Этот человек - великое явление в истории традиционной электронной музыки (напомню, что традиционной эту музыку в последнее время называют, чтобы отличить ее от примитивной и однообразной танцевальной долбежки, которая переняла термин "электронная музыка"). Трудно представить человека, который бы ни разу не слышал его музыку, особенно после памятного грандиозного концерта 1997 года, посвященного 850-летию Москвы (по некоторым данным, там было около 3,5 млн человек!). Кроме того, его музыку любят часто использовать звукорежиссеры на телевидении и радио, в основном в различных заставках, а также в качестве фоновой музыки. Но, как это нередко бывает, многие люди просто не догадываются, что это - Жан Мишель Жарр (Jean Michel Jarre). Чуть больше инфы о композиторе стоит почитать тут (все не могу вместить в заметку)

Magnetic Fields (фр. Les Chants Magntiques, рус. Магнитные поля) — пятый студийный альбом Жана-Мишеля Жарра, выпущенный на лейбле Disques Dreyfus в 1981 году. Альбом был одним из первых, использовавших семплинг как музыкальный элемент. Именно эту композицию уверена слышали все.

Диск имеет официальные названия на французском и английском языках. Французское название «Les Chants Magntiques» представляет собой игру слов. В дословном переводе это означает «Магнитные песни» или «Магнитные песнопения». При прочтении вслух оно звучит как «Les Champs Magntiques» («Магнитные поля»), поскольку в французском языке слова «chants» и «champs» являются омофонами. Поскольку игра слов не сохранилась бы в переводе на английский, было выбрано название «Magnetic Fields» («Магнитные поля»). Заголовок рисунка 5 в на внутренней стороне обложки содержит перечёркнутое слово «Champs», над которым написано «Chants».

Жан-Мишель Андре Жарр родился 24 августа 1948 года в Лионе, Франция.  Подростком играл в рок-группе. С 1968 года был членом Группы музыкальных исследований (фр. Groupe de recherches musicales) под руководством Пьера Шеффера. В это время Жан-Мишель приобретает свой первый синтезатор и начинает сочинять электронную музыку. В 1972 году выходит его дебютный альбом «Deserted Palace».

Френсис Дрейфус стал покровителем Жарра и спродюсировал его альбом «Oxygene» (Кислород).

«Космическая» синтезаторная электроника Жарра имела большой успех: альбом вскоре стал «золотым» и завоевал награду Дисковый Гран-при (Grand Prix du Disque). Последующие работы Жана-Мишеля значительно повлияли на развитие электронной музыки, в особенности амбиента и нью-эйджа. В общей сложности по всему миру продано более 80 миллионов копий его альбомов. Жарр прославился масштабными лазерными шоу, сопровождающими его живые выступления.

Коллекционирует роботов, солнечные очки, старые мотоциклы и автомобили.

В рамках тура, посвященного 30-летию альбома «Oxygene», Жан-Мишель дал три концерта в России. На этих концертах альбом «Oxygene» был исполнен на оригинальных инструментах, при помощи которых он создавался более 30 лет назад. На сцене не было ни одного компьютера.

Жарр несколько раз попадал в Книгу рекордов Гиннесса. Его концерты четыре раза отмечались как самые большие в истории (последний рекорд был зафиксирован в Москве в 1997 году, на концерте присутствовало 3,5 миллиона зрителей)). Другой рекорд Жан-Мишель поставил, выпустив альбом «Music for Supermarkets» в единственном экземпляре, который был продан на аукционе за 10 тыс. . Позднее некоторые его отрывки в переработанном виде вошли в альбом «Zoolook» (1984 г.). В настоящее время оригинал доступен массовому слушателю лишь в виде радио-записей низкого качества.

Сент-Пре – французский композитор, музыкант, родился в августе 1969 г. В возрасте 19 лет принял участие в Сопотском музыкальном фестивале в Польше. Там он дирижировал симфоническим оркестром, который исполнил его первую большую композицию "La valse de l'enfance", за что был награжден призом Международной Прессы Фестиваля. Во время пребывания в Польше Сент-Пре написал "Concerto pour une voix", это произведение в скором будущем приобрело мировую известность.

