«Семь лет в Тибете» (Seven Years in Tibet) — американский фильм снятый режиссёром Жан-Жаком Анно (Jean-Jacques Annaud) в 1997 году по автобиографической книге Генриха Харрера (Heinrich Harrer), описывающей историю приключений австрийского альпиниста в Тибете в годы Второй мировой войны.



У известного австрийского альпиниста Генриха Харрера, члена нацистской партии, в жизни было все — или почти все. Но непомерные амбиции разрывали его на части. Ему было необходимо навсегда увековечить свое имя. Оставив дома беременную жену, он отправляется покорять самый высокий пик в Гималаях. Но увлекательное восхождение оборачивается смертельной опасностью, британским пленом, побегом и долгими семью годами в таинственном тибетском городе Лхасе. Экранизация автобиографической книги Генриха Харрера.



В роли Харера Жан-Жак Анно снял Брэда Питта, и этот выбор оказался полной удачей. Питт сыграл немецкого альпиниста очень хорошо, просто классно. Трудно себе представить, как эту работу можно было бы сделать лучше. Вообще-то Питт далеко не во всех своих ролях убедителен, но когда собирается, то способен перевернуть душу впечатлительного зрителя. Что от него требовалось? Воплотить натуру изначально двойственную: одинокого волка, с одной стороны, а с другой - чрезвычайно ранимого человека, одиночество которого зачастую - всего лишь защитная реакция. Кроме того, перед Питтом стояла проблема показать, как эта двойственность трансформировалась после тибетского отшельничества в спокойную цельность, причем у обновленного Харера не осталось ни ранимости, ни волчьей сути - он стал совершенно иным человеком. С этой непомерной задачей актер справился настолько ярко и впечатляюще, что нет никакого смысла об этом рассказывать. Посмотрите - представление стоит того!



И еще посмотрите зрелище. Потому что Тибет – сказочно красивая страна – по крайней мере, выглядит таковой в интерпретации Анно и его камераменов.

«Храброе сердце» (Braveheart) — историческая драма снятая американским актером и режиссёром Мелом Гибсоном (Mel Gibson) в 1995 году.



Фильм посвящен жизни шотландского национального героя Уильяма Уолласа. Почему человека признают шотландским национальным героем? Потому что он пару раз крепко отколошматил англичан. Этого достаточно. Уоллас одержал несколько побед над войсками короля Эдуарда I и всерьез заставил англичан задуматься над дальнейшими перспективами покорения Шотландии. Он прожил жизнь настоящего воина, в его судьбе была одна трагическая и одна безнадежная любовь, его боготворили, и его предали, как настоящего героя. Судьба Уолласа - готовый сценарий, где ничего не надо придумывать, просто бери и снимай. И получай «Оскара» за лучший фильм года и лучшую режиссуру.



Cценарий был написан, причем автором его стал дебютант, которого зовут Рэндалл Уоллас. Видимо, совпадение фамилий придало ему смелости, и он обошелся с некоторыми фактами из жизни национального героя весьма вольно. Впрочем, для непосвященного зрителя это не имеет никакого значения - настоящих знатоков истории среди потребителей голливудской продукции немного, а учить историю по ним никто не собирается. Вообще, строго говоря, факты из жизни Уильяма Уолласа - дело темное, его детство и юность вообще покрыты мраком, причем то, что известно об этом отрезке его жизни - отнюдь не письменные свидетельства, а всего лишь поэма Гарри Слепого (это не кличка гангстера или героя Дикого Запада, а творческий псевдоним шотландского барда XIV века). При такой ситуации автор сценария волен наворачивать на скудный остов запротоколированных фактов жирную плоть собственной фантазии. Судя по всему, любовная линия Уолласа с принцессой Уэльской в неотразимом исполнении Софи Марсо - тоже всего лишь авторская выдумка. Но, господа, чего же вы хотели? Кино есть кино.



