«Прирожденные убийцы» (Natural Born Killers, США, 1994) — фильм режиссера Оливера Стоуна (Oliver Stone), повествующий о сладкой парочке Микки (Вуди Хэррелсон) и Меллори (Джульетт Льюис) Нокс, жестоких серийных убийцах, вокруг которых СМИ создает образ народных героев.



В фильме, Стоун не только высмеивает средства массовой информации, восхваляющих серийных убийц, но и критикует американское общество в целом, которое также ответственно за появление подобных изгоев. Среди зрителей, фильм вызывает противоречивые мнения. Одни поддерживают Стоуна, за его проницательную сатиру над современными СМИ, когда другие обвиняют его в том, что поступки главных героев ленты, могут побудить людей к насилию.



Cуть ленты можно обозначить как плевок в лицо американской нации, это издевка - и над насилием, как таковым, и над теми, кто его смакует - кино, ТВ, средствами массовой информации, и прежде всего - над потребителями, идиотами у телевизоров, которые (как отец Мэллори) жаждут насилия, выступая в роли силы или зрителя, но уж никак не ожидают оказаться в положении жертвы. И таких в фильме (да и в стране) - по мнению Стоуна, абсолютное большинство! Кто-то из них говорит в камеру: "Микки и Мэллори - это круто!", кто-то носит майку с их изображением; журналы, пресса, ТВ, промышленность делают на этом деньги, нация прилипает к телевизорам - ну, еще бы, как романтично! А между тем, в Микки и Мэллори нет ничего привлекательного. Режиссер не просто развенчивает "в процессе" романтический флер - он с самого начала дает понять, что герои - недолюди. Они и выглядят соответственно: Микки - с лицом дегенерата и уголовника, Мэллори - жалкая, отталкивающая дура. И у них нет не то что "великой любви" - но даже нормальных человеческих отношений и элементарного друг к другу уважения (достаточно вспомнить эпизод, когда каждый из них искал "развлечений" на стороне). А сами они у здравомыслящего человека ничего, кроме отвращения вызвать не могут. Как, впрочем, и те, кто их окружает - начиная от журналиста, паразитирующего на теме маньяков (да, видно, что Стоуна тамошние "акулы пера" уже порядком достали) и заканчивая полицией, тюремной администрацией, фанатами на улицах... А что вы, собственно, хотите, от нации, которая уже полвека рыдает над "Бонни и Клайдом" - историей двух убийц, лишавших жизни окружающих даже не из-за денег (ведь от "грабежей" они получали копейки - пять, десять - максимум пятьдесят долларов), а просто ради собственного удовольствия. Стоун довел ситуацию до абсурда: нет не денег, ни Великой депрессии, а только "любовь" и пули. И плюс - сбылась голубая мечта не одного поколения американских идиотов - Бонни и Клайд остались в живых и бесконечно колесят по дорогам, плодя таких же ублюдков, как сами. И так же любят друг друга. Только учтите, граждане: их чувства, вызывающие у вас слезы умиления, ни в коей мере не помешают им сжечь вас заживо.



И американская нация, оказалась в точности такой же, какой он ее изобразил - реальные подростки отреагировали на Микки и Мэллори точно так же, как подростки из фильма: "Микки и Мэллори - это круто!", "Я люблю Микки и Мэллори" и т.д. Более того, нашлись "герои", пожелавшие повторить жизненный путь персонажей фильма. И  получилась ситуация, не имеющая по-моему, аналогов в мировом культурном  процессе: злая сатира "Против!" стала считаться (причем, как это ни страшно, повсеместно) манифестом "за!".



Отдельно надо сказать о монтажных изысках. "Прирожденные убийцы" не зря называют фильмом-клипом. Тут вам и мультипликация, и комиксы, и различные цветовые приемы, и последние (на тот момент) достижения компьютерной графики. Но что самое главное, - все это не только красиво, но и несет сильнейшую смысловую нагрузку. Ведь частично, именно сумбур из комиксов и компьютерных игр сделал Микки и Мэллори убийцами. В нужную минуту в голове у ребят перемыкает, и они видят не жертву - живого, и часто ничего не сделавшего им человека, а компьютерного монстра, убить которого - значит, перейти на следующий уровень.



