Мальтийский сокол (англ. The Maltese Falcon) — художественный фильм, США, снятый в 1941 году  Джоном Хьюстоном (John Huston) по одноименному роману Дэшиэла Хэммета. Это третья по счету экранизация книги Хэммета, опубликованной в 1930 (ей предшествовали Maltese Falcon, 1931, и Satan Meets a Lady, 1936).




"Мальтийский сокол" - один из краеугольных, так сказать, камней в современном кино, вошедший в историю кинематографа как лучший фильм криминального жанра 40-х годов. Частный детектив, получивший сразу от нескольких клиентов один и тот же заказ отыскать средневековую статуэтку, изображающую сокола, оказывается в ловушке: убит его напарник, убит полицейский, тоже в какой-то мере связанный с этим делом. Подозрения властей, естественно, падают на героя, поскольку он - единственный, кто имел мотивы и возможность совершить эти преступления. Однако среди полицейских нет никого, кто способен был бы разобраться в деле лучше подозреваемого, не так уж давно бывшего их сослуживцем.



Магический - уже, видимо, потому что первый (то есть породивший жанр) - "черный" ("noir") фильм. Как это объяснить? Магия - в самой ауре картины, как бы в воздухе. Действие (вечер - ночь - разговоры - угрозы - намеки на любовь и полная невозможность, даже ненужность любви), не становясь театральным, практически не выходит за пределы комнаты, по большей части происходит вечером и ночью. Порядочного человека среди десятка появляющихся на экране персонажей - вкупе с главным героем ни одного (а равно и среди всего остального человечества, на экране не появляющегося). Саспенс искусственно не нагнетается, ибо он как бы априори густо разлит уже в самой атмосфере этого удушливого мира и помещения. Точно так же в кадре нет ни трупов, ни выстрелов, ни - почти - мордобоя и поцелуев. В то же время актерам удается убедить зрителя в том, что и их персонажи - не марионетки и не совсем подонки, что и они хотят (могли бы)... по крайней мере любить. Но за рамками показанного - трупы, а перед нами - деньги (сокровища), ради обладания которыми теоретически способные жить и любить - существуют. Одержимые страстью и не способные вырваться из потока текучки.



Хэмфри Богарт как нельзя лучше подошёл на роль Сэма Спейда с "волчьей улыбкой", умного, очень жёсткого и неимоверно крутого детектива. На нём одном держится весь фильм. Как он играет! Даже терпя поражение, он не может не вызывать восхищения.



Джон Хьюстон - моралист и пессимист, исследующий в своих фильмах так называемую американскую мечту и так называемый американский идеал, где герои неизменно низводятся до людей, люди обнажаются до функций, а цель - та самая американская мечта - столь же неизменно ускользает из рук и плохих, и как бы хороших, оставляя персонажей у разбитого корыта. Ибо человек слаб, а враг силен: целью-то всегда прикидывается бес, коему человек - не соперник.
"Из чего сделана фигурка ?" - спрашивает полицейский Том, крутя поддельную фигурку сокола из свинца, ради которой полегло столько людей.
"Из того же материала, что и мечты." - отвечает Сэм.

Мертвец (Dead Man) — фильм Джима Джармуша (Jim Jarmusch), вышел на экраны в 1995 году, повествует о мистическом пути скромного бухгалтера Уильяма Блейка, ведомого индейцем Никто, одна из самых известных работ американского независимого кино.



После смерти родителей Уильям Блейк на последние деньги приезжает из Кливленда в Город Машины, надеясь получить место бухгалтера. Однако он узнает, что опоздал, на его место приняли другого человека. В отчаянии Уильям Блейк заходит в местный бар, где знакомится с бывшей проституткой, а ныне продавщицей бумажных цветов Телл и ночует у неё.



Внезапно к ней приходит бывший жених и устраивает разборку, в ходе которой Блейк получает ранение в сердце, а Телл вместе со своим женихом гибнут. В смерти Телл и «её жениха» - сына мистера Дикенсона (хозяина Города Машины) винят Уильяма Блейка. Раненный Блейк ищет спасения в близлежащем лесу. Там его находит Никто — индеец-отшельник, изгой своего племени. Он принимает смертельно раненого бухгалтера за воплощение английского поэта Уильяма Блейка и решает помочь ему с честью отправится в мир духов. В погоню за Блейком посланы наемные головорезы и профессиональные следопыты