С этого момента популярность Сент-Пре продолжала расти благодаря таким композициям как: "Le piano sous la mer", "La fete triste", "Missa Amoris", "Symphonie pour la Pologne".

Его альбомы "Concerto pour une voix" (1969) (продано более 6 миллионов) и "Le piano sous la mer" (1972) (более 3 миллионов) до сих пор признаны классикой популярной музыки.

После того, как Сент-Пре переехал в Канаду в 1986 г., организация UNICEF обратилась к нему с предложением создать Гимн по защите Человеческих Прав и Прав Детей: "Les cris de la liberti", как его назвали, после того как он был исполнен в De la Concorde в Париже.

В дальнейшем Сент-Пре работал с крупнейшими и известнейшими оркестрами: Лондонским Симфоническим, Симфоническим Оркестром Польши и Краковским Хором, Парижским Филармоническим и Монреальским Симфоническим Оркестрами.

Музыка этого замечательного композитора наполнена необыкновенной грустью, глубокой серьезностью и настраивает на уединение и размышление. Ее красота и особенный стиль располагают к себе слушателей очень разных возрастов и вкусов, делая ее почти универсальной для современности.

Нино Рота (итал. Nino Rota, настоящее имя Джованни Рота Ринальди, итал. Giovanni Rota Rinaldi; 3 декабря 1911, Милан — 10 апреля 1979, Рим) — итальянский композитор, автор музыки ко многим фильмам Феллини, а также к фильму «Крёстный отец» Копполы.

Нино Рота родился в 1911 году в Милане, в семье музыкантов. В детстве, переехав в Рим, поступил в консерваторию, которую закончил в 1929 году. Ещё в консерватории Рота прослыл вундеркиндом — он зарекомендовал себя как композитор и дирижёр оркестра, а его первая оратория «L’infanzia di San Giovanni Battista» уже в 1923 году была поставлена в Милане и Париже.С 1930 по 1932 год Рота жил в США, получил учёную степень в Кёртисовском институте, где он учился композиции у Розарио Скалеро и по классу оркестра у Фрица Райнера. По возвращении в Италию изучал литературу в Миланском университете; позднее, в 1937 году, начал преподавательскую карьеру. Начиная с 1950 и до своей смерти в 1979 году занимал пост директора консерватории Бари. Автор ряда опер, в том числе: «Ariodante» (1942), «Torquemada» (1943), «I due timidi» (1950), «Il capello di paglia di Firenze» (1955), «La notte di un nevrastenico» (1959—1960), «Aladino e la lampada magica» (1968), «La visita meravigliosa» (1970), «Napoli milionaria» (1977) и балетов «La rappresentazione di Adamo ed Eva» (1957), «La Strada» (1965), «Aci e Galatea» (1971), «Le Molière imaginaire» (1976) и «Amor di poeta» (1978, был специально написан для Мориса Бежара). Кроме того, композитор создал огромное количество произведений для оркестра, многие из которых исполняются до сих пор во всём мире. С начала 1940-х Рота начал писать музыку к кинофильмам, работал с режиссёрами Ренато Кастеллани, Лукино Висконти, Франко Дзеффирелли, Марио Моничелли, Фрэнсисом Фордом Копполой (в 1974 году Рота был удостоен премии «Оскар» за лучшее музыкальное сопровождение к его фильму «Крёстный отец: часть II»), Эдуардо де Филиппо, но наиболее плодотворным оказалось его многолетнее сотрудничество с Федерико Феллини — Рота является автором музыки ко всем его фильмам, начиная с «Белого шейха» (1952)

и заканчивая «Репетицией оркестра» (1978).

Помимо музыки к кинофильмам, композитор являлся автором музыкального сопровождения для театральных постановок Эдуардо де Филиппо, Франко Дзеффирелли и Лукино Висконти.