Вложив в фильм 72 миллиона долларов (конечно, не своих), Гибсон сумел сотворить нечто стоящее (одно из другого вытекает, как мы знаем, далеко не всегда). Особенно впечатляют крупномасштабные батальные съемки, которые режиссер стремился максимально приблизить, так сказать, к полевым условиям. О колорите эпохи в целом судить не берусь - не знаток - но сделано весьма красочно. Лошади скачут, прелаты прелатствуют, а английский принц занимается мужеложством. Все очень естественно. Тонко, со смыслом подобранные типажи позволяют режиссеру создать запоминающуюся галерею образов, особенно выразительно смотрятся несколько лидеров шотландских кланов, один другого живописнее. И, разумеется, актерская игра. Прежде всего - сам Гибсон. Поскольку в течение своей недолгой жизни под давлением обстоятельств Уоллас как личность менялся очень сильно, Гибсону выпадает нелегкая задача сыграть, по сути, трех разных людей в одном обличье.

«Подводная лодка» (Das Boot) — военный фильм немецкого режиссёра Вольфганга Петерсена (Wolfgang Petersen) снятый в 1981 году.



Экранизация романа Лотара-Гюнтера Буххайма (Lothar-Gunther Buchheim). Один из самых лучших и достоверных антивоенных фильмов о войне рассказывает о боевом походе немецкой подводной лодки. Люди, поставленные по воле судьбы и времени в ситуацию, когда необходимо убивать, чтобы жить, - вот основная мысль картины, и этому органично служит весь снятый материал. По большому счету солдаты по обе стороны любой войны обречены быть жертвами, но не буду зря тратить слова на то, что необходимо смотреть. Я лично мечтаю, чтобы все народы как можно скорее забыли о том, что это за праздник - День Победы. Номинации за режиссуру, адаптированный сценарий, операторскую работу, монтаж, звук, монтаж звуковых эффектов.



Первая значительная лента немецкого постановщика Вольфганга Петерсена, нынче весьма успешно работающего в Голливуде, является одной из лучших (и немногих) картин, показавших Вторую мировую войну глазами проигравших захватчиков. Главными героями являются солдаты в нацистской форме. Подобный ход всегда считался изначально чем-то аморальным, был недозволенным приемом, своеобразным кощунством над памятью пострадавших в этой войне. У нас-то обе ленты давно ходили в списках "фашистских", а попытка показать "Лодку" на Московском кинофестивале обернулась грандиозным скандалом. Это всегда была наша война, мы не позволяли трогать ее американцам или кому бы то ни было, тем более, чуть ли не подсудным делом считалось рассказать русским ветеранам, что их враги тоже были живыми людьми, проливали ту же кровь и умирали молодыми, далеко на родине оставив своих жен и детей.



Вместе с тем, как принято говорить, антивоенный, гуманистический пафос "Лодки" мог не заметить разве что слепой. Лишь рассказом о драматическом военном рейде режиссер не ограничивается. Воодушевленного "за Гитлера!" в "Лодке" не найти. Первая сцена перед грядущими событиями, где на пьяной вечеринке бравый офицер заводит патриотическую речь под скептические взгляды слушателей; капитан Лодки (Юрген Прохнов в своей лучшей роли) уважает врага и ни во что не ставит безумного главу Рейха, - эти и прочие мотивы разворачивают фильм в другую сторону. Не простая военная драма, а прямое антифашистское высказывание; как далеко это от того, что инкриминировали картине в Москве. Перед нами трагедия простого солдата, честно отправляющего свой долг, но начальниками назначенного лишь на должность пушечного мяса. В вертикальной армейской и государственной иерархии Петерсен ненавидит верхи, но не видит причин, почему нельзя отдать должное доблестным низам. Фильм - посвящение тридцати тысячам подводникам, погибшим во время войны. Акт, столь же благородный, справедливый и имеющий право на существование, как и фильмы о холокосте, концлагерях и победоносной советской армии.

«Авалон» (Avalon) — фантастический киберпанковский экшен японского режиссёра Мамору Осии (Mamoru Oshii) снятый в 2001 году.