Повествование, идеально стилизованное под черно-белое кино (Джармуш специально искал тот тип пленки, который дает не радикальный черно-белый экран, а оттенки серого, что придает картинке некоторую цветность), не соответствует каноническим жанром - ни вестерну, ни фильму-путешествию, и представляет собой скорее поэтическое иносказательное рассуждение о метафизике смерти. Натянутая тишина саундтрека, заполненная гитарными рифами Нила Янга, завораживает, нагоняет напряжение сильнее, чем редкие выстрелы. В картине все идеально пригнано, она течет подобно стихам самого Уильяма Блейка, тезки главного героя. Джонни Депп - актер с маской вместо лица - прекрасно передает перерождение героя от женоподобного юноши, вздрыгивающего при каждом выстреле, к мертвецу, по воле судьбы путешествующему туда, "где небеса встречаются с морем".



Невозмутимая операторская работа, отличный монтаж так точно передают атмосферу западно-американского Аида, динамику течения времени в этом царстве мертвых, что поневоле начинаешь жить по его законам с затаенным дыханием, медленной походкой, безсмысленными поэтическими фразами. Сценарий самого Джима Джармуша отличается редкой скупостью на диалоги, которые настолько самодостаточны, что каждый мог бы дать начало новому фильму классом пониже. Порой за людей просто говорит картинка и музыка. Скупая манера съемки, подбор актеров - все это должно уводить зрителя не в экранное дейсьвие, а внутрь себя. Такова идея Джармуша - снимая фильм, он вызывает своего зрителя на внутренний спор, одной из сторон которого является сам режиссер, скрыто представленный своим произведением.



Критики по-разному оценили этот фильм. Roger Ebert дал фильму полторы звезды (из четырех максимальных), прокомментировав это так: «Джим Джармуш пытался что то выяснить, но что именно я так и не понял». Desson Howe и Rita Kempley написали статью для Washington Post, с очень негативными комментариями. Greil Marcus в свою очередь, озаглавил свою рецензию к фильму так: «Мертвец Вновь: Здесь находится 10 фактов доказывающие что “Dead Man” является лучшим фильмом конца 20-го века». Кинокритик Jonathan Rosenbaum дал фильму звание – “Acid Western” и сказал: «этот фильм также восхитителен и также важен как и все новые фильмы 90х годов, которые я видел». Также он написал книгу о фильме «Dead Man» (ISBN 0-85170-806-4), изданную British Film Institute.



NB В "Мертвеце" - все заядлые курильщики, но ни у кого нет табака. Если Вы посмотрели фильм и  все еще гадаете, где оказался Блейк, значит вы не курите...

«Шоссе в никуда» (англ. Lost Highway) — мистический триллер-нуар Дэвида Линча (David Lynch) по совместному сценарию с Барри Гиффордом, вышел на экране в 1997 году.



Фред Мэдисон обвинен в убийстве своей жены Ренэ и приговорен к высшей мере наказания. Незадолго до исполнения приговора он таинственным образом исчезает из камеры смертников, а наего месте находят растерянного и ничего не понимающего Пита Дейтона . Как он оказался в камере? Куда исчез убийца? Выпущенный на свободу, Пит пытается вернуться к повседневной нормальной жизни, но вместо нее его ждет необъяснимый, поражающий воображение кошмар...



Сюжет фильма построен по принципу ленты Мёбиуса. Дэвид Линч даёт следующую подсказку относительно сценария фильма: ««Шоссе в никуда» — это история об убийце-шизофренике с большим количеством участников, рассказанная с различных точек зрения этими же участниками».



На мой взгляд это пожалуй единственный фильм Линча, где паззл сюжета таки складывается в цельную понятную картинку, хотя некоторые детали ее для меня так и остались загадочными знаками, но даже осмыслив основную фабулу и найдя множество параллелей с предыдущими работами Линча, фильм не перестает удивлять и завораживать при последующих просмотрах...

Вот, еле нашел в сети этот блок-бастер советского кинопроката начала 80-х года. Помнится сразу после выхода этого фильма в советский прокат появилась и песня "Улыбнитесь каскадеры..." (прилагается).

