«С меня хватит» (Falling Down) — психологическая драма американского режиссера Джоэла Шумахера (Joel Schumacher) снятая в 1993 году.



Самое страшное для американца — перестать улыбаться и возненавидеть весь белый свет. Эта история "обыкновенного безумия" началась в автомобильной пробке на одной из автострад Лос-Анжелеса. Рядовой обыватель начинает свою маленькую войну против всего, что его раздражает. Однако закон не на его стороне...



Уильям Фостер (Майкл Даглас) - типичный неудачник. Он долгое время работал на правительственную оборонную корпорацию D-Fens, но там произошло сокращение, и Фостера уволили. Он был счастлив в браке, и у них с женой родился прелестный ребенок, но жена развелась с Уильямом, и суд запретил ему видеться с дочкой, в которой он души не чаял. Теперь Фостер живет у своей матери, от которой скрывает, что он без работы, и надеяться ему не на что. Учитывая тот факт, что у Фостера и раньше были определенные проблемы с психикой - собственно, жена поэтому с ним и развелась, - все эти неприятности окончательно подорвали его психическое состояние, и оставалось дождаться какой-нибудь искры, которая бы спровоцировала Уильяма на безумные поступки.



Этой искрой оказалась банальная пробка в жаркий лос-анджелесский денек, когда у дочки Фостера случился день рождения. Стоя в пробке в своей задрипанной машинке, в которой не работал кондиционер, Уильям вдруг понял, что ему нужно сделать. Он должен отправиться на день рождения своей дочери! И никакие постановления суда, а также бывшая жена Уильяму в этом не помешают!



А в полицейском участке данного района все никак не могут понять, что это за целая череда происшествий, связанных со всяким разнообразным насилием, причем во всех случаях преступник исправно платил за товар: в разнесенном магазинчике заплатил за кока-колу, в фастфудной забегаловке, где он, угрожая оружием, потребовал в обеденное время выдать ему завтрак, заплатил за гамбургеры, ну и так далее. И только старый полицейский детектив Мартин Прендергаст (Роберт Дюваль), который дослуживает последний день перед увольнением, по чистой случайности знает, что это за человек. Мартину совершенно не хочется в этот день нарываться на неприятности, но похоже, что именно ему придется встать на пути съехавшего с глузда клерка, потому что иначе это все может закончиться очень и очень плохо.



Хорошее кино. Настоящая драма, причем сделанная в очень правильном ключе: никакой истерики, никакого искусственного нагнетания напряжения и никаких сказок о героических полицейских. Просто зашуганный жизнью клерк, которого жизнь довела до полного слета с катушек, и зашуганный женой и начальством полицейский, который исключительно волею судеб ввязался в эту историю. "С меня хватит" наполнен яркими и весьма жизненными персонажами. Кроме главных героев это лицемерный начальник полиции, неуравновешенная жена Прендергаста, коллега детектива, который его все время достает, нацик-продавец из магазина оружия, детишки на улице, которые объясняют Фостеру, как обращаться с базукой, возмущенные гольфисты в розовых и голубеньких штанишках...

«Лицо со шрамом» (Scarface) — криминальная драма американского режиссера Брайана Де Пальмы (Brian De Palma) снятая в 1983 году.



Ремейк фильма 1932 года Хоурда Хоукса с Полом Муни в главной роли с учетом современных реалий. Фидель Кастро выгнал с Кубы вместе со своими политическими противниками преступников и наркоманов. Все они прибыли в США. В центре сюжета амбициозный уголовник Тони Монтана (Аль Пачино), осевший в Майами, позже сделавший головокружительную карьеру торговлей наркотиками на новой родине. О его взлёте и падении рассказывает этот фильм.



В мае 1980 Фидель Кастро открыл Мариельскую гавань на Кубе, намереваясь отпустить некоторых своих сограждан к родственникам, проживающим в США. Через 72 часа 3000 американских судов были направлены к Кубе. Вскоре стало очевидно, что Кастро заставлял владельцев судов брать с собой не только родственников, но и уголовников. Из 125 тыс. добравшихся до Флориды 25 тыс. имели судимости.



Главный герой фильма - кубинец Тони Монтана (Аль Пачино) - именно такой преступник, который волей случая попал в Америку в качестве "политического беженца". Тони очень хотел попасть в Америку. Он верил в Америку и был убежден в том, что эта страна даст осуществиться всем его мечтам. Правда, мечты у Тони довольно своеобразные - несложно догадаться, о чем может мечтать преступник и убийца, но, как ни странно, Америка действительно дала Тони все, о чем он мечтал.



Очень сильный фильм, который считается одним из лучших творений Де Пальма. В нем совершенно замечательно соединились: великолепный сценарий Оливера Стоуна, безусловное мастерство режиссера (финальная сцена в доме Монтаны потом много раз копировалась другими постановщиками), работа продюсера Мартина Брегмана (он продюсировал все предыдущие фильмы с Аль Пачино, за которые тот получил номинации на "Оскар", начиная с "Крестного отца"), очень запоминающийся саундтрек композитора Джорджо Мородера, но главное - гениальная актерская работа великого Аль Пачино. На мой взгляд, криминальных драм такого уровня было снято очень мало, и "Лицо со шрамом" стоит одной из первых в списке лучших представителей этого жанра.  