Нино Рота скончался в Риме в 1979 году.

После того, как в Праге посмотрела цветомузыкальное шоу под музыку Вангелиса я заболела этим композитором. Конечно, самым любимым так и осталась музыка "Conquest Of Paradise". 

Вангелис ( род. 29 марта 1943, Волос) — известный греческий композитор, один из первых исполнителей электронной музыки, автор саундтреков ко многим известным фильмам

[ Читать дальше ]

"Gdyby potezny samowladny monarcha z polnocy wiedzial, jakі  niebezpieczny wrog grozi mu w dzielach Chopina, w prostych melodiach jego mazurkow, zabronilby tej muzyki.

Dziela  Szopena - to armaty ukryte w kwiatach" -

napisal Robert Schumann w 1836 roku na lamach „Neue Zeitschrift fur Musik” .

Мелодії Раю  тут 

Одно из самых знаменитых в истории музыкальных произведений великого, непревзойдённого Бетховена, получившее название «Лунная соната», было посвящено юной Джульетте Гвиччарди.

Девушка покорила сердце молодого композитора и затем жестоко разбила его. Но именно Джульетте мы обязаны тем, что можем слушать столь глубоко проникающую в душу музыку лучшей сонаты гениального композитора.

 

Людвиг ван Бетховен (1770–1827) родился в немецком городе Бонне. Годы детства можно назвать самыми тяжёлыми в жизни будущего композитора. Гордому и независимому мальчику было трудно пережить то, что его отец, грубый и деспотичный человек, заметив музыкальный талант сына, решил использовать его в корыстных целях.

Заставляя маленького Людвига с утра до ночи сидеть за клавесином, он и не думал, что сыну так необходимо детство. В восемь лет Бетховен заработал свои первые деньги — он дал публичный концерт, а к двенадцати годам мальчик свободно играл на скрипке и органе. Вместе с успехом к молодому музыканту пришли замкнутость, потребность в одиночестве и необщительность.

В это же время в жизни будущего композитора появился Кристиан Готлиб Нефе, его мудрый и добрый наставник. Именно он привил мальчику чувство прекрасного, научил его понимать природу, искусство, разбираться в человеческой жизни.

Нефе обучил Людвига древним языкам, философии, литературе, истории, этике. Впоследствии, будучи глубоко и широко мыслящим человеком, Бетховен стал приверженцем принципов свободы, гуманизма, равенства всех людей. В 1787 году молодой Бетховен покинул Бонн и отправился в Вену.

         

Прекрасная Вена — город театров и соборов, уличных оркестров и любовных серенад под окнами — покорила сердце юного гения. Но именно там молодого музыканта поразила глухота: сначала звуки казались ему приглушёнными, потом он по несколько раз переспрашивал нерасслышанные фразы, затем понял, что окончательно теряет слух. «Я влачу горькое существование, — писал Бетховен своему другу. — Я глух. При моём ремесле ничего не может быть ужаснее… О, если бы я избавился от этой болезни, я обнял бы весь мир».

Но ужас от прогрессирующей глухоты сменило счастье от встречи с юной аристократкой, итальянкой по происхождению Джульеттой Гвиччарди (1784–1856). Джульетта, дочь богатого и знатного графа Гвиччарди, приехала в Вену в 1800 году. Тогда ей не было и семнадцати, но жизнелюбие и очарование молодой девушки покорили тридцатилетнего композитора, и он сразу же признался друзьям, что влюбился пылко и страстно.

Он был уверен, что и в сердце насмешливой кокетки зародились такие же нежные чувства. В письме своему другу Бетховен подчёркивал: «Эта чудесная девушка так сильно любима мною и любит меня, что я наблюдаю поразительную перемену в себе именно из-за неё».

Через несколько месяцев после первой встречи Бетховен предложил Джульетте взять у него несколько бесплатных уроков игры на фортепиано. Та с радостью приняла это предложение, а взамен за столь щедрый подарок преподнесла своему учителю несколько вышитых ею рубашек. Бетховен был строгим учителем.