Попутно Стоун иронизирует над классическими американскими жанрами и ценностями, срывая с них флер, и выставляя на всеобщее обозрение их убогость. Так домашняя обстановка у Мэллори - это типичная гэг-комедия со смехом за кадром, плавно переходящая в фильм ужасов. В других местах есть убийственные пародии на боевики класса "Б", "тюремные" и "журналистские" фильмы. Ну а венцом насмешливости Стоуна можно считать "сентиментальную" сцену в тюрьме: вся нация, начиная с невозмутимой дикторши телевидения, плачет от умиления над судьбой двух монстров...

«Криминальное чтиво» (Pulp Fiction, США, 1994) — один из самых известных фильмов режиссёра Квентина Тарантино (Quentin Tarantino).



Фильм постоянно находится в первой десятке списка лучших 250 фильмов на сайте IMDb. Обладатель премии «Оскар» за лучший сценарий, «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля 1994 года и ещё более сорока кинематографических наград. Картина также имела большой успех у публики и считается важной вехой в истории кинематографа, давшей ощутимый толчок развитию независимого американского кино.



Сюжет фильма нелинеен, как и почти во всех остальных работах Тарантино. Этот приём стал чрезвычайно популярен, породив множество подражателей во второй половине 1990-х. Название является отсылкой к популярным в середине XX века в США pulp-журналам. Именно в стиле таких журналов были оформлены афиши, а позднее саундтрек, видеокассеты и DVD с фильмом.



Части сюжета «Криминального чтива» были разделены, перемешаны и показаны в «неправильном» порядке (тут Тарантино не новатор - техника, до этого использовалась режиссёрами французской «Новой волны», в частности Жан-Люком Годаром и Франсуа Трюффо, а также Стенли Кубриком в «Убийстве»). Хронологический порядок эпизодов: 1. Винсент и Джулс 2. «Ситуация с Бонни»   3. Ограбление (обе части - начало фильма и финал) 4. «Мия Уоллес» 5. «Золотые часы».



Следует отметить, что слово fuck произносится в фильме 271 раз. Бюджет фильма составил 8 млн долларов, из них 5 млн пошли на гонорары актёрам. Большинство часов в фильме показывают 4:20, в том числе в ломбарде, однако не все, несмотря на распространённое заблуждение; цифры «4:20» на сленге обозначают употребление марихуаны, в США 420 — номер телефона отдела по борьбе с наркотиками. Изначально предполагалось, что в чемоданчике должны были быть бриллианты, украденные в «Бешеных псах», но это было сочтено слишком скучным, есть мнение, что там хранилась душа Уоллеса, но это было сочтено слишком надуманным, так что содержание чемоданчика осталось загадкой, во время съёмки внутри находилась оранжевая лампочка и батарейки. Кадр, где Винсент втыкает шприц в грудь Мии, снимали в обратном порядке: шприц отдёргивали от актрисы. В фильм эпизод был вмонтирован задом наперёд. Так как хронологически сцена с золотыми часами идёт в фильме последней, то в одном из кадров с Бутчем можно услышать радио и приглушенный голос ведущего, который сообщает, что — «накануне из ресторана „Джек Рэббит Слимс“ был украден приз за твист», в русских версиях фильма этот момент не был переведен.



Несмотря на то, что внешне сюжет фильма похож на бульварный ширпотреб чтиво, «Криминальное чтиво» считается умным и тонким кинематографическим шедевром.Одно из главных достоинств фильма — диалоги, которые очень сложно корректно перевести на русский язык. Одним из наиболее соответствущих оригиналу считают перевод студии «Полный Пэ», так как студия осуществила перевод «грязного английского» с использованием близких выражений русского мата без утраты эмоциональной окраски фраз. Есть и другая точка зрения, по которой данный вариант перевода сильно упростил фильм, снизив его с уровня притчи таки до "бульварного" уровня. Во любом случае наиболее правильно смотреть только с оригинальной звуковой дорожкой - ради этого стоит выучить английский!

"Подполье" (Андерграунд, Подземлье, Underground) — фантасмагория культового  сербскогго режиссёра Эмира Кустурицы (Emir Kusturica). Фильм вышел на экраны в 1995 году. В этой работе Кустурица связал прошлое своей страны с эпизодами новейшей истории (начало войны на Балканах).