Тони Монтана получил имя в честь любимого футбольного игрока Оливера Стоуна — Джо Монтаны. Слово «fuck» использовано в фильме 218 раз. В заключительной сцене фильма в одном из моментов Аль Пачино хватается за дуло автомата, несмотря на то, что на съёмках были использованы холостые патроны, ствол был настолько раскален, что, схватившись за него, Пачино получил серьезный ожог руки, вследствие чего съёмки пришлось приостановить на несколько недель. Оливер Стоун написал сценарий фильма, борясь с кокаиновой зависимостью. Фильм посвящен Бену Хехту (сценарист) и Говарду Хоуксу (режиссер оригинального фильма "Лицо со шрамом" 1932 года). Фильм три раза получал рейтинг «X», после чего Брайан Де Пальма пригласил группу экспертов, в которую вошли агенты по борьбе с наркотиками, по заявлению данной экспертной группы «Лицо со шрамом» — точное изображение реальной жизни, поэтому фильм заслуживает более мягкого рейтинга, заявление экспертной комиссии смогло убедить 20 членов комиссии по рейтингам кинофильмов, они согласились выставить фильму рейтинг R (18 голосов «за», 2 «против») и в итоге поцензуренная версия мало чем отличалась от первоначальной версии, поэтому Де Пальма решил ничего не менять и выпустил на экраны оригинальную версию. Количество трупов в картине: 42. До сих пор никто не может точно сказать — нюхал ли Пачино настоящий кокаин или это был муляж, Пачино не раз задавали этот вопрос, но он всегда отвечал очень уклончиво. Одним из прототипов Тони Монтаны был сам Аль Капоне, у Капоне на лице тоже был шрам и он был также жесток.

«Из ада» (From Hell) — детективный исторический триллер американских братьев Альберта Хьюз и Аллена Хьюз (Albert Hughes, Allen Hughes) снятый в 2001 году.



Лондон, 1888 год. В районе Уайтчепл, считающимся одним из самых криминальных в городе, совершено зверское убийство уличной проститутки. Расследованием занимается инспектор полиции Фред Эбберлайн (Джонни Депп), у которого имеется дар предсказания будущего во сне, который он усиливает опиумом, регулярно накуриваясь до бессознательного состояния в китайских опиумных курильнях. Безжалостные убийства продолжаются, и становится ясно, что убийца имеет обширные познания в анатомировании. Эбберлайн заручился поддержкой бывшего хирурга королевской семьи и одной из проституток, с каждым шагом он все ближе подбирается к убийце, но тот все время ускользает. Становится ясно, что власти города не только не стремятся обезвредить Потрошителя, но всяческим образом пытаются направить расследование в другую сторону. Эбберлайну становится понятно, что в этой истории с убийствами замешаны высшие правительственные чины Англии, и даже Королевский дом.



Инспектор Фредерик Джордж Эбберлайн совершает революцию в уголовном расследовании. Он одновременно рационалист — аналитик, дактилоскопист, ученый — и ясновидящий, причем в его нелегком интуитивном труде ему помогает настойка опия. Он ищет Джека-Потрошителя — маньяка, который убивает проституток и рисует картины их внутренними органами. В одну из девушек инспектор он влюбится. А убийца, разумеется, связан с британской высшей аристократией.



Он — воплощение тьмы и ужаса. Он самый таинственный и знаменитый из всех серийных убийц, известных истории. Он погрузил Англию в атмосферу страха и породил массу слухов и домыслов. Убийца, который знает больше простого мясника или лаборанта. Убивая, он совершает чудовищный ритуал. Его прозвище — Джек-Потрошитель.



Джек-Потрошитель послал людям, расследовавшим его дело, несколько писем, одно из которых назвали "Из ада" — это он написал вместо адреса отправителя. Адресатом письма был мистер Ласк, председатель комитета бдительности района Уайтчепел, в котором были совершены убийства. Письмо это инспирировало графический роман "Из ада" (авторы Алан Мур и Эдди Кэмпбелл, почти шестьсот страниц безумно сложного многослойного комикса), а тот, в свою очередь, был экранизирован режиссерами и братьями-близнецами Альбертом и Алленом Хьюз с Джонни Деппом в главной роли. Фильм снимали на окраине Праги, где специально построили пару лондонских районов.  