Название: Каскадёры
Оригинальное название: Stunts
Год выпуска: 1977
Жанр: Триллер
Выпущено: США
Режиссер: Марк Л. Лестер
В ролях: Роберт Форстер, Брюс Гловер, Джоанна Кэссиди, Билли Рэй Шарки, Ричард Линч, Джеймс Луизи

Во-время съёмок полицейского боевика в Сент-Луисе, выполняя сложный вертолётно-акробатический трюк внезапно гибнет молодой каскадёр Грэг Уилсон. Дирекция проекта списывает всё на несчастный случай. Так бы и осталась смерть отчаянного парня тайной за семью печатями, если бы на съёмочной площадке злополучного фильма не появился его старший брат Глен.
Заменив погибшего родственника в работе над трюковыми эпизодами картины он по ходу проводит личное расследование, не доверяя официальной версии о несчастном случае. Подозрения в намеренных убийствах усиливаются, когда жертвами неизвестного злоумышленника оказываются ещё два каскадёра.

«Седьмая печать» — (швед. Det Sjunde Inseglet 1956) — художественный фильм шведского кинорежиссера Ингмара Бергмана (Ernst Ingmar Bergman). В основу фильма положена пьеса Бергмана «Роспись по дереву».



История Рыцаря, всю жизнь ищущего ответы на главные вопросы. Вернувшись в родную Швецию, после десяти лет крестовых походов, на берегу моря он повстречал Смерть. И предложил ей партию в шахматы. С условием, что пока они играют, она не заберет его. А если выиграет Рыцарь, Смерть оставляет его в покое. Смерть согласилась скорее из интереса. Для чего нужна ему эта отсрочка? Что он успеет узнать?


В те несколько дней, о которых рассказывается в фильме, Рыцарь повстречает разных людей. Путешествующих актеров, бывшего семинариста, который повлиял на решение Рыцаря отправиться в Святую Землю, кузнеца, от которого ушла жена, девушку обреченную сгореть заживо на костре и многих других. И у каждого он постарается узнать о смысле жизни. Выслушает их мнение о том, ради чего стоит жить. А Смерть всегда будет рядом. Также ключевыми персонажами наравне с Рыцарем и Смертью являются Оруженосец – хладнокровный и циничный человек, считающей, что после смерти человека ждет лишь вечность пустоты и Актер, способный видеть больше обычных людей. Они в отличие от Рыцаря не задаются вопросом и видят Ответ в самой жизни. Суть фильма в поисках Ответа, но Бергман и сам не знает его. Он лишь предлагает зрителю варианты. И пытается сам заглянуть за грань.



В фильме поражает и завораживает мрачная атмосфера. Ожидание Смерти. Человеческое желание жить, как стекло разбивается при встрече с ней. Человек как угодно может относиться к жизни и смерти, но когда придет его час, он захочет прожить еще хоть одну лишнюю минуту. И тут уж можно слезно и на коленях просить об отсрочке, предложить партию в покер или молча принять и получить все ответы. Несмотря на это фильм показывает, что смерть – естественное явление и еще никому не удавалось ее избежать. Возможно, если не так бояться ее, жизнь станет лучше. Страх смерти затуманивает разум и притупляет чувства, это ясно показывают все, те, кто ударился в религию в попытке избежать чумы. Также добавлю, что в фильме подчеркнуто тонкий юмор, Бергман справедливо решил, что в нашей жизни без него никуда.

«Огни большого города» (англ. City Lights: A Comedy Romance in Pantomime) — фильм Чарльза Чаплина (Charles Spencer Chaplin). Съёмки фильма начались 31 декабря в 1927 года и продолжались около трех лет. Работа над фильмом шла во время Великой депрессии. К тому времени звуковое кино существовало уже несколько лет. У Чаплина появилась возможность самому писать музыку для своих фильмов. Фильм был завершен 22 января 1931 года. Первый показ состоялся 30 января 1931 в Лос-Анджелесе. "Огни большого города" по праву считается лучшим фильмом Чарли Чаплина.



Сюжет фильма подсказала Чаплину история циркового клоуна, потерявшего зрение в результате несчастного случая. У него была маленькая дочка, очень болезненная и нервная, и перед выпиской из больницы врач предупредил его, что он должен скрывать слепоту от дочери до тех пор, пока она не окрепнет достаточно, чтобы вынести этот удар, который будет ей сейчас не по силам. Дома клоун ходил по комнате, спотыкаясь, наталкиваясь на мебель, а девочка весело смеялась. Однако все это было слишком уж сентиментально, и в «Огнях большого города» слепота клоуна перешла к девушке-цветочнице.