Недалекое будущее. Общество пришло к своему логическому завершению: унылое существование, разруха и депрессия. Некоторые молодые люди борются с разочарованием, пытаясь найти собственные иллюзии в незаконной компьютерной игре «Авалон». Искусственно созданное напряжение и игра со смертью затягивают и вызывают привыкание. Однако некоторые игроки, часто работающие в командах, зарабатывают этой игрой на жизнь. Такова и главная героиня фильма — Эш (Малгоржата Форемняк), бывшая участница легендарной команды «Визардс». Обладая хорошими способностями к игре, она зарабатывает неплохие деньги на высшем уровне сложности «А». Однако игра на этом уровне уже не удовлевторяет Эш, чьи амбиции сильно возросли. Героиня начинает поиск некоего уровня сложности «Special A», о котором ходят лишь слухи, и до которого удалось добраться бывшему командиру «Визардс» — Мерфи (Эржи Гудейко).



Авалон - "остров блаженных", потусторонний мир в кельтской мифологии. Символика, связанная с островом (стеклянный дворец, дарующие бессмертие чудесные яблоки) принадлежит к архаическому слою традиции народов Британии. Режиссёр умело вплетает все эти мифологемы в повествовательную часть картины. Возникает ощущение, что многочисленные флэшбэки и угрызения совести главной героини всего лишь дань канонам жанра.



Режиссёр сталкивает различные (но не разные!) формы существования и жизнедеятельности человека. Так, пятиминутный показ приготовления пищи соседствует со сверхкрупными планами рта, эту пищу употребляющего. Отсутствию каких-либо звуков в "реальности" противопоставляется опера в уровне "SA". Собственно, концовка фильма, представляющая собой дуэль (не только в физическом, а больше в метафизическом смысле) Мэрфи и Эш, является апогеем внутренней диалектики пронизывающей всю картину. Вряд ли, вдумчивый зритель будет удовлетворён полученными ответами. На большинство из них, режиссёр даже не собирался отвечать. Содержание "Авалона" выходит далеко за рамки жанра. Под яркой обёрткой sci-fi action, нам предлагают изысканное блюд.



У этого фильма достаточно своеобразная история создания. Дело в том, что его снял довольно известный японский режиссер Мамору Осии, обычно работающий в жанре анимэ, причем снял совместно с польской киностудией, поэтому в фильме играют польские актеры и все действие происходит в весьма узнаваемом антураже социалистической действительности: "хрущобы", чешские трамвайчики, надпись "Челябинский колхозник" на броне танка, советское оружие и так далее. Почему был создан такой более чем странный тандем - японец с поляками - доподлинно не известно. Известно только то, что в Польше удалось снять фильм за какие-то фантастически маленькие деньги (9 миллионов долларов), причем поляки за очень скромную сумму предоставили войска и технику для съемок - что, конечно, может быть единственным определяющим фактором. Однако польские утопические пейзажи и антураж загнившего социалистического лагеря японцами были совершенно не поняты, поэтому в самой Японии фильм в прокате провалился, не компенсировав даже затрат на создание.



А европейской публике фильм очень даже понравился - Премия Каталонского международного кинофестиваля в категории «Лучшая операторская работа» (Гжегош Кедзирский), Номинация на премию Каталонского международного кинофестиваля в категории «Лучший фильм», Премия Международного кинофестиваля в Дурбане, Премия Лондонского кинофестиваля научно-фантастических фильмов в номинации «Лучшая режиссура». Все в фильме достаточно логично и выверено, а кроме того, Осии не собирается зрителям давать прямой ответ на часть вопросов. Многое зрителям нужно понять и осмыслить самим, и это радует. В фильме вопросы ставятся для того, чтобы зрители попытались на них ответить, тогда как во многих других фильмах возникающие вопросы являются лишь следствием всяких ляпов в сценарии. В фильме совершенно потрясающая работа оператора, художников и декораторов. Некоторые критики утверждают, что, дескать, все эти фильтры цвета сепии, нижние ракурсы и так далее - это все было, было, - однако если так рассуждать, то уже лет пятьдесят ничего оригинального не снимают - все когда-то уже было... Также в картине звучит изумительная музыка японского композитора Кэндзи Кавая. Дивная музыка сопровождает весь фильм, а в конце звучит целая оратория "Вояж в Авалон" - это что-то потрясающее...