Самое прекрасное в фильме — это его концовка, напоминающая нам, что мы всё-таки смотрим экранизацию комикса. Комиксы — это американский эпос, которому, как и прочим эпосам свойственен культ чести и присутствие нелогичных подвигов, которые выглядят блажью с нашей точки зрения, но при этом являются важными мощными и мощными рычагами воздействия на сознание. Инспектор Эберлайн, главный герой "Из ада" пошёл дальше всех. И его финальный отказ от любимой женщины ради её благополучия выглядит настоящим рыцарским подвигом. Разумеется, он мог бы учудить какую-нть хитрость вроде выходки Эйзенхайма, но с другой стороны честь — дороже жизни, и честь не терпит "кручу-верчу-запутать хочу". Спасая чужую жизнь и свою честь, он приобрёл значительно больше, чем потерял. За кормой осталось мещанское благополучие, устроенный быт и плотская любовь, зато в ним в лодке осталась не только плата за перевоз, но и самопожертвование, геройство, вечность, наконец. Из простого человека он превратился в эфирного небожителя, которому доступны чувства неизвестные большинству народонаселения.

«Матч-пойнт» (Match Point) — драматический триллер американского режиссера Вуди Аллена (Woody Allen) снятый в 2005 году в Великобритании.



Фильм повествует о бывшем теннисисте-профессионале Крисе Уилтоне, который после знакомства с семьёй богатых аристократов Хьюитов начинает делать быструю карьеру в высшем британском обществе. Матч Пойнт (Match Point) – ситуация в большом теннисе, когда для победы одной из сторон нужно выиграть решающий мяч. Подобных ситуаций у Криса Уилтона было много. Он – бывший теннисист, добившийся на этом поприще серьёзных результатов. Завершив спортивную карьеру, Крис устраивается инструктором в спортивный клуб, где знакомится с Томом Хьюитом – сыном богатых родителей. Встреча с сестрой Тома Клои вносит в размеренную жизнь Криса серьёзные изменения. Он попадает в высшее общество. Новая высокооплачиваемая работа, дорогая машина, личный шофёр, шикарная квартира – и всё это после женитьбы на Клои. Однажды Том представляет Криса своей подруге Ноле – американке, приехавшей в Лондон попытать счастье на актёрских прослушиваниях. Это знакомство станет судьбоносным как для него, так и для неё.



Вообще-то "Матч Пойнт" - картина непробиваемо серьезная, не похожая на болтливого Вуди Аллена. Тут никто не хохмит. Мужчины совершают Поступки и кусают в отчаянии кулаки. Американская красотка Скарлетт Йоханссон много и с удовольствием истерит, особенно ближе к развязке.



На протяжении двух часов Аллен дискутирует о нравственности с большими писателями, включая Достоевского и Теккерея. Дело Раскольникова тут не просто всплывает в кадре в виде книжки, а еще и копируется "в ноль" (будет даже старуха-процентщица!). Роман же британских разночинцев с высшим светом аккуратно списан с "Ярмарки тщеславия". Но в итоге, Аллен ловко щелкает оппонентов по носам. Его проныра-тренер, бедный, но хваткий парень с амбициями - образ архетипичный, такой часто вышагивал по страницам. Он не подонок, иногда мается сомнениями, но и не злоупотребляет ими: просторный дом и лимузин с водителем важнее духовной чистоты. Сто-двести лет назад таких вот ушлых, циничных героев карало божественное (и не только) правосудие - например, каторгой. Но режиссер растолковывает литераторам: мол, справедливость ваша устарела, а Провидение сменило клуб. Аллен - на стороне проныры. Не столь принципиально, какими методами тот долбит себе нишу в обществе. Черт с ними, с руками - была бы чистой обувь!



По сути «Матч Пойнт» это фильм о судьбе, о везении и случайности в жизни. Чтобы проиллюстрировать законы случайности и везения вполне достаточно очень простой истории об обычном и даже не амбициозном парне из Ирландии, которому случайно повезло устроиться в жизни. Возможно, не самым красивым «американским» способом – много работай, терпи невзгоды и будет тебе счастье. И зрители рады за него – потому что в душе мы понимаем что «Великая Американская Мечта» не более чем миф. А потом парню не повезло. И зрители понимают его – потому что такое могло произойти с каждым, ведь ничего невероятного его истории нет. А потом следует третий акт пьесы Алена, логический разбитый на два действия. И тут уже единого мнения и единой реакции быть не может – каждый решает сам для себя. Матч-пойнт. Мячик задел сетку и завис в воздухе – куда он упадет, не известно. На твою сторону – ты проиграл, но не потому что ты плохой игрок, а потому, что тебе не повезло. На сторону противника – ты выиграл, но от тебя это не зависело.



Это самый длинный фильм Аллена - его продолжительность 124 минуты. Премьера фильма состоялась на Каннском кинофестивале 2005 года. В начале фильма Крис Уилтон читает «Преступление и наказание» Фёдора Достоевского, а вскоре после знакомства с Нолой Райс — Августа Стриндберга. Сюжет фильма перекликается с сюжетом романа Теодора Драйзера «Американская трагедия» (1925). В одной из сцен фильма герои отправляются в кинотеатр на картину Уолтера Саллеса «Дневники мотоциклиста» (исп. Diarios de Motocicleta) о молодом Че Геваре. В фильме звучит музыка Жоржа Бизе, Гаэтано Доницетти, Джузеппе Верди, Джоаккино Россини, Эндрю Ллойда Уэббера и Карлуса Гомеса. Возможно, фильмы Алена не для широкой аудитории, что бы он не снимал, возможно среди его фильмов есть и такие которые даже самые большие знатоки не оценили, однако «Матч Пойн» работа очень сильная и цельная для абсолютно любого режиссера в любом возрасте – жизненном и творческом.