В фильме Маленький Бродяга встречает красивую слепую девушку (Вирджиния Черил (Virginia Cherrill)), торгующую цветами на улице, которая по ошибке принимает его за богатого герцога. Узнав о том, что операция может вернуть ей зрение, маленький Бродяга пускается на поиски денег. В череде забавных приключений, которые мог придумать только Чаплин, он, в конце концов добывает деньги, но из-за этого попадает в тюрьму. Девушке сделали операцию, пока Маленький Бродяга сидел в тюрьме, и она стремиться найти своего загадочного благодетеля. Финальная сцена, когда девушка узнает, что он не богатый герцог, а всего лишь Маленький Бродяга, заставляет зрителей плакать…



Этот фильм также самый репрезентативный для творчества Чаплина-актера, режиссера и сценариста, сделанный на пике его славы. Он предстает в множестве амплуа: бродячий клоун, атлет, любовник, юродивый дурачок, балетный танцор, великий трагик и мим.Почти каждый поступок героя Чарли по нашим временам кажется нелепым, бессмысленным и невыгодным. И тем пронзительнее врезается в нашу память каждый эпизод фильма. Фильма, в котором много смешных до слез эпизодов, и моментов, когда плачешь по-настоящему.

Фильм «Путешествие на Луну» (фр. Le Voyage dans la Lune, 1902) снят режиссёром Жоржем Мельесом (Maries-Georges-Jean Melies) по его собственному сценарию, на созданных им декорациях, на его частной студии и силами принадлежащей ему актерской труппы. Фильм представляет собой Короткометражную фарсовую комедию, пародирующую сюжеты романов Жюля Верна «Из пушки на Луну» и Герберта Уэллса «Первые люди на Луне», считается первым научно-фантастическим фильмом в истории кинематографа.



Фильм является одним из безусловных шедевров раннего кинематографа благодаря постановочной изобретательности Мельеса, который блистательно выдержал ироническую интонацию и наполнил картину спецэффектами, большинство из которых изобрел сам. Хрестоматийную известность приобрел кадр, где снаряд попадает Луне прямо в глаз.



Сногсшибательный фильм. Несколько завораживающих минут, навсегда впечатывающихся в память. Я сам не ожидал от фильма 1902 года такого размаха, такого потрясающего полета фантазии и невероятных спецэффектов. Киноманское насыщение от этих десяти с небольшим минут экранного действия как от двух-трех просмотренных кряду фильмов иных выдающихся режиссеров. Одни селениты чего стоят! Какую потустороннюю жуть нагоняют своим казалось бы потешным "акробатическим" нападением! И вдруг новая неожиданность — то, как они погибают от рук земных ученых! Каждый кадр настолько перенасыщен, что кажется будто сейчас лопнет экран телевизора и вся эта халва выплеснется наружу, заразит реальность сюром и придется приспосабливаться к новым, неизвестным и неподдающимся разумению законам кошмарных фантазий. В каждом кадре, как на переднем плане, так и на периферии все снуют, кишат — скажем, когда показывают изготовление космического снаряда, — кажется что слышен производственный шум, крики, споры... Мне вдруг стало отчетливо ясно почему многие режиссеры так сопротивлялись переходу на звуковое кино. От таланта создателей фильма зависело сделать видеоряд таким, чтобы в голове у зрителя зазвучало. А появился звук, и что мы видим? Зачастую и не видим ничего интересного, зато слышим всякое "Бу!", зловещие скрипы, "тревожную" или "душещипательную" музыку — при полном убожестве картинки. В общем, ни разу при просмотре фильма у меня еще не возникало настолько сильного ощущенья, будто я смотрю запись чьего-то сна.



С 1896 до 1914 года Мельес снял более 500 фильмов длительностью от одной до 40 минут. В 1914 году обанкротившийся Мельес вынужден был продать студию. Негативы своих фильмов он в припадке ярости сжёг. Мельес долгое время работал продавцом игрушек на Монпарнасе. О его вкладе в развитие кинематографа никто не вспоминал до 1932 года, когда Кинематографическое общество приютило его, совершенно разорённого, в замке Орли, где он и прожил остаток жизни. Все-таки жаль, что из пятисот с лишним фильмов Мельеса сохранились лишь несколько, да и те отыщешь с трудом.

«Кабинет доктора Калигари» (нем. Das Kabinett Des Dr. Caligari, 1920) — знаменитый немой фильм режиссера Роберта Вине (Robert Wiene), положивший начало немецкому киноэкспрессионизму.