Что интересно - как это нередко бывает с хорошими фильмами, "Авалон" вызывает совершенно полярные мнения. Многим картина весьма понравилась. Однако другая часть зрителей достаточно негативно высказывалась по поводу "Авалона". Некоторые геймеры считали, что в фильме совершенно неправильно и некорректно отображается мир виртуальных игр (как будто эти геймеры когда-нибудь играли в "Авалон"). Фанаты "Матрицы" гнусно хихикали и утверждали, что "Авалон" - жалкое подражание, хотя на самом деле все почти наоборот (доподлинно известно, что Вачовские сами вдохновлялись киберпанковскими анимационными фильмами Осии). Кому-то не нравился сюжет, кто-то не вдохновился картинками, кого-то раздражало количество вопросов, оставшихся без ответа - словом, как это нередко бывает, мнения разделились.

«Матрица» (The Matrix) — американский фантастический фильм снятый братьями Энди и Ларри Вачовски (Andy and Larry Wachowski), вышел на экраны 31 марта 1999.



Фильм описывает теорию, по которой реальным миром правит Матрица — компьютерная система, симулирующая действительность для миллионов людей, насильно подключённых к ней восставшими Машинами, которые таким образом получают из людей энергию, необходимую им для продолжения существования. Фильм содержит множество ссылок на киберпанк и хакерскую субкультуру, философские и религиозные идеи. «Матрица» также активно использует идеи «Алисы в Стране Чудес», гонконгских боевиков и японской анимации.



Молодой человек по имени Томас Андерсон ведёт двойную жизнь. С одной стороны, он программист в крупной компании, с другой — хакер Нео. Однажды на его персональный компьютер приходит странное сообщение: «Ты увяз в Матрице» (букв. «Ты принадлежишь Матрице», англ. The Matrix has you). Неизвестный даёт ему указание «следовать за белым кроликом». Нео встречает девушку с татуировкой в виде белого кролика. Следуя за ней, он приходит в ночной клуб. Там он знакомится с девушкой-хакером по имени Тринити (Троица), которая обещает раскрыть Томасу тайну Матрицы. Для этого Нео должен встретиться с тем, кого давно ищет, — Морфеусом (Морфеем), которого власти считают опаснейшим террористом. У Нео не остается времени для колебаний, потому что его компьютерными преступлениями уже заинтересовалось ФБР. Морфеус предлагает молодому человеку увидеть Матрицу собственными глазами и предлагает на выбор две таблетки — синюю, проглотив которую Нео забудет всё, что с ним происходило, и красную, которая позволит Нео понять, что такое Матрица. Нео выбирает красную таблетку...



«Матрица» содержит множество ссылок на различные фильмы, литературные произведения, философские идеи. Ситуация, показанная в фильме, отсылает к аллегории пещеры у Платона и мысленному эксперименту «мозг в чане», а трактат Жана Бодрийяра «Симулякры и симуляция» упоминается в одной из сцен фильма. Также в фильме много аллюзий с другими произведениями в стиле киберпанк, такими как «Нейромант» Уильяма Гибсона. Огромное влияние на «Матрицу» оказал японский аниме-фильм «Ghost in the Shell». Продюсер Джоэль Сильвер сказал, что братья Вачовски, описывая свои намерения по поводу «Матрицы», показали ему это аниме и сказали: «Мы хотим сделать это в реальности». Рецензенты часто отмечали схожесть «Матрицы» с фильмами ранних 90-х, такими как «Странные Дни», «Тёмный город» и «Шоу Трумана». Много сравнений было с комиксами «The Invisibles» Гранта Моррисона; Моррисон был уверен, что братья Вачовски сделали плагиат его работы, создавая фильм.



В рассказе Станислава Лема — «Доктор Диагор» (1960 г) описано устройство, которое моделирует человеческий мозг, на рецепторы которого проецируется виртуальная жизнь. Более того, в рассказе фигурирует взаимосвязанное семейство электронных устройств, наделённых сознанием, одно из которых стало сомневаться в том, что картинка жизни, которую оно наблюдает, реальна. Искусственно созданная иллюзорная реальность упоминается также в повести Станислава Лема «Футурологический конгресс»(1971 г.) В этой книге высокотехнологичный утопичный мир будущего является продуктом коллективной галлюцинации, вызванной химическими веществами, распыляемыми по плану тайной всемирной «химиократии» с целью скрыть реальность, где мир находится в глубочайшем экономическом и экологическом кризисе. Идею о том, что воспринимаемая нами вселенная, возможно, создана компьютерной программой-симулятором, высказал Александр Лазаревич в 1986 году в своей книге «Генератор желаний». Техническая возможность проведения вычислений, необходимых для полного описания нашей вселенной, с помощью квантовых компьютеров теоретически обосновывается в научно-популярной работе физика Дэвида Дойча «Структура Реальности». Использование людей в качестве источника энергии для других существ описывается в книге Карлоса Кастанеды «Активная сторона бесконечности».



