«Беспечный ездок» (Easy Rider) — художественный фильм режиссёра Дэнниса Хоппера (Dennis Hopper) вышел на экраны в 1969 году и считается шедевром кинематографа, который задал каноны жанра Road Movie (Дорожный фильм). Беспрецедентный успех малобюджетной (всего в $400 тысяч) «маргинальной» картины класса 'В' породил немалое количество подражаний и подделок.



В картине выражены в концентрированной, сгущенной форме короткой «кинорокбаллады», кажется, все бунтарские настроения шестидесятых годов. Впервые на экране поэтизировалась «беспечная жизнь» рокеров-хиппи, несущихся на своих мотоциклах по бесконечным дорогам бескрайней Америки — из Калифорнии в Новый Орлеан — в поисках извечной «американской мечты».



Выброшенные на обочину «блудные сыновья» пытаются обрести призрачную надежду, иллюзию о «настоящей Америке». А мещанская, обывательская, нетерпимая ко всему, что непохоже на другое, выделяется, сомневается, тем более протестует, эта консервативная, как всегда, американская южная «глубинка» расправляется с ними привычными методами «ку-клукс-клана» и «суда Линча». Разница только в том, что ныне гнев обращен не против одних чернокожих, а и против белых, но волосатых, едущих на мотоциклах. Впрочем, не устраивает и тихий пьяница-бродяга, бывший адвокат, порвавший со своей средой — отличная роль, впервые прославившая Джека Николсона.



Фильм «Беспечный ездок» — именно кинорокбаллада. В него щедро включена рок-музыка 60-х годов, ставшая «отдушиной» и молитвой для умов и чаяний молодежи тех лет, превратившаяся в кардиограмму ее состояния. А яркая кинематографическая форма способствует созданию легенды о последних бунтарях Америки. Оригинально примененная оператором Ласло Ковачем съемка против солнца, с бликами света, падающего в камеру и расходящегося по кадру цветовой радугой, сегодня — уже штамп и банальный прием.



Необычным для ленты такого рода является использование вроде бы интеллектуальных «флэшфорвардсов», кадров, которые опережают действие и предсказывают события на несколько мгновений вперед. Картина-гимн молодежной субкультуры «бурных шестидесятых» одновременно по настрою оказалась пророчески «последним фильмом», знаменующим «закат» целой эпохи «беспечных и прекрасных грез о свободе». Ленты 70-х годов более трезвы и горьки, но вряд ли они появились бы без влияния «Беспечного ездока» с его предсмертной романтикой. Эта картина также была отмечена премией за дебют в Канне.

«Бразилия» (Brazil) — знаменитая антиутопия 1985 года Терри Гиллиама (Terence Vance Gilliam) по праву считается одним из лучших фильмов в фантастическом жанре.



Сюжет фильма разворачивается где-то в XX веке в антиутопичной северной стране и описывает общество которой сковала тотальная бюрократия. Сэм Лоури – крошечный винтик в огромной заржавевшей бюрократической машине тоталитарного государства будущего. Сэм старается не лезть в неприятности, но однажды, заметив ошибку в документе, которая может привести к аресту невинного человека, он решает исправить ее. Благое намерение скромного клерка неожиданно для него вызывает целую лавину странных совпадений и загадочных событий, и вскоре выясняется, что крошечная опечатка способна пошатнуть могучего колосса на глиняных ногах.



Считается, что Гиллиам снял едкую сатиру на общественное устройство Великобритании времен правления Маргарет Тэтчер и США во главе с Рональдом Рейганом, представив ее в виде пародии на научную фантастику. Визуальная часть картины безоговорочно перевешивает над сюжетной. Ее фундамент — уникальный стиль и тончайшее внимание к деталям, которого не встретишь ни в одном фантастическом фильме. Гиллиам предложил зрителям мрачный, но снятый с ослепительным блеском образ оруэлловского будущего, технологически находящегося на уровне 70-х годов. Будущего, в котором народ полностью зависим от управляющей им государственной системы.