«Барака» (Baraka) — снятый в 1992 году документальный фильм известного американского оператора и режиссера Рона Фрика (Ron Fricke), жанр которого может быть также определён как философское кино-музыкальное эссе.



Рон Фрик и Марк Мэджинсон вместе с командой из трёх человек в течение 14 месяцев съёмок побывали в 24 странах. Фильм снят широкоформатной камерой TODD-AO (70 мм), для которой Рон создал специальную компьютерную систему, позволяющую снимать удивительные, растянутые по времени, кадры.



«Барака» - это документальный фильм, в котором использованы невербальные средства для повествования о планете Земля, её природе и людях. В видеоряде, сопровождаемом музыкой в стиле world music, соседствуют кадры городских трущоб и прекрасных ландшафтов, ритуальных танцев примитивных племён и людских потоков мегаполиса, древних храмов и концентрационных лагерей.



Описать Бараку сложно, это нечто с захватывающим визуальным рядом и фантастическим звуковым оформлением. Это документалка о природе, планете Земля и о нас с вами. Это непрерывный видеоряд, в который вошли потрясающие кадры красивейших мест Земли, это необычные ритуальные обряды различных племен, это съемки жизни в городе и многое другое. Это документалка. Съемки Бараки проводились во множестве экзотических мест, на нее угробили кучу денег и несколько лет. И надо признать, что вложения окупились - документалка действительно вышла захватывающей, она что-то затрагивает в душе, когда смотришь на прекрасные кадры живой природы, или съемки какого-нибудь далекого городишка... И все это под соответствующее звуковое оформление, которое еще больше привязывает к экрану. Барака действительно стоит того, чтобы ее посмотрели. Хотя бы раз.



О чем этот фильм? Ни о чем... и обо всем сразу. О жизни, которая начинается с рассветом и приходит к закату, о бесконечном мире, который существует за стенами нашего теплого и уютного мирка в несколько квадратных метров, который мы называем домом, о том разнообразии жизни, которая проходит мимо нас, о величии вселенского разума, который вдохнул жизнь в этот прекрасный и разрушительный мир, о том, что... Каждый кадр этого фильма – фотография. Фотография неба, водопада, людей, камней, ритуалов, танцев, суеты, нужды, скуки... Но если задержать дыхание и присмотреться, то понимаешь – это одна фотография. Великолепная фотография! Фотография Жизни...



Слово «барака» в арабском, а также подвергшихся арабскому влиянию языках (суахили, турецком, урду, фарси) означает «благословение». Сходное по смыслу слово есть и в (иудейской) традиции. В контексте суфийских учений «барака» имеет значение «дыхание жизни». Посмотрите фильм, дайте чувствам время, чтобы они пришли в согласие с внутренним миром, и тогда поделитесь впечатлениями с окружающими.

 

«Аэлита» — классический советский немой художественный фильм снял в 1924 году режиссер Яков Протазанов, вольная экранизация одноимённого фантастического романа Алексея Николаевича Толстого.



Первый советский фильм из жанра научной фантастики. Несколько расплывчатый идейно, роман строился на оригинальной фабуле (межпланетная экспедиция) и давал интересный и разнообразный материал для создания занимательного кинозрелища. В нем причудливо переплетались сочные бытовые сцены московской жизни первых лет нэпа с фантастическими эпизодами - полетом на Марс, встречей "земного" инженера с правительницей Марса Аэлитой, попыткой восстания "пролетарской части" марсиан против своих угнетателей и его разгромом.



Марсианские декорации были выполнены Виктором Симовым в духе конструктивизма, а дизайн костюмов разработан художниками по костюмам МХАТа Исааком Рабиновичем и Александрой Экстер при участии Надежды Ламановой. Организаторы первой в СССР экспериментальной мастерской по мультипликации при Государственном техникуме кинематографии Николай Ходатаев, Зенон Комиссаренко и Юрий Меркулов предлагали Протазанову ввести в фильм мультипликационные эпизоды, но режиссёр на такой эксперимент не пошёл. В итоге подготовленные эскизы были использованы для создания научно-фантастического мультфильма «Межпланетная революция» (1924).