Комбинация насыщенного спецэффектами действия и философских вопросов была очень радушно принята. Однако фильм критиковали за малое количество юмора. В 2001 году «Матрица» заняла 66-е место в списке American Film Institute «100 Years… 100 Thrills». Отец киберпанка Уильям Гибсон, просмотрев фильм, сказал: «Такого восхищения я не испытывал очень давно», — и добавил: «Нео теперь мой самый любимый герой в фантастике, навсегда». Сценарист, режиcсер, продюсер и актер Джосс Уэдон назвал фильм «мой номер один» и хвалил за глубину сюжета, заметив: «Он смотрится на том уровне, на котором ты хочешь его смотреть», — имея в виду, что любители сражений будут обрадованы схватками и перестрелками, а любители поразмыслить — философской идеей «Матрицы».

«Тёмный город» (Dark City) — фантастический фильм-нуар снятый в 1998 году американским режиссером Алексом Пройасом (Alex Proyas).



Фильм начинается с пробуждения главного героя, который ничего не помнит, в отеле. Кроме этой беды его преследуют полиция, подозревающая его в серийных убийствах, и группа людей, обладающих психокинетическими свойствами. Более того, что-то странное происходит со всем окружением: пространством, временем и личностями окружающих героя людей…



«Темный город» — предвестник «Матрицы», снятой годом спустя. Несмотря на сюжетное сходство и одинаковые декорации в ряде сцен, этот фильм разительно отличается от нее. Да, Странники — вылитые Агенты. Да, фильм заканчивается масштабной битвой Мердока с главным Странником. Да, как и Агенты, Странники одновременно и опекают людей, и зависят от них. Однако по своей энергетике «Темный город» стоит на голову выше «Матрицы». Это классика «нуара», которую можно заносить в учебники киноискусства. Гнетущая атмосфера, безотчетный страх и тоска, сюрреализм, неповторимый режиссерский стиль, сочетание запутанности и простоты сюжета, глобальный заговор, пугающие загадки... «Позабытый шедевр» и «культовое кино» — вот какие определения больше всего подходят для данной картины.



Это крайне эстетский нуар, замешанный на добротной научной фантастике. Самое потрясающее в этом фильме — это то, как он умудряется держать баланс, представляя собой жанровое лоскутное одеяло, и каждые десять-пятнадцать минут меняя парадигму: сначала это параноидальный триллер, затем — полу-мистический боевик, затем — детективная драма, и, наконец, взрослая научная фантастика. Главный герой, потерявший память, но явно обладающий какими-то паранормальными способностями, путешествует по городу, где никогда не восходит солнце, и пытается понять, что за странные люди в чёрном его преследуют. Фильм очень напряжённый (а временами и довольно жуткий), и чрезвычайно красивый. Настолько эстетские картины делают чрезвычайно редко: практически каждый кадр здесь можно повесить на стену в рамочке.



Номер гостиничной комнаты, где просыпается Мердок, — 614. Это прямая отсылка к Евангелию от Иоанна, главе 6, стиху 14, где говорится о пришествии Спасителя. Фактически, Мердок выступает в качестве нового Иисуса. Если не хотите испортить впечатление от просмотра — выключите звук на вступительных закадровых объяснениях. Они раскрывают значительную часть загадки. Некоторые сцены «Матрицы» снимались в декорациях «Темного города» — интерьеры квартир, крыши домов, лестничный пролет, в котором Нео испытал дежа-вю. «Темный город» получил 5 призов на различных конкурсах — в том числе «Сатурн» как лучший фантастический фильм. Бюджет картины — 27 миллионов долларов. Кассовые сборы — 14 миллионов долларов.

