«Бразилия» (Brazil) — знаменитая антиутопия 1985 года Терри Гиллиама (Terence Vance Gilliam) по праву считается одним из лучших фильмов в фантастическом жанре.



Сюжет фильма разворачивается где-то в XX веке в антиутопичной северной стране и описывает общество которой сковала тотальная бюрократия. Сэм Лоури – крошечный винтик в огромной заржавевшей бюрократической машине тоталитарного государства будущего. Сэм старается не лезть в неприятности, но однажды, заметив ошибку в документе, которая может привести к аресту невинного человека, он решает исправить ее. Благое намерение скромного клерка неожиданно для него вызывает целую лавину странных совпадений и загадочных событий, и вскоре выясняется, что крошечная опечатка способна пошатнуть могучего колосса на глиняных ногах.



Считается, что Гиллиам снял едкую сатиру на общественное устройство Великобритании времен правления Маргарет Тэтчер и США во главе с Рональдом Рейганом, представив ее в виде пародии на научную фантастику. Визуальная часть картины безоговорочно перевешивает над сюжетной. Ее фундамент — уникальный стиль и тончайшее внимание к деталям, которого не встретишь ни в одном фантастическом фильме. Гиллиам предложил зрителям мрачный, но снятый с ослепительным блеском образ оруэлловского будущего, технологически находящегося на уровне 70-х годов. Будущего, в котором народ полностью зависим от управляющей им государственной системы.



Лейтмотивом фильма является песня 1939 года «Aquarela do Brazil» Ари Барросо, исполняемая в различных вариациях — от возвышенных и воодушевляющих до угрожающе зловещих. Название фильма также восходит к названию песни. В 2004 году фильм «Бразилия» был включён журналом «Тотал Филм» в двадцатку величайших английских фильмов всех времён. В 2005 году кинообозреватели журнала «Тайм» Ричард Корлиш (Richard Corliss) и Ричард Шикель (Richard Schickel) назвали «Бразилию» в числе 100 лучших фильмов всех времён. В 2006 году «Channel 4» незадолго до показа по «BBC Four» признал «Бразилию» одним из «50 фильмов, которые нужно посмотреть, прежде чем умереть».

«Европа» (Europa) — драма режиссёра Ларса фон Триера (Lars von Trier) 1991 года. Фильм получил Приз жюри и Большой приз Высшей технической комиссии Каннского кинофестиваля в 1991 году. Именно Европа прославила Фон Триера, принесла ему культовое признание интеллектуалов. В 91-м году взяв Приз жюри и Большой приз Высшей технической комиссии Каннского кинофестиваля. "Европа" является завершающей частью Е-трилогии (Эпидемия, Элемент преступления и Европа). Главной темой трилогии было царящее в миpе зло (рабочее название Европы - 'Большое зло').



Фильм фон Триера - это почти двухчасовой сеанс гипноза. Он начинается классическим счетом от 1 до 10, и на каждой цифре закадровый голос (он принадлежит Максу фон Сюдову) сообщает вам, какие новые ощущения вы должны испытать на пути к трансу. Для чего все это? Чтобы как раз и перенестись в послевоенную Германию. Он говорит: "Сейчас вы будете слушать мой голос… На счете десять вы окажетесь в Европе". И только когда счет заканчивается, изумленный зритель понимает, что его грубо щелкнули по носу, что гипнотический счет был обращен вовсе не к нему, а к главному герою фильма, который как раз тут же и появляется. А Вы готовы воспринимать дальнейшее непростое зрелище. Оно потребует от вас некоторого умственного и душевного усилия, поэтому время от времени будет вновь возникать закадровый голос постороннего наблюдателя.