Фильм вышел на экраны 25 сентября 1924 года в Москве в кинотеатре «Арс» с музыкальным сопровождением, специально написанным для фильма Владимиром Кручининым. Выходу фильма предшествовала беспрецендентная рекламная кампания в газетах, которая началась примерно за полгода до премьеры — 26 февраля 1924 года в «Кино-Газете», где поначалу публиковались интригующие объявления с текстом «АНТА… ОДЭЛИ… УТА…» — без всяких пояснений (но в ряде случаев по нескольку таких объявлений на одной полосе). С 15 апреля объявления стали сопровождаться поясняющим текстом: «С некотрого времени радио-станции всего мира стали получать непонятные сигналы…» Ближе к премьере (19 сентября) к рекламной компании была подключена газета «Правда», в которой таинственный сигнал был воспроизведён в более «прозрачном» виде: «Анта… одЭЛИ… уТА», а в рекламном объявлении, опубликованном 24 сентября, интригующая надпись была впрямую включена в объявление о премьерном показе фильма в кинотеатре «АРС».



Несмотря на широкий зрительский успех, фильм был принят советской критикой довольно холодно. Критическая реакция во многом была обусловлена тем, что «Межрабпом-Русь» был кооперативной («нэпманской») кинокомпанией. В опубликованной в «Известиях» рецензии на фильм было сказано: «Гора родила мышь». Рецензент газеты «Правда» писал, что «стремясь исправить сомнительный с идеологической точки зрения сюжет романа Толстого создатели фильма сделали его сумбурным и невнятным». «Кино-газета» (издававшаяся самой кинокомпанией «Межрабпом-Русь») писала о фильме как о «выдающемся феномене», но сожалела, что «фильм слишком далеко отошёл от сюжета романа». «Кино-неделя» обвиняла сценаристов фильма в том, что им чужды интересы рабочего класса, и призывала установить жесткий партийный контроль над такими идеологически сомнительными режиссёрами, как Протазанов. «Новый ЛЕФ» назвал фильм старомодным развлекательным кино, бесполезным для новой советской культуры.



Фильм, существование которого долго игнорировалось отечественными историками кино, стал общепризнанной классикой кинофантастики за рубежом и считается важным явлением в истории киноискусства в целом. Вероятно, это первый полнометражный фильм о космическом полёте. Аэлита — без сомнений, из тех картин, что прошли испытание временем. Даже сегодня «Аэлита» смотрится неплохо — несмотря на техническую устарелость, откровенную театральность, излишнее усиление романтической линии и зачисление в марсианскую экспедицию карикатурного сыщика Кравцова (Ильинский). Невероятные декорации и костюмы поражают воображение, игра актеров экспрессивна и выразительна, а режиссура и монтаж не хуже, чем в Голливуде той эпохи.

«Париж, я люблю тебя» (Paris, je t'aime) — французкий киноальманах снятый в 2006 году под руководством Тристана Карне (Tristan Carne). Премьера фильма состоялась 18 мая 2006 года на Международном Каннском кинофестивале.



"Париж, я люблю тебя" — множество новелл объединенных одной темой: Париж, город любви. Двадцать режиссеров с присущими только им манерами и видением, подчеркивающим широкое разнообразие стилей, жанров, случайных встреч, атмосферы и образа жизни в Париже. Каждому режиссеру было дано пять минут свободы, которые потом связали в один рассказ. Фильм-феерия, фильм-праздник, фильм-сказка. Калейдоскоп мимолетных пятиминутных зарисовок, новелл, маленьких жизненных историй о любви — грустных, забавных, лирических, сотворенных талантливыми режиссерами, разрозненными и, казалось бы, несвязанными на первый взгляд и только в финале укладывающихся в один слаженный ряд, ибо у всех у них одна душа и один смысл — гимн жизни и любви под сенью Вечного города.



Париж… Город, известный во всём мире. Место, куда хочет поехать каждый романтик. «Увидеть Париж и умереть», — вот ассоциация, которая сразу приходит в голову, когда слышишь название этого фильма. Но двадцать режиссёров из разных стран мира вовсе не желают смерти зрителям своего творения. Наоборот, они хотят поделиться любовью и своим взглядом на этот загадочный город. Всем авторам была дана творческая свобода длиною в пять-десять минут — именно столько длится каждая из восемнадцати новелл, составляющих весь фильм. Главное связующее звено — это сам Париж, его мосты и достопримечательности, его архитектура, которая, словно настоящая ожившая музыка, наполняет твоё сознание в течение всего просмотра. Каждая история — это квартал столицы Франции, где рождаются и живут чувства обычных людей: французов, иностранцев и туристов. Причём, эти люди — совершенно разные: бешеная парочка в метро Тюлери; американский мечтатель, наконец-то увидевший Лувр; мать, потерявшая сына, и влюблённый алжирец. Что же их всех объединяет?



Основная идея фильма отражёна во фразе «Париж — город любви», и это — неспроста. Фильм создавался специально для Каннского фестиваля-2006, где участвовал в программе «Особый взгляд». Целью режиссёров было желание показать любовь в «городе любви». Решить эту задачу им помогли такие известные актёры, как Натали Портман, Жерар Депардье, Жюльет Бинош, Элайджа Вуд… Список можно продолжать ещё долго. В итоге получилось потрясающее кино, оставляющее щемящее чувство радости и счастья. Стоит зайти в интернет, как сразу обнаружишь кучу положительных отзывов: «ожидаемый восторг!», «сказочно», «волшебно», «свежо, интересно, легко!…» При этом я не встретила ни одного человека, которому бы фильм не понравился.