Лейтмотивом фильма является песня 1939 года «Aquarela do Brazil» Ари Барросо, исполняемая в различных вариациях — от возвышенных и воодушевляющих до угрожающе зловещих. Название фильма также восходит к названию песни. В 2004 году фильм «Бразилия» был включён журналом «Тотал Филм» в двадцатку величайших английских фильмов всех времён. В 2005 году кинообозреватели журнала «Тайм» Ричард Корлиш (Richard Corliss) и Ричард Шикель (Richard Schickel) назвали «Бразилию» в числе 100 лучших фильмов всех времён. В 2006 году «Channel 4» незадолго до показа по «BBC Four» признал «Бразилию» одним из «50 фильмов, которые нужно посмотреть, прежде чем умереть».

Небо над Берлином (Der Himmel uber Berlin) — художественный фильм Вима Вендерса (Wilhelm Ernst Wenders) 1987 года, одна из наиболее известных работ кинорежиссёра.



Этот фильм одного из лучших режиссеров современного мирового кино является «данью чести» Берлину к его 750-летию, поэтическим признанием в любви к человечеству, притчей, рассказанной новаторским киноязыком, лентой, открывающей новые горизонты в искусстве. Сценарий вдохновлен стихами Райнера Марии Рильке (прежде всего его циклом «Дуинские элегии» с образами ангела, человека и куклы) и написан Вимом Вендерсом при участии австрийского писателя Петера Хандке, с которым он не сотрудничал более десяти лет со времен картины «Ложное движение». Неслучайно и то, что лента «Небо над Берлином» снята Анри Алеканом, «живым классиком» французского операторского искусства, работавшим с Жаном Кокто и Марселем Карне. Постановщику фильма был важен условный, «метафизический» (по его словам) опыт при создании фантастической истории, мистической сказки, мифологической поэмы, которая обращена не столько в прошлое, сколько в будущее. Посвящение трем «ангелам кино» - Андрею Тарковскому, Ясудзиро Одзу и Франсуа Трюффо - отражает не просто личные пристрастия Вендерса. Он все более избавляется от американского влияния, наследуя традиции европейского и общемирового искусства.



Итак, два ангела — Дамиэль и Кассиэль, одни из многих таких же как они — читают сокровенные мысли людей, наслаждаются своей свободой и одновременно немного завидуют смертным, но обречены на бессмертие. В мире ангелов нет времени и нет физических ощущений, а есть лишь дух и мысль. Полюбив цирковую акробатку Марион, Дамиэль выбирает невечную земную любовь и жизнь, со всеми слабостями и несовершенством.



Все черно-белые отрезки фильма были сняты через единственный в своем роде шелковый фильтр, изготовленный из чулков операторовой бабушки.  Съемки настоящей Берлинской стены были запрещены, поэтому неподалеку от нее пришлось дважды построить ее копию, первая фальшивая Берлинская стена покоробилась от дождя, т.к. подрядчик пытался обмануть съемочную группу и построил ее из дерева. В этом фильме имеется эпизодическое появление Вима Вендерса: он играет  члена съемочной группы в сцене, где ангел Кассиэль наблюдает за съемками фильма с Питером Фальком (сыщик Коломбо в одноименном сериале), в фильме он играет сам себя. Ник Кейв также играет сам себя, в фильме можно услышать три его песни.



Спустя шесть лет Вим Вендерс снял своеобразное продолжение фильма - картину «Так далеко, так близко». А в 1998 году маериканский режиссёр Брэд Силберлинг снял ремейк фильма — «Город ангелов» с Николасом Кейджем в главной роли.

«Европа» (Europa) — драма режиссёра Ларса фон Триера (Lars von Trier) 1991 года. Фильм получил Приз жюри и Большой приз Высшей технической комиссии Каннского кинофестиваля в 1991 году. Именно Европа прославила Фон Триера, принесла ему культовое признание интеллектуалов. В 91-м году взяв Приз жюри и Большой приз Высшей технической комиссии Каннского кинофестиваля. "Европа" является завершающей частью Е-трилогии (Эпидемия, Элемент преступления и Европа). Главной темой трилогии было царящее в миpе зло (рабочее название Европы - 'Большое зло').