В 1992 году началась Боснийская война. Дом семьи Кустурицы в Сараево был разрушен, отец режиссёра Мурат Кустурица вскоре после этого скончался от сердечного приступа. Семья нашла убежище в Черногории. Видя, что происходит с его страной, Кустурица вернулся в Югославию для того, чтобы начать работу над новым фильмом — фантасмагорическим фильмом-притчей с элементами чёрной комедии "Подполье" по сценарию знаменитого югославского драматурга Душана Ковачевича.



Действие фильма происходит на протяжении пятидесяти лет в Югославии. Два приятеля-бандита любят одну и ту же женщину — актрису Наталью. Когда начинается Вторая Мировая Война один из них, Марко, предлагает второму, Петару по прозвищу «Чёрный», уйти в подполье. Петар переселяется в подвал, и вместе с сыном и другими своими товарищами начинает производить оружие для нужд партизанского движения. Проходит время. Война уже закончилась, но Петар об этом не знает. Марко становится наверху крупным чиновником, приближённым Тито, женится на Наталье, и вместе со всей Югославией оплакивает память якобы почившего Петара, при этом продолжая зарабатывать на оружии, производящемся в подполье…



«Подполье» считается лучшим фильмом Кустурицы и одним из величайших фильмов 90-х годов XX века. Фильм отмечен одной из наиболее престижных наград мирового кинематографа — «Золотой пальмовой ветвью» на Каннском кинофестивале. Оригинальную музыку для фильма сочинил Горан Брегович, и этот саундтрек сразу вошёл в классику мировой киномузыки.

Мертвец (Dead Man) — фильм Джима Джармуша (Jim Jarmusch), вышел на экраны в 1995 году, повествует о мистическом пути скромного бухгалтера Уильяма Блейка, ведомого индейцем Никто, одна из самых известных работ американского независимого кино.



После смерти родителей Уильям Блейк на последние деньги приезжает из Кливленда в Город Машины, надеясь получить место бухгалтера. Однако он узнает, что опоздал, на его место приняли другого человека. В отчаянии Уильям Блейк заходит в местный бар, где знакомится с бывшей проституткой, а ныне продавщицей бумажных цветов Телл и ночует у неё.



Внезапно к ней приходит бывший жених и устраивает разборку, в ходе которой Блейк получает ранение в сердце, а Телл вместе со своим женихом гибнут. В смерти Телл и «её жениха» - сына мистера Дикенсона (хозяина Города Машины) винят Уильяма Блейка. Раненный Блейк ищет спасения в близлежащем лесу. Там его находит Никто — индеец-отшельник, изгой своего племени. Он принимает смертельно раненого бухгалтера за воплощение английского поэта Уильяма Блейка и решает помочь ему с честью отправится в мир духов. В погоню за Блейком посланы наемные головорезы и профессиональные следопыты



Повествование, идеально стилизованное под черно-белое кино (Джармуш специально искал тот тип пленки, который дает не радикальный черно-белый экран, а оттенки серого, что придает картинке некоторую цветность), не соответствует каноническим жанром - ни вестерну, ни фильму-путешествию, и представляет собой скорее поэтическое иносказательное рассуждение о метафизике смерти. Натянутая тишина саундтрека, заполненная гитарными рифами Нила Янга, завораживает, нагоняет напряжение сильнее, чем редкие выстрелы. В картине все идеально пригнано, она течет подобно стихам самого Уильяма Блейка, тезки главного героя. Джонни Депп - актер с маской вместо лица - прекрасно передает перерождение героя от женоподобного юноши, вздрыгивающего при каждом выстреле, к мертвецу, по воле судьбы путешествующему туда, "где небеса встречаются с морем".



Невозмутимая операторская работа, отличный монтаж так точно передают атмосферу западно-американского Аида, динамику течения времени в этом царстве мертвых, что поневоле начинаешь жить по его законам с затаенным дыханием, медленной походкой, безсмысленными поэтическими фразами. Сценарий самого Джима Джармуша отличается редкой скупостью на диалоги, которые настолько самодостаточны, что каждый мог бы дать начало новому фильму классом пониже. Порой за людей просто говорит картинка и музыка. Скупая манера съемки, подбор актеров - все это должно уводить зрителя не в экранное дейсьвие, а внутрь себя. Такова идея Джармуша - снимая фильм, он вызывает своего зрителя на внутренний спор, одной из сторон которого является сам режиссер, скрыто представленный своим произведением.