Обескураживающий полет авторской фантазии от реализма до фантасмагории о разной любви и о разном Париже. Парадный красочный город садов, помпезных дворцов, уютных кафешантанов и город изнаночный, без прикрас и лоска. Космополитический город, ставший плавильным котлом для множества рас, религий, культур. Любовь глазами непохожих людей с разными судьбами — преданная, слепая, материнская, отцовская, нетрадиционная, ревнивая, внезапная, воскрешающая, необыкновенная. Истории, которые потрясают, умиляют, восторгают, влюбляют. Люди с их страстями, проблемами, счастьем на фоне как будто бы оживающих парижских садов, улиц, памятников в тесном соприкосновении, во взаимной сопричастности, ибо город — это люди, а люди — это город. И очаровывает финальная песня Лесли Файст «We’re all in the dance», с ней хохочут не замечающие никого вокруг в своем счастье влюбленные с Монмартра, с ней учится жить заново без сына героиня Жюлетт Бинош, с ней в маленьких кафешантанах пьют вино и обнимаются, с ней за руку бегут резвясь по Парижу Франсин и незрячий Том… Это Париж. Париж, который кружит всех в вихре бескончно яркого танца жизни. Париж, в котором я была и который сама знаю не понаслышке. Знаю, что если бы его не было, его обязательно нужно было бы придумать. Утонченно элегантный, немного несерьезный, праздник, который всегда с тобой. Что тут сказать еще, слова уже бессильны. Талантливо, красиво, вдохновенно.



Режиссеры принявшие участие в проекте:

Olivier Assayas         (segment "Quartier des Enfants Rouges")
Frederic Auburtin     (segment "Quartier Latin") (transitions)
Emmanuel Benbihy     (transitions)
Gurinder Chadha         (segment "Quais de Seine")
Sylvain Chomet         (segment "Tour Eiffel")
Ethan Coen         (segment "Tuileries")
Joel Coen         (segment "Tuileries")
Isabel Coixet         (segment "Bastille")
Wes Craven         (segment "Pere-Lachaise")
Alfonso Cuaron         (segment "Parc Monceau")
Gerard Depardieu     (segment "Quartier Latin")
Christopher Doyle     (segment "Porte de Choisy")
Richard LaGravenese     (segment "Pigalle")
Vincenzo Natali         (segment "Quartier de la Madeleine")
Alexander Payne         (segment "14th arrondissement")
Bruno Podalydes         (segment "Montmartre")
Walter Salles         (segment "Loin du 16eme")
Oliver Schmitz         (segment "Place des Fetes")
Nobuhiro Suwa         (segment "Place des Victoires")
Daniela Thomas         (segment "Loin du 16eme")
Tom Tykwer         (segment "Faubourg Saint-Denis")
Gus Van Sant         (segment "Le Marais")

«У каждого свое кино» (Chacun son cinema ou Ce petit coup au coeur quand la lumiere s'eteint et que le film commence) — киноальманах, снятый специально для юбилейного 60-го Каннского в 2007 году под руководством Жиля Жакоба (Gilles Jacob).



В киноальманах вошли 34 киноновеллы всемирно известных режиссеров из 25 стран и 5 континентов. Каждый попытался создать свое неповторимое кино. Все эти мини-фильмы, продолжительностью 3-4 минуты, в той или иной степени связаны общей темой: кино в современном мире.



В разных странах разные люди приходят в кинотеатры. Там они влюбляются, умирают, убивают, падают с балкона, попадают на экран, занимаются любовью, воруют — и, как правило, смотрят кино, но короткометражное кино уже почти умерло.Директор 60-го Каннского кинофестиваля попробовал возродить этот жанр, предложив трем десяткам известных кинорежиссеров снять короткометражный фильм, из которых будет составлено большое кино. Основные условия – тема – “кино и люди”, хронометраж – 3 минуты, бюджет – 25 000 евро. Проект рождался в муках. Целый ряд известных режиссеров отказались от участия из-за занятости в съемках собственных фильмов, практически никто не уложился к указанному сроку – к 30 декабря 2006 года было получено только 7 работ из 33. Все эти фильмы были собраны в один альманах, который был показан на юбилейном 60 – том каннском фестивале и назван Каждому свое кино (У каждого свое кино).



Хорошее кино, которое воспримет не каждый. Во многом здесь присутствуют сюжеты, которые поймет сердцем лишь яростный любитель кино, но возможно для этого данная картина и создавалась. Достаточно хороший букет из известных режиссеров, периодически конечно пленка смысла заедает, но Каждому свое кино все-таки. Многие из сюжетов улавливаются и воспринимаются краешком сознания, какими-то тонкими, тайными струнками внутренних чувств.



«У каждого свое кино» — действительно фильм не для каждого. Этот сборник картин для человека, который по настоящему ценит каждую минуту, проведенную в кинотеатре за хорошим фильмом. Каждый режиссер попытался показать, что для него значит кино, какие эмоции возникают у него в связи с этим словом, какое место занимает оно в их жизни.