Мистическая история, рассказанная в манере Эдгара По, сразу захватывает зрителя быстрым развитием событий. Но история эта мрачная. В фильме "Кабинет доктора Калигари" рассказывается о директоре психбольницы, который с помощью гипноза заставляет одного из своих пациентов совершать убийства. Однако сам рассказчик тоже является пациентом данного заведения, что заставляет усомниться в правдивости его истории. Самое главное в этой ленте - это режиссура и монтаж, позволившие серии действий и поступков быть скомбинированными настолько ловко, что история развивается в идеальном темпе. Роберт Вине прекрасно использовал декорации, созданные Херманном Вармом, Вальтером Райманном и Вальтером Рорихом, декорации, которые сразу же бросаются в глаза, завладевают вниманием и визуально оказывают влияние на ментальное восприятие. Лучше всех безусловно сыграл Вернер Краусс в роли Доктора Калигари. Неприятный человек-сомнамбула, Чезаре, исполнен с чернушной серьезностью Конрадом Вайдтом. Даже маленькие роли сыграны вполне уверенно.



Фильм был объявлен художественным триумфом, один из критиков сравнил его с живописью в движении. Хотя никто не пытался впрямую воспроизвести его экспериментальный стиль, влияние этой картины отчетливо видно во многих немецких фильмах ужасов начала 1920-х годов. Сценарий фильма был задуман Карлом Майером и Гансом Яновицем как метафора безумия власти, которая ввергает подчинённый ей «спящий» народ в страшные бедствия — имелась в виду, конечно, проигранная Германией мировая война. Имя «Калигари» было взято сценаристами из переписки Стендаля. Уникальное художественное оформление фильма и использованные в нем декорации создали художники-экспрессионисты из группы «Der Sturm» — Герман Варм, Вальтер Рёриг и Вальтер Райман, которые предложили новаторскую идею, что фильмы должны смотреться как «ожившие рисунки». Первоначально режиссёром фильма должен был стать Фриц Ланг, но он к началу съёмок оказался занят в другом проекте. Однако именно Лангу принадлежит идея «закольцевать» сюжет фильма эпизодами в сумасшедшем доме и тем самым кардинально изменить его трактовку. Фильм пользовался грандиозным успехом во всем мире. В США конкуренты компании, которая занималась прокатом фильма, чтобы сорвать его показы даже организовали марши протеста ветеранов войны под лозунгом «не будем смотреть фильмы, снятые врагами Америки».

«Бойцовский клуб» (Fight Club) — психоделический триллер режиссёра Дэвида Финчера (David Fincher), снятый по мотивам одноименного романа Чака Паланика (Chuck Palahniuk), вышел на экраны в 1999 году.



Дэйвид Финчер начинал когда-то как режиссер рекламных и музыкальных клипов. Он работал с Мадонной на знаменитых “Vogue” и “Express Yourself”, делал “Freedom” для Джорджа Майкла и “Who Is It” для Майкла Джексона, потом взялся за фильмы - что-то между мейнстримом, классическими киножанрами и авторским кино.



Главный герой фильма, «тридцатилетний мальчик». Рассказчик (его настоящее имя остаётся неизвестным вплоть до конца фильма), работает страховым инспектором в большой автомобильной корпорации и вынужден часто перелетать с места на место. Из-за потери смысла жизни, разочарованности в мире «одноразовых» людей и продуктов и постоянной бессонницы он начинает посещать группы поддержки, в которые объединяются тяжелобольные. Эти занятия помогают понять ему, что не всё так плохо в его собственной жизни.



В самолёте Рассказчик знакомится с экстравагантным продавцом мыла Тайлером Дёрденом. Узнав по приезде, что его дом сгорел, он перебирается к Тайлеру. Вместе они организуют «бойцовский клуб», построенный по принципу «что я знаю о себе, если никогда не дрался», где главное это не боевое искусство, не победа, а умение терпеть и наслаждаться болью в духе мазохизма. Это давало просветление, свободу и спасение. После ежесубботней схватки всё в мире отступало на второй план. «Первое правило клуба: никому не говорить о клубе».



Несмотря на многоплановость и насыщенность, до степени кажущегося сумбура, сюжет “Бойцовский клуб” отличается стройностью и четкостью построения. Все, даже самое нелепое, в конце фильма оказывается логично, связано и оправданно.



«Бойцовский клуб» является произведением уникальным – социально-философским по своей сути, но притом, вопреки обыкновению, лишённым отвлечённости и созерцательного характера. Напротив, решительным, проникнутым исступленным желанием чуть ли не прямого влияния на окружающий мир, на существующее положение вещей, особенно в человеческом обществе.