Итак, 1945 год, Германия. Страна оккупирована войсками союзников. Все население находится под тщательным наблюдением. В это неспокойное время в атмосфере, пропитанной страхом и насилием, разворачиваются основные события жизни двух абсолютно разных, но очень близких друг другу людей. Молодой американец, работающий проводником на железнодорожном экспрессе, влюбляется в немецкую женщину, тайно связанную с нацистами. Их роман невозможен, сами они — обречены. Но, когда настаёт пора выбирать между любовью и смертью, и он, и она готовы сделать свой последний выбор. Символичен экспресс, где происходят все изображаемые события. Обычно в снах появление поезда означает жизненные изменения, движение к новым жизненным ситуациям. Образ экспресса усиливает такие качества, поэтому его облик иносказательно указывает на некие подсознательные психические силы, которые всецело довлеют над жизнью человеческой. В конце концов смерть и гипнотический сон в фильме мало различимы.  Но в чем же тогда смысл жизни? Любовь к женщине? Служение народу, который с таким трудом избавляется от тяжелой болезни? Эти и другие вопросы остаются за кадром. Каждому, кто просмотрел эту завораживающую черно-белую киноленту, остается только строить предположения о том, какие же ответы являются правильными.



"Европу" можно рассматривать с двух точек зрения. Первая - политическая. Нам дают душераздирающую картину униженной Германии. Нам показывают, как в очередной раз победитель наступает на те же грабли, размазывая побежденного по стенке. Это можно расценивать как повод для критического анализа американского "нового мирового порядка", вступившего в действие сразу после окончания Второй мировой войны, и это в фильме - момент существенный. Вторая точка зрения - эстетическая. Именно ее и хочется иметь в виду. Потому что фон Триер - явно не политик, явно художник. "Европа" - щемяще-тоскливое и визуально безупречное, хронологически рваное и аптекарски выверенное философское повествование о Судьбе, Смерти и Воле, об их взаимосвязи и о том, что в нашей жизни все-таки первично. И смотреть фильм стоит прежде всего тому, кто намерен думать на подобные темы.



Фильм снят в потрясающей воображение визуальной эстетике, стилистика убивает на повал, она уникальна. Кинематографический язык Триера максимально символичен и эмоционален. И, безусловно, новаторский, что делает "Европу" - одно из главных потрясений синемафилов.

 

«Отсчёт утопленников» (Drowning by Numbers) — фильм Питера Гринуэя (Peter Greenaway), получивший в 1988 году приз Каннского кинофестиваля за "Лучший художественный вклад".



По жанру "Отсчет утопленников" - черная абсурдистская комедия, пожалуй, даже фарс о сытых, скучающих и сексуально неудовлетворенных мещанах, то ли живущих, то ли отдыхающих в диком приморском уголке. Несколько разновозрастных женщин, представительниц одного клана, методично и последовательно утопляют надоевших им мужчин, пользуясь похотливым расположением к ним соседа-патологоанатома, в одиночку воспитывающего сына-подростка и выписывающего обеляющие соседок заключения о гибели их мужей в результате несчастного случая.



Весь фильм сопровождает нумерация от 1 до 100, причём числа возникают в совершенно неожиданных местах, так что его имеет смысл посмотреть несколько раз хотя бы с той целью, чтобы убедиться, что ни одно число не пропущено. Что означают все эти цифровые загадки, можно лишь догадываться. Говорят, Гринуэй на такого пытливого зрителя и рассчитывает. В фильме также щитируются картины (К. Коро, С. Дали) и кинокартины (дохлые коровы из "Андалусского пса" Бунюэля, хоровод на причале из "8 1/2" и сидение сумасшедшего в раскидистой древесной кроне из "Амаркорда" Феллини). Кроме живописности, "Отсчет утопленников", как и вообще все фильмы Гринуэя, музыкален, вернее сопровожден едва ли не единственной, но очень красивой и тревожной запоминающейся мелодией - ведущим лейтмотивом всех перипетий действа. Музыка к фильму написана композитором-минималистом Майклом Найманом и основана на темах из Sinfonia Concertante in E flat, K364 Моцарта. Моцартовский оригинал можно услышать сразу после очередного утопления. В общем, зрелище это замечательное, безусловно авторское, оригинальное и талантливое, а для кинематографа двух последних десятилетий, все более и более усредняющегося, утрачивающего вместе с национальным колоритом и общую культуру, - едва ли не уникальное и потому, разумеется, классическое.