Фильм фон Триера - это почти двухчасовой сеанс гипноза. Он начинается классическим счетом от 1 до 10, и на каждой цифре закадровый голос (он принадлежит Максу фон Сюдову) сообщает вам, какие новые ощущения вы должны испытать на пути к трансу. Для чего все это? Чтобы как раз и перенестись в послевоенную Германию. Он говорит: "Сейчас вы будете слушать мой голос… На счете десять вы окажетесь в Европе". И только когда счет заканчивается, изумленный зритель понимает, что его грубо щелкнули по носу, что гипнотический счет был обращен вовсе не к нему, а к главному герою фильма, который как раз тут же и появляется. А Вы готовы воспринимать дальнейшее непростое зрелище. Оно потребует от вас некоторого умственного и душевного усилия, поэтому время от времени будет вновь возникать закадровый голос постороннего наблюдателя.



Итак, 1945 год, Германия. Страна оккупирована войсками союзников. Все население находится под тщательным наблюдением. В это неспокойное время в атмосфере, пропитанной страхом и насилием, разворачиваются основные события жизни двух абсолютно разных, но очень близких друг другу людей. Молодой американец, работающий проводником на железнодорожном экспрессе, влюбляется в немецкую женщину, тайно связанную с нацистами. Их роман невозможен, сами они — обречены. Но, когда настаёт пора выбирать между любовью и смертью, и он, и она готовы сделать свой последний выбор. Символичен экспресс, где происходят все изображаемые события. Обычно в снах появление поезда означает жизненные изменения, движение к новым жизненным ситуациям. Образ экспресса усиливает такие качества, поэтому его облик иносказательно указывает на некие подсознательные психические силы, которые всецело довлеют над жизнью человеческой. В конце концов смерть и гипнотический сон в фильме мало различимы.  Но в чем же тогда смысл жизни? Любовь к женщине? Служение народу, который с таким трудом избавляется от тяжелой болезни? Эти и другие вопросы остаются за кадром. Каждому, кто просмотрел эту завораживающую черно-белую киноленту, остается только строить предположения о том, какие же ответы являются правильными.



"Европу" можно рассматривать с двух точек зрения. Первая - политическая. Нам дают душераздирающую картину униженной Германии. Нам показывают, как в очередной раз победитель наступает на те же грабли, размазывая побежденного по стенке. Это можно расценивать как повод для критического анализа американского "нового мирового порядка", вступившего в действие сразу после окончания Второй мировой войны, и это в фильме - момент существенный. Вторая точка зрения - эстетическая. Именно ее и хочется иметь в виду. Потому что фон Триер - явно не политик, явно художник. "Европа" - щемяще-тоскливое и визуально безупречное, хронологически рваное и аптекарски выверенное философское повествование о Судьбе, Смерти и Воле, об их взаимосвязи и о том, что в нашей жизни все-таки первично. И смотреть фильм стоит прежде всего тому, кто намерен думать на подобные темы.



Фильм снят в потрясающей воображение визуальной эстетике, стилистика убивает на повал, она уникальна. Кинематографический язык Триера максимально символичен и эмоционален. И, безусловно, новаторский, что делает "Европу" - одно из главных потрясений синемафилов.

 

«Обед нагишом» (Naked lunch) — кинофильм Дэвида Кроненберга (David Cronenberg), снятый в 1991 году по мотивам одноимённой книги Уильяма С. Берроуза и биографии писателя.



Когда в одном месте встречаются талант и наркотики вещества, временами получаются шедевральные вещи. Примерно так и случилось в сороковых годах прошлого столетия, когда Уильям Берроуз столкнулся с морфием. Результатом этой встречи стало последующее знакомство с героином, убийство собственной жены в процессе игры в "Вильгельма Телля", а также написание ставшей культовой в обдолбанных кругах книги "Голый Завтрак" - ожившей галлюцинации Берроуза-наркомана. Спустя более чем тридцать лет (1991 г.) Берроузовскими галлюцинациями занялся темный гений кинематографа Дэвид Кроненберг, подмешав в убийственный коктейль еще и изрядную долю кафкианства.