Режиссеры принявшие участие в проекте:

* Раймон Депардон — эпизод «Кино под открытым небом» («Cinema d’Ete»)
* Такеши Китано — эпизод «Один прекрасный день» («One Fine Day»)
* Теодорос Ангелопулос — эпизод «Три минуты» («Trois Minutes»)
* Андрей Кончаловский — эпизод «В темноте» («Dans le Noir»)
* Нанни Моретти — эпизод «Дневник киномана» («Diaro di uno Spettatore»)
* Хсиао-хсьен Хоу — эпизод «Дом Электрической Принцессы» («The Electric Princess House»)
* Жан-Пьер Дарденн, Люк Дарденн — эпизод «Во мраке» («Dans l’Obscurite»)
* Итан Коэн, Джоэл Коэн — эпизод «Мировое кино» («World Cinema»)
* Алехандро Гонсалес Иньярриту — эпизод «Анна» («Anna»)
* Чжан Имоу — эпизод «Вечер в кино» («En Regardant le Film»)
* Амос Гитай — эпизод «Злой дух Хайфы» («Le Dibbouk de Haifa»)
* Джейн Кэмпион — эпизод «Божья коровка» («The Lady Bug»)
* Атом Эгоян — эпизод «Арто Двойной счет» («Artaud Double Bill»)
* Аки Каурисмяки — эпизод «Литейный цех» («La Fonderie»)
* Оливье Ассайяс — эпизод «Рецидив» («Recrudescence»)
* Юсеф Шахин — эпизод «47 лет спустя» («47 Ans Apres»)
* Цай Мин-лянь — эпизод «Это сон» («It’s a Dream»)
* Ларс фон Триер — эпизод «Профессии» («Occupations»)
* Рауль Руис — эпизод «Дар» («Le Don»)
* Клод Лелуш — эпизод «Кино за углом» (segment «Cinema de Boulevard»)
* Гас Ван Сент — эпизод «Первый поцелуй» («First Kiss»)
* Роман Полански — эпизод «Эротический кинотеатр» («Cinema Erotique»)
* Майкл Чимино — эпизод «Перевод не требуется» («No Translation Needed»)
* Дэвид Кроненберг — эпизод «Самоубийство последнего в мире еврея в последнем кинотеатре в мире» («At the Suicide of the Last Jew in the World in the Last Cinema in the World»)
* Вонг Карвай — эпизод «Я проехал 9000 км, чтобы отдать его вам» («I Travelled 9000 km To Give It To You»)
* Аббас Киаростами — эпизод «Где же мой Ромео?» («Where is my Romeo?»)
* Билле Аугуст — эпизод «Последнее свидание» («The Last Dating Show»)
* Элия Сулейман — эпизод «Неловкость» («Irtebak»)
* Мануэль де Оливейра — эпизод «Единственная встреча» («Rencontre Unique»)
* Вальтер Саллес — эпизод «В 8944 км от Канн» («A 8 944 km de Cannes»)
* Вим Вендерс — эпизод «Война во время мира» («War in Peace»)
* Чен Кайге — эпизод «Деревня Чжансю» («Zhanxiou Village»)
* Кен Лоуч — эпизод «Хэппи-энд» («Happy Ending»)
* Дэвид Линч — эпизод «Абсурд» («Absurda»)

«Люмьер и компания» (Lumiere et compagnie) — монументальный французкий киноальманах снятый в 1995 году под руководством Грэга Хьюзона (Greg Huson).



В столетний юбилей кино сорока режиссерам с мировыми именами предложили снять киноролики, используя камеру братьев Люмьер — ту самую, запечатлевшую прибытие поезда. Главное условие: киноролик должен длиться не более 50 секунд — времени демонстрации первого в мире фильма.



Изюминка проекта в том, что каждый режиссер должен был снять свою новеллу, используя ту самую модель камеры, с которой работали братья Люмьер – и снимать они должны были так, чтобы длинна фильма была в районе минуты. Сами новеллы идут вперемежку с интервью и хроникой работы мэтров.



Режиссеры принимающие участие в проекте:

* Sarah Moon
* Merzak Allouache
* Gabriel Axel
* Vicente Aranda
* Theo Angelopoulos
* Bigas Luna
* John Boorman
* Youssef Chahine
* Alain Corneau
* Costa-Gavras
* Raymond Depardon
* Francis Girod
* Peter Greenaway
* Lasse Hallstrom (starring Lena Olin)
* Michael Haneke
* Hugh Hudson
* Gaston Kabore
* Abbas Kiarostami
* Cedric Klapisch
* Andrei Konchalovsky
* Patrice Leconte
* Spike Lee
* Claude Lelouch
* David Lynch
* Merchant & Ivory (music by Richard Robbins)
* Claude Miller
* Idrissa Ouedraogo
* Arthur Penn
* Lucian Pintilie
* Jacques Rivette (starring Nathalie Richard)
* Helma Sanders-Brahms
* Jerry Schatzberg
* Nadine Trintignant
* Fernando Trueba
* Liv Ullmann (starring Max von Sydow)
* Yoshishige Yoshida
* Zhang Yimou
* Jaco Van Dormael
* Regis Wargnier
* Wim Wenders