Когда игра Джульетты ему не нравилась, раздосадованный, он швырял ноты на пол, демонстративно отворачивался от девушки, а та молча собирала тетради с пола. Через шесть месяцев, на пике чувств, Бетховен приступил к созданию новой сонаты, которую после его смерти назовут «Лунной». Она посвящена графине Гвиччарди и была начата в состоянии великой любви, восторга и надежды.

Дописывал же композитор свой шедевр в гневе, ярости и сильнейшей обиде: ветреная кокетка завела роман с восемнадцатилетним графом Робертом фон Галленбергом, который тоже увлекался музыкой и сочинял весьма посредственные музыкальные опусы. Однако Джульетте Галленберг казался гениальным, чем наивная девушка не замедлила поделиться со своим учителем.

Тот, разгневанный, попросил юную графиню больше не приходить к нему. «Я презрел её, — вспоминал много позже Бетховен. — Ведь если бы я захотел отдать этой любви мою жизнь, что же осталось бы для благородного, для высшего?» А ученица-аристократка, став графиней Галленберг, покинула Вену и уехала в Италию.

В душевном смятении в октябре 1802 года Бетховен покинул Вену и уехал в Гейлигенштадт, где написал знаменитое «Гейлигенштадтское завещание»: «О вы, люди думающие, будто бы я злобен, упрям, невоспитан, — как вы ко мне несправедливы; вам неведома тайная причина того, что вам кажется. Сердцем своим и разумом я с детства предрасположен к нежному чувству доброты, я всегда был готов к свершению великих дел.

Но подумайте только, что вот уже шесть лет я нахожусь в злосчастном состоянии… Я совершенно глух…» Страх, крушение надежд порождают в композиторе мысли о самоубийстве. Но Бетховен собрался с силами и решил начать новую жизнь и в почти абсолютной глухоте создал великие шедевры.

Прошло несколько лет, и Джульетта вернулась в Австрию и приехала на квартиру к Бетховену. Плача, она вспоминала о прекрасном времени, когда композитор был её учителем, рассказывала о нищете и трудностях её семьи, просила простить её и помочь деньгами. Будучи человеком добрым и благородным, маэстро дал ей значительную сумму, но просил уйти и никогда не появляться в его доме.

Бетховен казался равнодушным и безразличным. Но кто знает, что творилось в его истерзанном многочисленными разочарованиями сердце. В конце жизни композитор напишет: «Я был очень любим ею и более, чем когда-либо, был её мужем…»

Пытаясь навсегда вычеркнуть из памяти возлюбленную, композитор встречался с другими женщинами. Однажды, увидев красавицу Жозефину Брунсвик, он тотчас же признался ей в любви, но в ответ получил лишь вежливый, но однозначный отказ.

Тогда в отчаянии Бетховен сделал предложение старшей сестре Жозефины — Терезе. Но та поступила таким же образом, придумав красивую сказку о невозможности встреч с композитором.

Гений не раз вспоминал, как унижали его женщины. Однажды одна молодая певица из венского театра на предложение встретиться с ней с насмешкой ответила, что «композитор настолько безобразен во внешнем виде, да к тому же кажется ей слишком уж странным», что встречаться с ним она не намерена.

Людвиг ван Бетховен и в самом деле не следил за своей внешностью, часто оставался неопрятным. Вряд ли его можно было назвать самостоятельным в быту, ему требовалась постоянная забота женщины.

Когда Джульетта Гвиччарди, будучи ещё ученицей маэстро и заметив, что у Бетховена не так повязан шёлковый бант, перевязав его, поцеловав при этом в лоб, композитор не снимал этот бант и не переодевался несколько недель, пока друзья не намекнули на не совсем свежий вид его костюма.

Слишком искренний и открытый, презрительно относящийся к лицемерию и угодничеству, Бетховен часто казался грубым и невоспитанным. Нередко он выражался непристойно, отчего многие считали его плебеем и невежественным хамом, хотя композитор просто говорил правду.