Эту картину, единственную у Гринуэя, удостоенную награды престижного фестиваля (приз за художественный вклад МКФ в Канне), сам автор назвал «фильмом об игре как процессе, напрямую отражающем главный принцип взаимоотношений режиссера и зрителя». Но даже притом, что все герои в фильме время от времени во что-то играют, сами игры, в лучшем случае, могут рассматриваться только как гарнир к основным событиям, которые чуть ли не впервые обрели у Гринуэя внятную и интригующую мотивацию.

«Семь самураев» (яп. Shichinin no samurai, 1954) — японский художественный фильм, классическая философская драма Акиры Куросавы (Akira Kurosawa).



Япония, вторая половина XVI века. Жители одной из деревень узнают, что на их деревню собирается напасть бродячая банда и забрать урожай риса. Они отправляют троих крестьян в город, чтобы те попытались нанять для защиты деревни нуждающихся ронинов, которые согласятся служить только за еду, потому что больше ничего крестьяне предложить им не могут. Посланцы становятся свидетелями того, как опытный боец Камбэй Симада (Такаси Симура), переодевшись монахом, сумел голыми руками обезоружить и убить вора, захватившего в заложники ребенка. Они рассказывают самураю о своей беде и Камбэй соглашается помочь им.



Фильм «Семь самураев», как правило, входит в списки высочайших достижений киноискусства. Считается, что именно в фильме «Семь самураев» впервые введен такой элемент приключенческой драмы, как подбор команды из людей, каждый из которых по-своему одарён. Впоследствии этот сюжетный прием часто спользовался. Примечательно, что в фильме впервые в творчестве Куросавы возникает противопоставление традиционного самурайского холодного оружия и огнестрельного, которое воспринимается как несовместимое с воинской честью. Ружья в фильме есть только у бандитов, из самураев делает выстрел из ружья только «недосамурай» Кикутиё, и только один раз.



Фильм появился во многом потому, что Акира Куросава очень хотел попробовать себя в популярном в Японии жанре «дзидайгэки» (историческом фильме о боевых приключениях самураев), причем сделать его одновременно и глубоким по смыслу, и увлекательным по форме. Первоначально он хотел сделать фильм-притчу об одном дне жизни самурая, проследить все поступки героя вплоть до вечера, когда герой должен был совершить ритуальное самоубийство. В итоге Куросава не решился взяться за такой материал, считая, что недостаточно хорошо знает необходимые нюансы. Однако в ходе работы над этим сюжетом он набрел на случай, когда деревня, принадлежавшая одному из убитых феодалов, наняла нескольких ронинов для защиты от разбойников (строго говоря, таких же ронинов), и решил положить в основу фильма именно его. Студия Toho несколько раз пыталась остановить съемки фильма, так как по общему мнению его ждал полный финансовый провал, а режиссер постоянно выходил за рамки отведенного ему бюджета. Каждый раз Куросаве приходилось настойчивыми уговорами убеждать продюсеров возобновить финансирование. В одном из эпизодов фильма есть момент, который позволяет установить точную дату происходящих событий. В украденном свидетельстве о рождении Кикутиё сказано, что он родился во втором году периода Тэнсо, что соответствует 1574 году, и Камбей заключает, что, следовательно, Кикутиё сейчас всего 13 лет. Учитывая особенности отсчета возраста в Японии (новорожденный ребенок считается однолетним), события «Семи самураев» разворачиваются в 1586 году.



В 1960 году вышел американский римейк «Семи самураев» — фильм «Великолепная семёрка». Действие в нем было перенесено на Дикий Запад, где семеро ковбоев-стрелков защищают от бандитов мексиканскую деревню. Акира Куросава считал этот римейк достаточно верным оригиналу (с учетом разницы культурных традиций Японии и США). Впоследствии были поставлены еще несколько римейков, гораздо менее значительных и художественно состоятельных (например, «Великолепная семёрка гладиаторов»). Существует аниме «7 самураев» (2004), в которой сюжет, имена и характеры главных героев повторяют фильм Куросавы, но действие перенесено в будущее.