Критики по-разному оценили этот фильм. Roger Ebert дал фильму полторы звезды (из четырех максимальных), прокомментировав это так: «Джим Джармуш пытался что то выяснить, но что именно я так и не понял». Desson Howe и Rita Kempley написали статью для Washington Post, с очень негативными комментариями. Greil Marcus в свою очередь, озаглавил свою рецензию к фильму так: «Мертвец Вновь: Здесь находится 10 фактов доказывающие что “Dead Man” является лучшим фильмом конца 20-го века». Кинокритик Jonathan Rosenbaum дал фильму звание – “Acid Western” и сказал: «этот фильм также восхитителен и также важен как и все новые фильмы 90х годов, которые я видел». Также он написал книгу о фильме «Dead Man» (ISBN 0-85170-806-4), изданную British Film Institute.



NB В "Мертвеце" - все заядлые курильщики, но ни у кого нет табака. Если Вы посмотрели фильм и  все еще гадаете, где оказался Блейк, значит вы не курите...

«Забриски Пойнт» (англ. Zabriskie Point) — кинофильм снятый Микеланджело Антониони (Michelangelo Antonioni), вышел на экраны в 1970 году и стал одним из центральных фильмов культуры хиппи.



Забриски Поинт – это всего лишь место в Аризоне, высохшее мертвое озеро посреди бескрайней пустыни, растянувшееся на многие мили. “Забриски Поинт” – первый и единственный фильм великого итальянского режиссера Микеланджело Антониони снятый им в Голливуде. Антониони изображает протестующую молодежь – американских студентов, спорящих за свои права и готовящих забастовку. Ему чрезвычайно симпатичны и интересны эти бунтари – недаром в самом начале картины в течение нескольких минут мы рассматриваем их лица крупным планом. Но режиссеру, как он заявил в одном интервью, всегда не нравилось, что люди слишком много разговаривают и мало делают, поэтому среди этих студентов он выделяет Марка – «попутчика», как герой сам себя именует – личность деятельную и всей душой стремящуюся к свободе. В попытке помочь своим товарищам, Марк стреляет в полицейского, а потом угоняет спортивный самолет, на котором несется в бесконечное пространство пустыни. Там он встречается со свободолюбивой Дарьей, которая вместо того, чтобы ехать по указанию своего начальника, ищет место для медитации.



Марк и Дарья – герои, ищущие личную свободу и непохожие на представителей американского общества потребления и накопления, которые приспосабливаются ко всему и обманывают себя видимостью свободы. Иллюзию свободы Антониони изображает с неореалистическим интересом к мелким бытовым деталям – рекламные плакаты, своей пестротой нарушающие общую естественную тональность фильма, офис начальника Дарьи, а также его вилла в пустыне, которая неоднократно взрывается в финале фильма. Взрыв как напоминание о гибели Вавилона касается всего материального, символизирующего накопление: на воздух взлетают шкаф с одеждой и с книгами, телевизор, холодильник – всюду излишества.



Во время съемок ФБР внедряло агентов в съемочную группу; места съемок осаждали консерваторы и громко клеймили Антониони за сжигание американского флага; шериф Окленда (штата Калифорния) обвинил Антониони в том, что тот прибыл разжигать народные бунты. Рейнджеры Долины Смерти поначалу запретили Антониони снимать фильм в долине, т.к. небезосновательно опасались, что он устроит там оргию, а гос.управление штата начало следствие по делу о предполагаемом "анти-американизме" и нарушении занятного закона Мэнна, принятого в 1910 года и запрещающего транспортировку женщин через границу штата "для безнравственного поведения, проституции или распущенности".

«Беспечный ездок» (Easy Rider) — художественный фильм режиссёра Дэнниса Хоппера (Dennis Hopper) вышел на экраны в 1969 году и считается шедевром кинематографа, который задал каноны жанра Road Movie (Дорожный фильм). Беспрецедентный успех малобюджетной (всего в $400 тысяч) «маргинальной» картины класса 'В' породил немалое количество подражаний и подделок.



В картине выражены в концентрированной, сгущенной форме короткой «кинорокбаллады», кажется, все бунтарские настроения шестидесятых годов. Впервые на экране поэтизировалась «беспечная жизнь» рокеров-хиппи, несущихся на своих мотоциклах по бесконечным дорогам бескрайней Америки — из Калифорнии в Новый Орлеан — в поисках извечной «американской мечты».