Осенью 1826 года Бетховен заболел. Изнурительное лечение, три сложнейшие операции не смогли поставить композитора на ноги. Всю зиму он, не вставая с постели, абсолютно глухой, мучился оттого, что… не мог продолжать работать. 26 марта 1827 года великий гений музыки Людвиг ван Бетховен скончался.

После его смерти в ящике письменного стола нашли письмо «К бессмертной возлюбленной» <Так Бетховен озаглавил письмо сам (авт.)>: «Мой ангел, моё всё, моё я… Отчего глубокая печаль там, где господствует необходимость?

Разве наша любовь может устоять только ценою жертв путём отказа от полноты, разве ты не можешь переменить положение, при котором ты не всецело моя и я не всецело твой? Что за жизнь! Без тебя! Так близко! Так далеко! Какая тоска и слёзы по тебе — тебе — тебе, моя жизнь, моё всё…».

Многие потом будут спорить о том, кому именно адресовано послание. Но маленький факт указывает именно на Джульетту Гвиччарди: рядом с письмом хранился крохотный портрет возлюбленной Бетховена, выполненный неизвестным мастером.

Майк Олдфилд -британский мультиинструменталист и композитор, работающий в самых разнообразных жанрах: прогрессив и арт-рок, электронная музыка, фолк, кельтская музыка. Дебютный концептуальный альбом Майкла Олдфилда «Tubular Bells», главная тема из которого была использована в мистической драме 1973 года «Изгоняющий дьявола» и получила Grammy за лучшую инструментовку; в 2002 году был включен в рейтинг The 25 Most Influential Ambient Albums Of All Time (25 главных альбомов всех времён в стиле эмбиент).

[ Читать дальше ]

Эрнесто Кортазар (Ernesto Cortazar II) родился 10.12.1897 в городе Мехико в семье композиторов. Его отец, Ernesto Cortazar Sr., был талантливым композитором, весьма уважаемым в своей области и являлся президентом Общества Авторов и Композиторов (SACM). Когда Эрнесто исполнилось 13, в ужасной автокатастрофе погибли его родители. Несмотря на трагедию, Эрнесто продолжает посещать музыкальную академию, и к 17 годам начинает писать музыкальные темы для кино.

В возрасте 18-ти лет, Эрнесто создаёт свою первую музыкальную тему для кино «La Risa de la Ciudad». Саундтрек Эрнесто для этого фильма, фортепианное произведение "Река Мечтаний" - получил премию за Лучшую музыку к латиноамериканскому кинофильму на Фестивале Картахены [Cartagena].

[ Читать дальше ]

 Сегодня исполнилось 80 лет Микаэлу Таривердиеву- одному из самых значительных композиторов ХХ века. [ Читать дальше ]

В 1990 году уже не слишком молодой и порядком скучный банковский клерк Ронан Хардиман (Ronan Hardiman) внезапно оставил свою рутинную работу ради того, чтобы заняться тем, о чем мечтал всегда — сочинением музыки. Довольно скоро его талант был замечен, и Ронан стал работать над музыкой для ирландского телевидения. К 1996 году, когда Майкл Флэтли пригласил его для создания музыки к шоу Lord of the Dance, Хардиман уже был обладателем внушительного списка наград и званий, в том числе премий BBC и PBS.

Ошеломляющий всемирный успех Lord of the Dance и Feet of Flames сделал Ронана известным уже в гораздо более впечатляющих масштабах. Осаждаемый предложениями продюсеров и музыкантов из самых разных стран, в итоге Хардиман принял предложение знаменитой звукозаписывающей фирмы Polygram Records. В рамках заключенного с компанией соглашения он создал и записал сольный проект, который так и назывался: Solas, и был выпущен в марте 1998 года.