Фильм «Андалузский пёс» (фр. Un chien andalou) снял в 1928 году Луис Бунюэль (исп. Luis Bunuel Portoles,  1900—1983). Сюрреалистическая кинофантазия Луиса Буньюэля и Сальвадора Дали представляет собой последовательность разноплановых, зачастую шокирующих, сюрреалистичных образов. Картина открывается известной сценой, в которой Луис Буньюэль последовательно: точит лезвие бритвы, выходит на балкон, смотрит на полную луну, а затем делает лезвием надрез по глазу девушки, сидящей в кресле. В это же время тонкое облако пересекает диск луны.



Далее мы видим оторванную руку, облепленную муравьями; мужчину, который тащит за собой два рояля с полуразложившимися мёртвыми осликами и двумя привязанными к роялю священниками; человека, стреляющего в другого человека… 16 минут завораживающих, противоречивых киноэкспериментов до сих пор не поддающихся однозначной оценке.



В основе сценария фильма «Андалузский пёс» лежат два сновидения его создателей Луиса Буньюэля и Сальвадора Дали. Название фильма, скорее всего, связано с обычаем, согласно которому в Андалусии смерть человека сопровождается воем пса, оповещающем о скорбном событии. Для съёмок эпизода с проведением лезвия ножа по глазу девушки использовался коровий глаз. Эта знаменитая сцена считается одной из самых жестоких в истории мирового кино. Фильм содержит ссылки на произведения нескольких писателей того времени, в том числе на стихотворения Федерико Гарсиа Лорки и роман Хуана Рамона Хименеса «Платеро и я» (исп. Platero y yo, 1914), который создатели фильма сильно недолюбливали. В 1960 году Буньюэль добавил к фильму саундтрек — музыку из оперы Вагнера «Тристан и Изольда» и два аргентинских танго. Эту же музыку играл граммофон во время премьерных показов фильма.



«Мне доводилось слышать или читать более или менее изобретательные толкования «Андалузского пса», но все они одинаково далеки от истины. Вместе с Дали мы брали гэги и предметы, какие только приходили на ум, и затем безжалостно отбрасывали всё то, что могло хоть что-нибудь значить». Так говорил Бунюэль о своём дебюте тридцать лет спустя, словно подводя итог бесчисленным спорам вокруг ленты, входящей в число самых загадочных произведений не только сюрреализма, но и всего мирового кинематографа, щедро обогатившей киноязык: прихотливый монтаж, непривычные ракурсы, новаторское применение наплывов и двойной экспозиции… Картина суть идеальное, как бы сущностное воплощение сюрреалистических принципов, ибо затянувшееся экранное видение «прекрасно, как встреча зонтика со швейной машиной на операционном столе». Не следует нисходить до попыток традиционной трактовки эпизодов и их коллажного сопоставления. Образы у Бунюэля и Дали не носят символического характера. Логика сна или бреда, скрупулёзно воспроизведённая создателями, не даёт ответа на вопрос, в чём смысл прихотливого, как бы случайного сочленения никак – внешне – друг с другом не соотносящихся предметов и явлений. Знаковость образов, включая «испанское» название, жутковатую руку в муравьях, отрезанную кисть и т.п., лишь позволяет заключить о наличии чего-то – чего-то мрачного и пугающего, выражая глубоко внутренние, не оформившиеся беспокойство и смятение социального, личного, в том числе сексуального, политического и любого иного свойства. «Андалузский пёс воет, кто же умер?» - трансцендентное неподвластно разуму.

«Метрополис» (нем. Metropolis, 1927) — немой художественный фильм Фрица Ланга (Fritz Lang) по сценарию и параллельно написанному роману Теа фон Харбоу, масштабная метафорическая и научно-фантастическая антиутопия, ставшая высшей точкой и завершением развития немецкого киноэкспрессионизма. Фильм стал бесспорной классикой и оказал огромное влияние на всё последующее развитие киноискусства. Премьера фильма состоялась в Берлине 10 января 1927 года.

Фильм начинается с эпиграфа: «Посредником между головой и руками должно быть сердце», завершается фильм тем же титром. Действие фильма разворачивается в будущем. Огромный футуристический город разделён на две части — верхний «рай», где обитают «хозяева жизни», и подземный промышленный «ад», жилище рабочих, низведённых до положения придатков гигантских машин.