«Хвост машет собакой» или "Плутовство" (Wag the dog) — драматическо-солипсический фильм в жанре политической сатиры, снятый в 1997 году американским режиссером Бэрри Левинсоном (Barry Levinson) по мотивам книги "Американский герой" Лэрри Байнхарта (Larry Beinhart).



Президентские выборы в США на носу, а опросы общественного мнения показывают, что популярность президента стремительно падает. Команде главы государства надо срочно действовать, дабы отвлечь внимание общественности от адюльтера в Белом доме (фильм снимался за два года до скандала с Биллом Клинтоном и Моникой Левински). Нужно выиграть всего несколько дней. Тогда советник президента Конрад Брин (Роберт Де Ниро) решает прибегнуть к помощи профессионала — кинопродюсера Стенли Моттса (Дастин Хоффман). Быстро придумывается угроза некоей албанской террористической группы (несуществующая в реальности) и таким образом обосновывается необходимость вовлечения США в войну. Моттсу объясняют общие черты того, какое должно возникнуть представление о событиях у обычного американского гражданина, и дальше тот разыгрывает всё как по нотам. Снимаются постановочные патриотические военные ролики, псевдоинтервью и даже песни о солдатах выдуманной войны.



В общем, большая всемирная история, в которой нас постоянно поражает соразмеренность и слаженность именно в тот момент, когда всему уже давно пора развалиться, - так вот, эта история творится не богами, которые горшки обжигают, а обыкновенными профессиональными мужчинами. И не на полях битв она творится, а пишется на коленках, в данном случае - заскорузлых коленках провинциального политтехнолога Роберта Де Ниро и холёных коленках голливудского кинопродюсера Дастина Хоффмана.



Просто удивительно, как многое в фильме угадано. Допустим то, что «будущее за войнами, вызванными возможностью террористической атаки». Особенно если вспомнить - тогда самолеты еще не пронзали здания торгового центра и не началась первая военная кампания против Ирака. Настоящее откровение, честно вам говорю.



В этом и заключается основная ценность фильма - он сказал достаточно правды, ранее спящей в тени. Поэтому, прежде чем восхищаться каким-то политиком или идти на выборы, посмотрите «Плутовство». Сразу же многое прояснится.

«Бегущий по лезвию бритвы» (Blade Runner) — культовый фильм в жанре киберпанк, снятый в 1982 году американским режиссером Ридли Скоттом (Ridley Scott) по роману «Мечтают ли андроиды об электроовцах?» Филипа Дика (Philip K. Dick).



Лос-Анджелес, ноябрь 2019 года. Рика Декарда (Харрисон Форд), охотника за репликантами (киборгами, искусственными людьми), вызывают из отпуска в связи с опаснейшим случаем побега репликантов модели «Nexus-6». Уже серьёзно ранен один блейд-раннер (охотник за репликантами, англ. Blade Runner, переводится как «бегущий по лезвию»). Группа беглецов состоит из командира боевого отряда Роя Батти (Рутгер Хауэр), солдата Леона (Брайон Джеймс), проститутки-убийцы Зоры (Джоана Кессиди) и «базовой модели для удовольствия» Прис (Дэрил Ханна). Босс Декарда Браянт рассказывает ему о подробностях, в частности о том, что срок жизни модели «Nexus?6» составляет 4 года, и даёт ему напарника Гаффа. Декард отправляется в компанию «Tyrell Corporation», где производят репликантов, чтобы узнать, работает ли тест Войта-Кампффа (некий аналог теста Тьюринга и полиграфа, помогающий отличить репликанта от человека, придуман Филипом Диком, впервые упоминается в романе «Мечтают ли андроиды об электроовцах?») на модели «Nexus?6». Здесь Декард знакомится с молодой секретаршей Тайрелла Рейчел (Шон Янг) и выясняет, что она — экспериментальный репликант с имплантированной памятью и эмоциональностью как у человека.