Билл Ли работает ликвидатором: он уничтожает тараканов. Однажды в его распылителе преждевременно заканчивается ядовитый порошок, и он узнаёт, что причина этому — его жена, которая использует отраву в качестве наркотика. Полиция арестовывает Ли, однако он принимает это за галлюцинации, вызванные соприкосновением с тараканьей отравой. Ли начинает полагать, что он — секретный агент, и его начальник (гигантский говорящий жук) выдаёт ему задание убить его жену Джоану Ли, которая, по словам жука, является агентом организации Интерзон Инкорпорейтд. Аксидентально выполнив свою миссию, Ли убегает в Интерзону и проводит всё время в написании отчёта о своей миссии, который и становится книгой «Обед нагишом».



В лучших традициях «физиологического хоррора» Кроненберга этот фильм наполнен удивительными и отталкивающими созданиями. Печатные машинки, превращающиеся в насекомых, экзотические гуманоиды магуампы, с сочащимися наркотическим соком головными отростками, превратившийся в паука Ив Клоке, высасывающий жизненный сок из головы бедного Кики, и много чего еще предстает на экране в самых натуралистических и отталкивающих подробностях. Но не качественные грим и спецэффекты являются основой этого фильма, а гениальная режиссура Кроненберга и талантливая игра актеров, в первую очередь, конечно, Питера Уэллера, идеально сыгравшего эмоционально сложную роль альтер-эго Берроуза, Билла Ли.



Эта уникальная картина рассчитана прежде всего на эстетствующую аудиторию, любителей "кино-не-для-всех", является безоговорочным шедевром Кроненберга и одним из лучших фильмов современности.

«Шоссе в никуда» (англ. Lost Highway) — мистический триллер-нуар Дэвида Линча (David Lynch) по совместному сценарию с Барри Гиффордом, вышел на экране в 1997 году.



Фред Мэдисон обвинен в убийстве своей жены Ренэ и приговорен к высшей мере наказания. Незадолго до исполнения приговора он таинственным образом исчезает из камеры смертников, а наего месте находят растерянного и ничего не понимающего Пита Дейтона . Как он оказался в камере? Куда исчез убийца? Выпущенный на свободу, Пит пытается вернуться к повседневной нормальной жизни, но вместо нее его ждет необъяснимый, поражающий воображение кошмар...



Сюжет фильма построен по принципу ленты Мёбиуса. Дэвид Линч даёт следующую подсказку относительно сценария фильма: ««Шоссе в никуда» — это история об убийце-шизофренике с большим количеством участников, рассказанная с различных точек зрения этими же участниками».



На мой взгляд это пожалуй единственный фильм Линча, где паззл сюжета таки складывается в цельную понятную картинку, хотя некоторые детали ее для меня так и остались загадочными знаками, но даже осмыслив основную фабулу и найдя множество параллелей с предыдущими работами Линча, фильм не перестает удивлять и завораживать при последующих просмотрах...

«Отсчёт утопленников» (Drowning by Numbers) — фильм Питера Гринуэя (Peter Greenaway), получивший в 1988 году приз Каннского кинофестиваля за "Лучший художественный вклад".



По жанру "Отсчет утопленников" - черная абсурдистская комедия, пожалуй, даже фарс о сытых, скучающих и сексуально неудовлетворенных мещанах, то ли живущих, то ли отдыхающих в диком приморском уголке. Несколько разновозрастных женщин, представительниц одного клана, методично и последовательно утопляют надоевших им мужчин, пользуясь похотливым расположением к ним соседа-патологоанатома, в одиночку воспитывающего сына-подростка и выписывающего обеляющие соседок заключения о гибели их мужей в результате несчастного случая.