Первоначальная продолжительность фильма составляла 153 минуты. Для проката в США компанией «Paramount» в 1927 году фильм был сокращён почти наполовину, потеряв множество существенных сюжетных линий, а вместе с ними и важные мотивы поступков героев. В частности, основной конфликт между Фредерсеном и Ротвангом — соперничество из-за умершей Хель — был полностью исключен из фильма, и тем самым исчезла мотивировка создания человека-робота, а, в конечном счете, и разрушения Метрополиса. Чтобы фильм оставался понятным после всех этих сокращений, необходимо было в значительной степени переделать промежуточные титры и в некоторых местах по-другому смонтировать сохранившиеся эпизоды.



В Берлине после нескольких недель демонстрации «Метрополис» был изъят из проката. После этого было принято решение сократить его и для проката в Германии, причём сокращения во многом базировались на американской версии. 5 августа 1927 года был скомпонован укороченный по американскому образцу и снабженный измененными промежуточными титрами новый немецкий вариант «Метрополиса». Неясно, привлекался ли Фриц Ланг к работе над второй немецкой версией своего фильма.



На протяжении XX века были известны только сокращенные версии, что до сих пор приводит к недоразумениям и неправомерным трактовкам авторского замысла. Оригинал авторского монтажа не сохранился. Кроме того, сцены, удаленные из фильма в 1927 году компанией «Paramount» на сегодняшний день не обнаружены. Однако в 2001 году под эгидой Фонда Фридриха Вильгельма Мурнау по различным сохранившимся вариантам фильма была восстановлена компромиссная версия длиной 117 минут, дающая достаточно полное представление о сюжете фильма (в некоторых изданиях на VHS и DVD длина фильма превышает 120 минут из-за того, что был искусственно замедлен темп воспроизведения — никаких дополнительных эпизодов по сравнению с отреставрированной версией в них нет).

Собственно версию фильма 2001 года я смотрел и она у меня есть в коллекции, а желающие могут скачать ее с инфостора: http://infostore.org/info/873021

«Донни Дарко» (Donnie Darko) — психолоделическая фантастическая драма режиссёра Ричарда Келли (Richard Kelly), фильм вышел на экраны в 2001 году.



Главная сюжетная линия фильма — рассказ о подростке Дональде (Донни) Дарко. В картине упоминаются темы экзистенциализма, нигилизма, жертвоприношений, путешествий во времени, любви, страха и американской мечты. В фильме встречается много парадоксов и недосказанностей, поэтому сюжет фильма допускает множество толкований.



Ночью 2 октября 1988 года на пороге дома нашего героя появляется огромный (ростом с человека) говорящий кролик Фрэнк. Причем не пушистый миленький зверек, каким его принято изображать в детских мультфильмах, а на редкость страшная коряга с кривыми ушами, безумными глазами и недоброй оскаленной улыбкой. Это животное сообщает Донни, что ровно через 28 дней, 6 часов, 42 минуты и 12 секунд наступит конец света. В это время на дом главного героя падает
здоровенная самолетная турбина



В дальнейшем Кролик-Фрэнк руководит Донни, подсказывая ему некие действия (хулиганские и даже жестокие), которые нужно совершить для того, чтобы цепочка причинно-следственных связей выстроилась в определенной последовательности. Для чего? Чтобы спасти вселенную от коллапса. Дело в том, что Донни должен был погибнуть в ту ночь, когда на его дом упала турбина самолета. Официальное расследование этого происшествия показало, что никакого самолета в том районе в то самое время не было...



Ричард Келли согласился написать сценарий “Донни Дарко” и возглавить съемки фильма за гонорар в $9000 — сумма, по голливудским меркам не просто маленькая, а издевательская. Бюджет картины составлял всего три с половиной миллиона долларов. Фильм снимался ровно 28 дней — столько же, сколько остается по сюжету до Апокалипсиса (28 дней, 6 часов, 42 минуты и 12 секунд), в режиссёрской версии фильма, кстати, 28 сцен. Вообще в фильме очень много нумерологии, построенной вокруг цифры 8 (бесконечность). Изначальная версия фильма была более двух с половиной часов, но картину пришлось урезать до 113 минут для выпуска в прокат.