Альбом Solas стал «золотым» в Ирландии, а в США долго находился в лучшей двадцатке хит-парада Billboard в категории «нью-эйдж». В январе 1999 одна из песен альбома — «Небеса» (Heaven) — была выпущена во французской версии под названием Elle Donne. Эта песня долго возглавляла французский хит-парад. Помимо этого, в 1999 году Хардиман вместе с Майклом Флэтли работал над музыкой к новой постановке — Feet of Flames. В канун 2000 года Ронан Хардиман был удостоен особой чести: от правительства Республики Ирландия композитор получил задание сочинить специальную песню, посвященную наступлению нового тысячелетия.

Ронан выпустил свой второй сольный проект — Anthen. Музыка на этом альбоме предстает изысканным сочетанием ирландских, классических и современных мотивов. Anthen — это «радостная хвалебная песня» ирландских холмов, одновременно страстная, чарующая и прекрасная. Ронан Хардиман: Чем отличается "Anthem" ("гимн", "песнопение") от предыдущего альбома - это тем, что для нового диска я записал несколько вокальных композиций, я имею в виду, полностью вокальных, подобных которым нет в "Solas". На новом альбоме их три. Безусловно, в моих сольных проектах музыка всё больше и больше похожа на поп. И я в восторге от этого. Мне очень интересен технологический прогресс в музыке и то, как я могу распорядиться им. Конечно, в моих произведениях встречаются классические элементы, например, на альбоме "Anthem" - особенно в "Salve". В этом треке - огромный хоровой элемент. Что касается другого трека, "Ancient Lands", который полностью оркестровый, то я хочу сказать, что я сделал его таковым не потому, что мне это очень сильно нравится. Просто, как я уже говорил, музыкальная динамика большого оркестра звучит грандиозно в музыке такого типа..." (из интервью для сайта www.celticcafe.com). ТРЕКИ: Anthem, That Place In Your Heart, Run Away, Ready For Life, Salve, Never, Worlds Apart, Ancient Lands, Where Are You Now, Heaven (Waiting There For Me)

