина вызвала неприязнь и непонимание кинематографических чиновников. В этом фильме ничего, кроме изысканного маньеризма, орнаментальности и декоративности чиновникам обнаружить не удалось. Все же картина нашла множество поклонников в среде художественной элиты Советского Союза. Ее вопиющая неангажированность, бесконечная свобода, изобразительное великолепие справедливо восхищали. Картину решили спасти. Ответственную операцию вызвался сделать Сергей Юткевич, поощрявший формальный поиск. Он перемонтировал фильм, выстроив некоторую смысловую последовательность эпизодов-миниатюр, подтянув его к традиционной кинобиографии, насколько это было возможно. Кроме того, каждому эпизоду были предпосланы титры на русском языке: название и достаточно неуклюжий перевод четверостишия Саят-Новы. Картину переименовали в «Цвет граната». Налицо, таким образом, попытка превратить радикальный авангард в набор квазиэтнографических зарисовок. Начиная с заглавия, вызывают поэтическое умонастроение.



Абсурд ситуации заключался в том, что широкий зритель, к которому по наивности или глупости подтягивали картину, не стал бы смотреть такое ни при каких обстоятельствах. «Искусство должно быть понятно народу» — ленинская сентенция не давала покоя культурным функционерам. В результате фильм пострадал. Но даже в нынешнем виде «Цвет граната» — уникальный культурный феномен. Параджанов разрушил наррацию, предложив вместо «интересной истории» набор живописных шедевров, открыток. Впрочем, подобная трактовка недостаточна. Ведь «открытки» существуют здесь во временном единстве, а декоративное пространство картины, образованное коврами, средневековой архитектурой и актерами в причудливых одеждах, демонстративно отчуждено от унылой, серой, некиногеничной советской действительности. В контексте отечественной кинопродукции, ориентированной на принцип социалистического реализма в ущерб «принципу удовольствия», «Саят-Нова» воспринимался как возможная альтернатива безобразию и страданию, а значит, как вызов и художественная провокация.



Неужели жизнь действительно бывает хороша собой? Бывает. Неужели борьба с врагами до последней капли крови — необязательна, а духовная работа — залог спасения и бессмертия? Конечно! Разве ковер, сотканный руками влюбленного в свое дело мастера, выше стенной газеты и партийного листка? Бывают и такие мастера! Жизнь застыла в этом упоительно красивом мире, словно заколдованная злым волшебником. Театр марионеток, парад масок. Это — другой мир. Самым обидным, самым пугающим в картине Параджанова было то, что мир этот никак себя не защищает, не обосновывает, не рассказывает. Он попросту существует, не суетясь, не объясняя собственной необходимости. Он не ищет опоры в морали, исторических коллизиях, социальном неравенстве, классовых битвах и т. п. Он не был даже антисоветским, существовал вне политики, утверждая единственную идеологию — идеологию гедонизма. Стихи важны в этом мире не сами по себе, а как свидетельство красоты, документ, подтверждающий уникальный опыт инобытия. «Саят-Нова» — это аудиовизуальная икона. Она отсылает зрителя в иное пространство, в другие времена. Точнее, туда, где «времени не будет»...

«Охотник на оленей» (The Deer Hunter) — военная драма, шедевр мирового кинематографа, фильм снят в 1978 году режиссером  Майклом Чимино (Michael Cimino) по мотивом романа Ремарка "Три товарища". Фильм завоевал 5 премий «Оскар».  



В фильме рассказывается о судьбе четырех друзей, американцев украинского происхождения, отправившихся на войну во Вьетнам. Фильм охватывает три периода их жизни: мирная жизнь в небольшом американском городке, работа на заводе, гуляние на свадьбе; затем война, кровь, кошмары, разрушение всех представлений о жизни; и затем возвращение в мирную жизнь, попытка снова адаптироваться и влиться в нормальное общество...



Фильм снят очень талантливо, режиссёр Майкл Чимино стал знаменитостью вскоре после премьеры. В атмосфере фильма сливаются ужасы войны, человеческая трагедия и наивная неосведомлённость мирной жизни. Отчётливо показана разница между мирной жизнью «до» и мирной жизнью «после». Поражает также невероятный контраст между напряжёнными драматическими сценами и спокойной убаюкивающей музыкой композитора Стенли Майерса. И хотя в целом атмосферу фильма можно назвать угнетающей, но этот фильм не способен оставить зрителя равнодушным, заставляя много думать об истинной ценности человеческой жизни и о подлинном гуманизме.



Как считается, ряд смертей в США в 1980-е годы был вызван знаменитой сценой игры в «русскую рулетку» в фильме. Эпизод с «русской рулеткой» получил очень широкую известность, в частности, он пародируется в мультсериале «Симпсоны» и присутствует в компьютерной игре Conflict: Vietnam.

Сосед по гаражу вином угостил -- собственного изготовления. Я думал когда он предлагал мы выпьем, но ему нужно было ещё ехать. По этому он чуток налил ;

Три года выдержки после последнего снятия с дрожжей ! Крепкое !

Ну в общем радуйтесь за меня или завидуйте, но сегодня я буду пить натурпродукт и не капли добавок, синтетики.

Выбирая напитки....Улыбнуло ....Попробуем? 

фото с сайта "Крутой облом"

.