Награды:
2002 — Young Filmmaker's Showcase — Ричард Келли (Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, USA)
2003 — Лучший иностранный фильм — (Film Critics Circle of Australia Awards)
2001, 2002 — Приз зрительских симпатий — Ричард Келли (Sweden Fantastic Film Festival, Cinenygma — Luxembourg International Film Festival)
2003 — Лучший актёр — Джейк Гиленхаал (Chlotrudis Awards)
2001, 2003 — Лучший оригинальный сценарий — Ричард Келли (Sitges — Catalonian International Film Festival, San Diego Film Critics Society Awards, Chlotrudis Awards)
2002 — Premiere Award — Ричард Келли (Gerardmer Film Festival)
2002 — Special Citation: For the best film not to receive a proper theatrical release in Canada — (Toronto Film Critics Association Awards)

Название: Лихорадка на белой полосе
Оригинальное название: White Line Fever
Год выхода: 1975
Жанр: Боевик, Драма
Режиссер: Джонатан Каплан /Jonathan Kaplan
В ролях: Ян Майкл Винсент /Jan-Michael Vincent, Мартин Коув /Martin Kove, Кай Ленц /Kay Lenz, Дик Миллер /Dick Miller

Без преувеличения - это культовый фильм в СССР конца 70-х! Отслужив в армии Кэррол Джо Хаммер возвращается домой и женится на симпатичной Джерри Кейн. Взяв в рассрочку мощный тягач, он нанимается в транспортную контору, в которой работал до службы. Теперь, имея собственный грузовик, Хаммер надеется честным трудом пополнить семейный бюджет. Однако времена изменились и бизнесом заправляют совсем другие люди, наживающиеся на контрабанде товаров. Отказ Хаммера учавствовать в махинациях нарушает налаженную схему перевозок, к тому же несговорчивый водила "плохо" влияет на других дальнобойщиков. Путем обмана, шантажа и насилия его пытаются заставить нарушить закон, но у Хаммера есть ружье и желание навести порядок на "белой полосе".

Год: 1978
Жанр: драма, триллер, фантастика
Страна: Великобритания, США
Режиссер: Питер Хайамс
Актеры: Эллиотт Гулд, Джеймс Бролин, Дэвид Дойл, Дэвид Хадлстон, Телли Савалас, Карен Блэк, Хэл Холбрук, О. Джей Симпсон, Сэм Уотерстон, Бренда Ваккаро
Сценарий: Питер Хайамс
Саундтрек: Джерри Голдсмит
Оператор: Билл Батлер
Продюссер: Майкл И. Рахмил, Пол Лазарус III



Перед стартом к первому полету на Марс астронавтов забирают из космического корабля из-за неполадок в системе жизнеобеспечения. Но так как запланированный полет чрезвычайно важен для будущего развития космических программ, им приказывают принять участие в симуляции посадки на Марсе.



Когда неожиданно корабль распадается на части, все думают, что они погибли, и астронавты понимают, что их жизни в опасности. Они совершают побег и разделяются, надеясь, что хоть один из них выживет и разоблачит сенсационный обман…
Вместе с тем, журналист Роберт Колфилд выясняет, что полет на Марс, за которым наблюдала вся страна, был самой настоящей обманкой. Нацию кинули - в космос отправилась пустая ракета; сами же члены экипажа в закрытом бункере вели "прямую трансляцию" с далекой планеты...



Знаменитый "Козерог-1" представляет собой традиционным параноидальный триллер, типичным для американского кино 70-х годов. Главный захватывающий сюжетный поворот выдается с самого начала, и теперь нам остается наблюдать, как хитрые политиканы и организаторы полета дурят свой народ фальшивыми телевизионными постановками, попутно избавляясь от всех, кто им мешает. Позже сюжет "Козерога-1" был воплощен в таких непохожих фильмах, как "Плутовство" и "Шоу Трумана", и, отчасти, в повести В.Пелевина "Омон Ра", который не мог не смотреть этот хит советского проката начала 80-х.