Выброшенные на обочину «блудные сыновья» пытаются обрести призрачную надежду, иллюзию о «настоящей Америке». А мещанская, обывательская, нетерпимая ко всему, что непохоже на другое, выделяется, сомневается, тем более протестует, эта консервативная, как всегда, американская южная «глубинка» расправляется с ними привычными методами «ку-клукс-клана» и «суда Линча». Разница только в том, что ныне гнев обращен не против одних чернокожих, а и против белых, но волосатых, едущих на мотоциклах. Впрочем, не устраивает и тихий пьяница-бродяга, бывший адвокат, порвавший со своей средой — отличная роль, впервые прославившая Джека Николсона.



Фильм «Беспечный ездок» — именно кинорокбаллада. В него щедро включена рок-музыка 60-х годов, ставшая «отдушиной» и молитвой для умов и чаяний молодежи тех лет, превратившаяся в кардиограмму ее состояния. А яркая кинематографическая форма способствует созданию легенды о последних бунтарях Америки. Оригинально примененная оператором Ласло Ковачем съемка против солнца, с бликами света, падающего в камеру и расходящегося по кадру цветовой радугой, сегодня — уже штамп и банальный прием.



Необычным для ленты такого рода является использование вроде бы интеллектуальных «флэшфорвардсов», кадров, которые опережают действие и предсказывают события на несколько мгновений вперед. Картина-гимн молодежной субкультуры «бурных шестидесятых» одновременно по настрою оказалась пророчески «последним фильмом», знаменующим «закат» целой эпохи «беспечных и прекрасных грез о свободе». Ленты 70-х годов более трезвы и горьки, но вряд ли они появились бы без влияния «Беспечного ездока» с его предсмертной романтикой. Эта картина также была отмечена премией за дебют в Канне.

«Бразилия» (Brazil) — знаменитая антиутопия 1985 года Терри Гиллиама (Terence Vance Gilliam) по праву считается одним из лучших фильмов в фантастическом жанре.



Сюжет фильма разворачивается где-то в XX веке в антиутопичной северной стране и описывает общество которой сковала тотальная бюрократия. Сэм Лоури – крошечный винтик в огромной заржавевшей бюрократической машине тоталитарного государства будущего. Сэм старается не лезть в неприятности, но однажды, заметив ошибку в документе, которая может привести к аресту невинного человека, он решает исправить ее. Благое намерение скромного клерка неожиданно для него вызывает целую лавину странных совпадений и загадочных событий, и вскоре выясняется, что крошечная опечатка способна пошатнуть могучего колосса на глиняных ногах.



Считается, что Гиллиам снял едкую сатиру на общественное устройство Великобритании времен правления Маргарет Тэтчер и США во главе с Рональдом Рейганом, представив ее в виде пародии на научную фантастику. Визуальная часть картины безоговорочно перевешивает над сюжетной. Ее фундамент — уникальный стиль и тончайшее внимание к деталям, которого не встретишь ни в одном фантастическом фильме. Гиллиам предложил зрителям мрачный, но снятый с ослепительным блеском образ оруэлловского будущего, технологически находящегося на уровне 70-х годов. Будущего, в котором народ полностью зависим от управляющей им государственной системы.



Лейтмотивом фильма является песня 1939 года «Aquarela do Brazil» Ари Барросо, исполняемая в различных вариациях — от возвышенных и воодушевляющих до угрожающе зловещих. Название фильма также восходит к названию песни. В 2004 году фильм «Бразилия» был включён журналом «Тотал Филм» в двадцатку величайших английских фильмов всех времён. В 2005 году кинообозреватели журнала «Тайм» Ричард Корлиш (Richard Corliss) и Ричард Шикель (Richard Schickel) назвали «Бразилию» в числе 100 лучших фильмов всех времён. В 2006 году «Channel 4» незадолго до показа по «BBC Four» признал «Бразилию» одним из «50 фильмов, которые нужно посмотреть, прежде чем умереть».

Небо над Берлином (Der Himmel uber Berlin) — художественный фильм Вима Вендерса (Wilhelm Ernst Wenders) 1987 года, одна из наиболее известных работ кинорежиссёра.