«Зов Ктулху» (The Call of Cthulhu) — фильм, созданный в 2005 году американским режиссером Эндрю Леманом (Andrew Leman) и группой поклонников Говарда Лавкрафта (Howard Lovecraft) по одноимённому произведению писателя. Фильм стилизован под немые черно-белые фильмы 20-ых годов. Помимо этого применена особая технология — мифоскоп — для создания иллюзии древности фильма.



Безымянный главный герой рассказывает историю своего столкновения с культом Ктулху. Все началось с того, что двоюродный дед оставил ему странное наследство - плоды своих долгих изысканий, тщательно описанные несколько случаев столкновения с неизведанным. По сути, весь фильм - это ряд различных историй, проникающих друг в друга, череда историй разных людей, в каждой из которой есть что-то страшное. Тут и история странных и страшных снов молодого художника Уилкокса , и инспектора Леграса , столкнувшегося с деятельностью почитателей Ктулху в глубине болот, и моряка Йохансона, побывавшего на острове Р`лайх.



Сюжет звучит интригующе для того, кому не безразлично творчество Лавкрафта. Однако самое большое удовольствие доставляет не то, что сняла команда HPLHS (не столько кинокомпания, сколько аббревиатура Исторического Общества Г.Ф.Лавкрафта), сколько КАК это сделано. Дело в том, что размышляя над тем, как лучше всего экранизировать мастера, создатели фильма пришли к выводу - что лучшим выходом будет снимать псевдо-немой фильм. И соответствует духу эпохи (именно такой бы ГФЛ увидел бы прижизненную экранизацию собственных творений), и по бюджету подходит (понятное дело, что никто мало-мальски серьезных денег на подобный проект не выделил бы). В итоге фильм был снят за 50 тысяч долларов - личные деньги режиссера Лемана и сценариста Брэнни (Sean Branney). За что им огромное спасибо и низкий поклон, т.к. фильм получился просто изумительным (и взял два основных приза на ежегодном фестивале лавкрафтианского кино).



То, что мы видим на экране - это абсолютно классическая кинематография. Немое черно-белое кино, снятое в 2005 году - уже звучит очень странно и необычно. Стилизовано в фильме абсолютно все - и заставки, и манера съемок, и драки с прочими сценами действия. Актеры изображают различные сильные чувства в манере 20-ых годов. Стилизация настолько убедительная, что думаю человек 20-ых годов вполне бы воспринял фильм как нечто родное, из своей эпохи. Только по-современному цепляющее, завораживающее и атмосферное. Потрясающая фоновая музыка (и только музыка, при этом ничего современного в ней нет) очень удачно создает атмосферу. Да и происходящее на экране завораживает. Это самая удачная попытка передать лавкрафтианский дух на экране, что я когда-либо видел! Влияние немецкого экспрессионизма на декорации более чем очевидно - именно в этом стиле создан ужасный Р`лайх. Вообще с визуальной точки зрения авторы решили не отходить от духа (и возможностей) времени, никаких компьютерных спецэффектов - только натуральные, немного нарочито примитивные декорации (особенно это касается самого двигающегося Ктулху).



Это самая удачная, близкая к духу произведений писателя, экранизация Лавкрафта. Учитывая, что она еще и новаторская, это делает "Зов Ктулху" просто шедевром. Смотреть на эту удивительно точную стилизацию, видеть в кино своеобразный, со странными углами Р`лайх, чувствовать как обволакивает сюжет фильма, это просто потрясающе. И такие мелочи, как несколько отличных фигурок Ктулху, изогнутые и покрытые мхом ветви болотных деревьев, добавляют фильму нужную убедительность и атмосферу. Возможно фильм воспримут далеко не все - все же для этого нужно минимально знать немного и черно-белое кино, и вообще воспринимать его (а то у некоторых современных зрителей на черно-белый экран просто аллергия). Нужно любить лавкрафтианский дух, которым фильм пропитан насквозь.



Фильм снят цифровой камерой, а затем искусственно состарен, дабы выглядело так, будто он восстановлен с ветхой пленки восьмидесятилетней давности. Авторы придумали и название этому процессу киносъемки — "Мифоскоп". Музыка дается на диске в двух вариантах — РСМ и сжатый звук, обработанный таким образом, чтобы казалось будто он исходит из допотопных динамиков. Теперь к моно, стерео, квадрофонии и прочим долби-сёрраундам добавилась новая звуковая система — "Мифофонический звук". Самого Ктулху анимировал мастер спецэффектов Терри Сэндин, создавший глюкоящериц для "Страха и отвращения в Лас-Вегасе" и всякую нечисть для "Ван Хелсинга".