"Бегущий по лезвию" — непревзойденный футуристический шедевр. Снят он более двадцати лет назад, но именно то будущее человечества, которое изображено Ридли Скоттом, кажется наиболее убедительным. "Memories of green" — так называется одна музыкальная тема из саундтрека, написанного к фильму Вангелисом, тема вялая, медитативная, пространная — мечта о безвозвратно-утерянном зеленом мире (кстати, и в видеоряде фильма полностью отсутствует зеленый цвет, появляясь лишь в "продюсерском" финале образца 1982 года — продюсеры настояли, чтобы Скотт изменил концовку). Размытое, неопределенное желание простого, но неуловимого счастья движет персонажами фильма: что людьми, что произведенными ими роботами, которые отличаются от своих создателей лишь скоростью реагирования зрачка во время вопроса о помощи живым существам. Но время касается лишь микросекунд, — по сути, технической стороны вопроса…



Несмотря на некоторые сюжетные неувязки, фильм впечатляет. Да, собственно, сюжет-то здесь, несмотря на свой динамизм, лишь повод для размышлений. Тем более, когда действие разворачивается под эпическую музыку Вангелиса. Просто удивительно, как, соблюдя все законы жанра, и даже построив сцену финальной схватки по всем шаблонам "экшн", Ридли Скотт смог вывести на первый план не изображаемую им историю и не поединок Форда и Хауэра, а, нечто общечеловеческое: вопрос искусственного интеллекта, проблему выбора в неизбывной борьбе добра и зла, всепобеждающую, черт подери, силу любви.



Нельзя не сказать пары слов о визуальных эффектах. Для 1982 года это было нечто ошеломляющее. В наши дни тогдашние чудеса смотрятся несколько архаичными. Хотя для неискушенного глаза они могут сойти за вполне современные. Помимо несуществующих летательных аппаратов и прочего антуража жанра "скай-фай", Скотт прекрасно создает атмосферу "города будущего", настолько умело обращаясь со светом и цветом, что довольно простыми средствами создается впечатление весьма серьезных эффектов. В итоге зритель получает роскошное зрелище с полным растворением в авторских реалиях, с гнетом определенной идеологии и с необходимым градусом спецэффектов. Тертый зритель, после известной толики страданий, имеет все, чтобы не чувствовать себя дураком и чувствовать себя умным.

«День сурка» (Groundhog Day) — американская фантастическая комедия режиссёра Гарольда Рэмиса (Harold Ramis) снятая им в 1993 году по мотивам истории Дэнни Рубина (Danny Rubin).



Каждый год 2 февраля в небольшом американском городке Панксатони (англ. Punxsutawney, штат Пенсильвания) проводится праздник под названием День сурка: из норы достают сурка и предсказывают по его поведению погоду. Каждый год на этот праздник в Панксатони из Питтсбурга ездит самовлюблённый и высокомерный телеобозреватель погоды Фил Коннорс (Билл Мюррей), которому до смерти надоела его работа и который ненавидит этот фестиваль в глухом городишке.



Но однажды Фил, посетив в очередной раз фестиваль сурка, не просыпается на следующий день 3 февраля… он просыпается снова 2 февраля! Он оказывается в некой петле времени, из которой нет выхода: 3 февраля просто не наступает! Фил вынужден снова и снова переживать 2 февраля на фестивале сурка, снова вести оттуда репортаж, снова возвращаться в гостиницу и так каждый новый день. Фил обращается к врачам, пробует уехать из города и даже многократно заканчивает жизнь самоубийством, но ничего не помогает — на следующий день он опять просыпается 2 февраля в 6:00 в гостинице городка Панксатони.



Поразмыслив, Фил затем решает посвятить этот день удовольствиям: объесться сластями, заняться сексом, ограбить банк и промотать все деньги — ведь последствий не будет. Но все усилия тщетны — 3 февраля так и не наступает. Поразвлекавшись таким образом некоторое время, следующие несколько недель Фил тратит на то, чтобы завоевать любовь Риты, которая понравилась ему с первого взгляда... Он аккуратно и шаг за шагом узнает о ней максимум всевозможных подробностей, делая все, чтобы предугадывать каждый ее шаг, каждое ее последующее желание, однако пропасть между ними - мягкой, отзывчивой и очень доброй к людям девушкой и законченным эгоцентриком с манией величия - настолько велика, что как бы Фил ни ухищрялся, в течение одного дня любовь Риты он завоевать не может. В общем по итогу, чтобы миновал этот бесконечный День сурка ему надо будет изловчиться и наконец трахнуть эту своенравную барышню... ;)