Этот фильм одного из лучших режиссеров современного мирового кино является «данью чести» Берлину к его 750-летию, поэтическим признанием в любви к человечеству, притчей, рассказанной новаторским киноязыком, лентой, открывающей новые горизонты в искусстве. Сценарий вдохновлен стихами Райнера Марии Рильке (прежде всего его циклом «Дуинские элегии» с образами ангела, человека и куклы) и написан Вимом Вендерсом при участии австрийского писателя Петера Хандке, с которым он не сотрудничал более десяти лет со времен картины «Ложное движение». Неслучайно и то, что лента «Небо над Берлином» снята Анри Алеканом, «живым классиком» французского операторского искусства, работавшим с Жаном Кокто и Марселем Карне. Постановщику фильма был важен условный, «метафизический» (по его словам) опыт при создании фантастической истории, мистической сказки, мифологической поэмы, которая обращена не столько в прошлое, сколько в будущее. Посвящение трем «ангелам кино» - Андрею Тарковскому, Ясудзиро Одзу и Франсуа Трюффо - отражает не просто личные пристрастия Вендерса. Он все более избавляется от американского влияния, наследуя традиции европейского и общемирового искусства.



Итак, два ангела — Дамиэль и Кассиэль, одни из многих таких же как они — читают сокровенные мысли людей, наслаждаются своей свободой и одновременно немного завидуют смертным, но обречены на бессмертие. В мире ангелов нет времени и нет физических ощущений, а есть лишь дух и мысль. Полюбив цирковую акробатку Марион, Дамиэль выбирает невечную земную любовь и жизнь, со всеми слабостями и несовершенством.



Все черно-белые отрезки фильма были сняты через единственный в своем роде шелковый фильтр, изготовленный из чулков операторовой бабушки.  Съемки настоящей Берлинской стены были запрещены, поэтому неподалеку от нее пришлось дважды построить ее копию, первая фальшивая Берлинская стена покоробилась от дождя, т.к. подрядчик пытался обмануть съемочную группу и построил ее из дерева. В этом фильме имеется эпизодическое появление Вима Вендерса: он играет  члена съемочной группы в сцене, где ангел Кассиэль наблюдает за съемками фильма с Питером Фальком (сыщик Коломбо в одноименном сериале), в фильме он играет сам себя. Ник Кейв также играет сам себя, в фильме можно услышать три его песни.



Спустя шесть лет Вим Вендерс снял своеобразное продолжение фильма - картину «Так далеко, так близко». А в 1998 году маериканский режиссёр Брэд Силберлинг снял ремейк фильма — «Город ангелов» с Николасом Кейджем в главной роли.

«Европа» (Europa) — драма режиссёра Ларса фон Триера (Lars von Trier) 1991 года. Фильм получил Приз жюри и Большой приз Высшей технической комиссии Каннского кинофестиваля в 1991 году. Именно Европа прославила Фон Триера, принесла ему культовое признание интеллектуалов. В 91-м году взяв Приз жюри и Большой приз Высшей технической комиссии Каннского кинофестиваля. "Европа" является завершающей частью Е-трилогии (Эпидемия, Элемент преступления и Европа). Главной темой трилогии было царящее в миpе зло (рабочее название Европы - 'Большое зло').



Фильм фон Триера - это почти двухчасовой сеанс гипноза. Он начинается классическим счетом от 1 до 10, и на каждой цифре закадровый голос (он принадлежит Максу фон Сюдову) сообщает вам, какие новые ощущения вы должны испытать на пути к трансу. Для чего все это? Чтобы как раз и перенестись в послевоенную Германию. Он говорит: "Сейчас вы будете слушать мой голос… На счете десять вы окажетесь в Европе". И только когда счет заканчивается, изумленный зритель понимает, что его грубо щелкнули по носу, что гипнотический счет был обращен вовсе не к нему, а к главному герою фильма, который как раз тут же и появляется. А Вы готовы воспринимать дальнейшее непростое зрелище. Оно потребует от вас некоторого умственного и душевного усилия, поэтому время от времени будет вновь возникать закадровый голос постороннего наблюдателя.