Фрагменты интервью Ронана Хардимана  — Много ли Вам пришлось работать над созданием музыки к новому шоу Майкла Флэтли — Feet of Flames? — Я начал работу в октябре 1999, и придумал где-то 45 минут полностью новой музыки. Сейчас, конечно, в шоу еще используются мотивы из Lord of the Dance, но вскоре, думаю, это станет чем-то полностью новым. — По слухам, Вы собираетесь оставить неизменной увертюру к представлению? — Как раз наоборот. Увертюра будет абсолютно новой. Она должна задать тон и настроение в соответствии со всей задумкой Feet of Flame. Музыка к Lord of the Dance брала немало из рок-н-ролла, на фоне звучали гитары и барабаны, как бы обрамлявшие мелодии традиционных инструментов. Но для Feet of Flames мы полностью сменили саму концепцию звучания. — И в чем же состоит основная разница? — Теперь основную мелодическую нагрузку несут на себе необычные для современной сцены инструменты и их сочетания. Например, я включил свирель вместе с электрогитарой, которые редко используются для исполнения традиционной музыки. Пришлось все делать очень осмотрительно и осторожно. Кроме того, в композицию как бы встроена египетская тема, во время которой на танцоры сцене одеты в египетские костюмы. Вообще, вся увертюра — это соединение средневековой и египетской мифологии. Хотя, казалось бы, звучать это должно странно, на самом деле получается нечто абсолютно сенсационное. — А кому первому пришла в голову мысль о включении египетских элементов? — Решение родилось совместно в нашей творческой команде, вместе с художником по костюмам, с Майклом Флэтли и Мойрой Даффи. Это не было каким-то неожиданным решением, скорее — естественным развитием наших предыдущих идей. — С чего Вы начали сочинение музыки к Feet of Flames? — По сути, процесс повторял сочинение музыки для Lord of the Dance, но начался он с другой стартовой точки. Первая сцена, которую я написал, была увертюра, и затем я двигался, уже отталкиваясь от нее. Хотелось, чтобы новая увертюра была совершенно непохожей на вступление к Lord of the Dance, поэтому вместо того, чтобы постепенно наращивать силу звучания, как это было в старом шоу, Feet of Flames с первых же тактов вступает со всей мощью. — Что придает увертюре эту мощь и силу? — Динамичность и скорость звучания. На сцене в это время идет процессия всех основных персонажей во главе с Хелен Иган, исполняющей главную роль. Слегка изменилось либретто, мы даже ввели новых персонажей. Естественно, основная идея осталась неизменной — борьба добра со злом — но на этот раз в шоу гораздо больше нестандартных и неожиданных решений. Словом, что рассказывать, Вы лучше просто посмотрите выступление! — Представления Майкла Флэтли по-прежнему вдохновляют Вас на написание музыки? — Да, и еще как! Разумеется, танец отталкивается от музыки, и поэтому мы с Майклом садимся вместе и обсуждаем все заранее, прежде чем делаем что-либо. Часто бывает, что разговор с режиссером или постановщиком превращается в долгую перепалку, но с Майклом все иначе. — Принимаете ли Вы участие в подборе музыкантов для шоу? — Разумеется, особенно когда я думаю о предстоящей студийной записи. Конечно, есть люди, с которыми мне нравится работать, но живые выступления накладывают свои требования. Музыканты должны быть не только мастерами своего дела, от них требуется достаточно выносливости для непрерывных переездов и гастролей, и, конечно, они должны обладать определенной харизмой. — Когда Вы сочиняете музыку, Вы уже думаете о подходящих исполнителях для нее? — Конечно. Например, если я использую гитару, то обязательно думаю о Дэйве Кири. Он просто невероятный исполнитель и способен сыграть практически все, чего бы от него ни потребовали. Во время сочинения музыки я играю на синтезаторе, и бывает нелегко повторить такое на гитаре, но Дэйв всегда справляется. — Не так давно прошла премьера шоу Feet of Flames. Какие у Вас остались впечатления от нее? — Впечатление полного хаоса. Майкл Флэтли проявил себя в полной силе — он обладает удивительной способностью создать вокруг себя беспорядочное движение. Какие-то куски музыки пришлось переделывать буквально за несколько часов перед поднятием занавеса. — Когда представление путешествует с гастролями по разным странам мира, приходится ли Вам адаптировать музыку для разных аудиторий? — Нет, не приходится. Уже при сочинении я стараюсь отказаться от всего чересчур «местного». К примеру, звучание объединяется таким универсальным компонентом, как современная поп-музыка. Я нисколько не боюсь «испортить» народные мотивы и стараюсь смешивать старинное и современное как можно аккуратнее. В итоге, результат уже не несет на себе отпечатков никакого конкретного времени и места. По-моему, если писать музыку, руководствуясь соображениями актуальности и моды, она быстро устареет. — Много ли Вы работаете над собственными проектами? — Да, скоро выйдет мой новый сольный альбом, который, на мой взгляд, является лучшим из того, что я сделал. На пластинке звучит голос Лесли Даудалл, известной в Ирландии вокалистки. Кроме нее, я пригласил петь Розин О’Релли, у нее прекрасный оперный голос. — Вас когда-нибудь приглашали написать музыку для других ирландских мюзиклов? — Да, и не однажды. Но Lord of the Dance и Feet of Flames — это, видимо, моя судьба. Именно этими работами я, надеюсь, останусь в будущем. А если я соглашусь написать музыку к другому ирландскому шоу, я просто стану своим собственным конкурентом! Мы добились заметного успеха с этими двумя представлениями, и, по-моему, стоит направить всю энергию на поддержание успеха, а не распыляться. — Сочинение музыки к Lord of the Dance и Feet of Flames было полезным опытом для Вас, как для композитора? — Абсолютно верно. Хоть я и прежде имел немалый опыт написания музыки для ирландского и английского телевидения, но именно Lord of the Dance принес мне всемирную известность. Я думаю, лучшим индикатором настоящей популярности служит количество пародий, а пародий Lord of the Dance существует уже множество. Думаю, такой успех приходит к человеку только один раз в жизни.