Режиссёр Гарольд Рамис очень любит снимать добрые фильмы о самопознании и духовном преображении человека. Но здесь Рамис превзошёл самого себя, многие мастера дзен и суфии, каббалисты и эзотерики считают данный фильм самым глубоким по проникновению в мистическую сущность человека. «День сурка» безусловно вошёл в историю мирового кинематографа. Трудно представить себе фильм, который давал бы зрителю такой же заряд любви, доброты и понимания, как «День сурка».

«Битлджюс» или "Жучиный сок" (Beetlejuice) — американский игровой, фантастический, мистический, комедийный фильм в 1988 году снял великий готический сказочник Тим Бёртон (Tim Burton).



История начинается, когда молодая пара, Адам (Алек Болдуин) и Барбара (Джина Дэвис) Мэйтленды, берут три недели отпуска, в надежде зачать ребёнка. Но их планам не суждено сбыться из-за несчастного случая. Теперь они привидения в собственном доме в городе Мэйтленд (штат Коннектикут). Сестра Барбары Джейн Баттерфилд продаёт дом нью-йоркской семье Дитц, глава которой Чарльз (Джеффри Джонс) решил сменить обстановку после нервного срыва. Другие члены семьи - дочь Лидия (Вайнона Райдер) и его новая супруга Делия (Кэтрин О'Хара) - скульптор-авангардист, находящаяся под сильным влиянием дизайнера по интерьерам Отто (Гленн Шэдикс).С подачи Отто коттедж сразу же подвергается перестройке. Это естественно не нравится бывшим хозяевам дома. Однако все попытки Адама и Барбары самостоятельно изгнать новых жильцов, напугав их, не принесли успеха, так как живые не ХОТЯТ видеть мёртвых.



В поисках управы на неприятных "живых" Мэйтленды обращаются за помощью к «специалисту по экзорцизму живого» — Беттельгейзе (или, как он сам себя называет, Битлджусу) (Майкл Китон), сразу же пожалев об этом. Интересно, что куратором супругов является некая Джуна, бесконечно курящая и выпускающая дым через перерезанное горло холеная старушенция. Старушенция предостерегает относительно Битлджуса, сообщая, что от него больше проблем возникнет, нежели решится. А также доводит до сведенья всех заинтересованных, что ранее — до низвержения — Битлджус был ни кем иным, как ее помощником. Какой громоздкий гротеск на тему сверженного с небес Люцифера! И действительно: Битлджус — при определенном могуществе — оказывается обладателем многочисленных пороков, обаятельным треплом и любителем театральных эффектов, плюс к этому постоянно стремится ввязать всех окружающих в какие-то сомнительные сделки. Как и положено чёрту.



Человеческие представления о загробной жизни настолько скудны, пугающи и противоречивы, что остается только радоваться тому обстоятельству, что мы наделены способностью смеяться над своими страхами. Тим Бартон, как я полагаю, умеет это лучше прочих, иначе откуда взяться в его творчестве стольким вариациям на тему afterlife? Под фирменное тревожное "умпа-умпа-умпа-умпа" мы снова открываем залистанный альбом под названием Betelgeuse (так как настоящее имя нельзя ни писать, ни называть), и мгновенно погружаемся в фантасмагорию, где повествование не заканчивается смертью главных героев, как положено, а наоборот — начинается с нее.



Уже во второй полнометражной режиссерской работе 30-летнего Тима Бертона в полной мере определились главные составляющие его индивидуального авторского стиля. Beetlejuice — это мистико-сатирическая черная комедия, смесь из почти детской мечтательности и весьма специфического декадентского юмора, пародирующего фильмы ужасов. Добавим сюда изощренные (на тот момент) спецэффекты и предрасположенность постановщика к гротеску, как в декорациях, так и в работе с цветом, что обнаруживает связь фильма с комиксами и одновременно делает его похожим на анимацию.