Итак, 1945 год, Германия. Страна оккупирована войсками союзников. Все население находится под тщательным наблюдением. В это неспокойное время в атмосфере, пропитанной страхом и насилием, разворачиваются основные события жизни двух абсолютно разных, но очень близких друг другу людей. Молодой американец, работающий проводником на железнодорожном экспрессе, влюбляется в немецкую женщину, тайно связанную с нацистами. Их роман невозможен, сами они — обречены. Но, когда настаёт пора выбирать между любовью и смертью, и он, и она готовы сделать свой последний выбор. Символичен экспресс, где происходят все изображаемые события. Обычно в снах появление поезда означает жизненные изменения, движение к новым жизненным ситуациям. Образ экспресса усиливает такие качества, поэтому его облик иносказательно указывает на некие подсознательные психические силы, которые всецело довлеют над жизнью человеческой. В конце концов смерть и гипнотический сон в фильме мало различимы.  Но в чем же тогда смысл жизни? Любовь к женщине? Служение народу, который с таким трудом избавляется от тяжелой болезни? Эти и другие вопросы остаются за кадром. Каждому, кто просмотрел эту завораживающую черно-белую киноленту, остается только строить предположения о том, какие же ответы являются правильными.



"Европу" можно рассматривать с двух точек зрения. Первая - политическая. Нам дают душераздирающую картину униженной Германии. Нам показывают, как в очередной раз победитель наступает на те же грабли, размазывая побежденного по стенке. Это можно расценивать как повод для критического анализа американского "нового мирового порядка", вступившего в действие сразу после окончания Второй мировой войны, и это в фильме - момент существенный. Вторая точка зрения - эстетическая. Именно ее и хочется иметь в виду. Потому что фон Триер - явно не политик, явно художник. "Европа" - щемяще-тоскливое и визуально безупречное, хронологически рваное и аптекарски выверенное философское повествование о Судьбе, Смерти и Воле, об их взаимосвязи и о том, что в нашей жизни все-таки первично. И смотреть фильм стоит прежде всего тому, кто намерен думать на подобные темы.



Фильм снят в потрясающей воображение визуальной эстетике, стилистика убивает на повал, она уникальна. Кинематографический язык Триера максимально символичен и эмоционален. И, безусловно, новаторский, что делает "Европу" - одно из главных потрясений синемафилов.

 

«Обед нагишом» (Naked lunch) — кинофильм Дэвида Кроненберга (David Cronenberg), снятый в 1991 году по мотивам одноимённой книги Уильяма С. Берроуза и биографии писателя.



Когда в одном месте встречаются талант и наркотики вещества, временами получаются шедевральные вещи. Примерно так и случилось в сороковых годах прошлого столетия, когда Уильям Берроуз столкнулся с морфием. Результатом этой встречи стало последующее знакомство с героином, убийство собственной жены в процессе игры в "Вильгельма Телля", а также написание ставшей культовой в обдолбанных кругах книги "Голый Завтрак" - ожившей галлюцинации Берроуза-наркомана. Спустя более чем тридцать лет (1991 г.) Берроузовскими галлюцинациями занялся темный гений кинематографа Дэвид Кроненберг, подмешав в убийственный коктейль еще и изрядную долю кафкианства.



Билл Ли работает ликвидатором: он уничтожает тараканов. Однажды в его распылителе преждевременно заканчивается ядовитый порошок, и он узнаёт, что причина этому — его жена, которая использует отраву в качестве наркотика. Полиция арестовывает Ли, однако он принимает это за галлюцинации, вызванные соприкосновением с тараканьей отравой. Ли начинает полагать, что он — секретный агент, и его начальник (гигантский говорящий жук) выдаёт ему задание убить его жену Джоану Ли, которая, по словам жука, является агентом организации Интерзон Инкорпорейтд. Аксидентально выполнив свою миссию, Ли убегает в Интерзону и проводит всё время в написании отчёта о своей миссии, который и становится книгой «Обед нагишом».



В лучших традициях «физиологического хоррора» Кроненберга этот фильм наполнен удивительными и отталкивающими созданиями. Печатные машинки, превращающиеся в насекомых, экзотические гуманоиды магуампы, с сочащимися наркотическим соком головными отростками, превратившийся в паука Ив Клоке, высасывающий жизненный сок из головы бедного Кики, и много чего еще предстает на экране в самых натуралистических и отталкивающих подробностях. Но не качественные грим и спецэффекты являются основой этого фильма, а гениальная режиссура Кроненберга и талантливая игра актеров, в первую очередь, конечно, Питера Уэллера, идеально сыгравшего эмоционально сложную роль альтер-эго Берроуза, Билла Ли.



Эта уникальная картина рассчитана прежде всего на эстетствующую аудиторию, любителей "кино-не-для-всех", является безоговорочным шедевром Кроненберга и одним из лучших фильмов современности.