Весь фильм сопровождает нумерация от 1 до 100, причём числа возникают в совершенно неожиданных местах, так что его имеет смысл посмотреть несколько раз хотя бы с той целью, чтобы убедиться, что ни одно число не пропущено. Что означают все эти цифровые загадки, можно лишь догадываться. Говорят, Гринуэй на такого пытливого зрителя и рассчитывает. В фильме также щитируются картины (К. Коро, С. Дали) и кинокартины (дохлые коровы из "Андалусского пса" Бунюэля, хоровод на причале из "8 1/2" и сидение сумасшедшего в раскидистой древесной кроне из "Амаркорда" Феллини). Кроме живописности, "Отсчет утопленников", как и вообще все фильмы Гринуэя, музыкален, вернее сопровожден едва ли не единственной, но очень красивой и тревожной запоминающейся мелодией - ведущим лейтмотивом всех перипетий действа. Музыка к фильму написана композитором-минималистом Майклом Найманом и основана на темах из Sinfonia Concertante in E flat, K364 Моцарта. Моцартовский оригинал можно услышать сразу после очередного утопления. В общем, зрелище это замечательное, безусловно авторское, оригинальное и талантливое, а для кинематографа двух последних десятилетий, все более и более усредняющегося, утрачивающего вместе с национальным колоритом и общую культуру, - едва ли не уникальное и потому, разумеется, классическое.



Эту картину, единственную у Гринуэя, удостоенную награды престижного фестиваля (приз за художественный вклад МКФ в Канне), сам автор назвал «фильмом об игре как процессе, напрямую отражающем главный принцип взаимоотношений режиссера и зрителя». Но даже притом, что все герои в фильме время от времени во что-то играют, сами игры, в лучшем случае, могут рассматриваться только как гарнир к основным событиям, которые чуть ли не впервые обрели у Гринуэя внятную и интригующую мотивацию.

«Психо» (Psycho) — классический чёрно-белый триллер Альфреда Хичкока (Alfred Hitchcock) снятый в 1960 году, экранизация одноименного романа Роберта Блоха, неоднократно был назван критиками лучшим триллером из когда-либо созданных. Здесь режиссёр Альфред Хичкок впервые «позвал» зрителя в мотели. Впервые в кино было описано не столько преступление, сколько болезнь убийцы, его психоз, сам убийца. Нужно отметить, что фильм называется именно «Психо» (по-русски «психопат»). В «Психо» в полной мере раскрывается художественный приём «саспенс», впервые описанный и мастерски применяемый Хичкоком. Не последняя заслуга в том, что этот фильм стал шедевром, принадлежит игре Энтони Перкинса, который передаёт свои ощущения, страхи, мысли, оттенки характера — не только голосом, но и с помощью мимики и жестов. Атмосферу тревоги и нервозности также искусно дополняет саундтрек композитора Бернарда Херрманна. Бюджет фильма составил 806 947 долларов, а сбор с проката более 40 миллионов долларов.



Молодая женщина Мэрион Крэйн (роль исполняет любимица Хичкока актриса Джанет Ли) похищает 40 тысяч долларов, которые ей доверил начальник. Она не задумывала это преступление, похищение вышло спонтанно. Мэрион просто хочет уехать из города и начать новую жизнь со своим любовником. Во время бегства, устав от вождения и стресса, она решает свернуть с шоссе и провести ночь в уединённом мотеле Бэйтса, где полиция вряд ли найдёт её. Однако здесь её поджидает более страшное наказание. Мотелем управляет Норман Бэйтс (Энтони Перкинс) — этот юноша страдает от раздвоения личности: временами в нём оживает его умершая мать. Норман испытывает влечение к Мэрион, но его «мать» категорически протестует против чувств сына. Она требует от Нормана отстраниться от Мэрион, а получив отказ, решает убить девушку и осуществляет свой замысел в ванной, пока та моется (эта сцена убийства в ванной, сопровождаемая пронзительными звуками, является одной из самых известных сцен в мировом кинематографе вообще). В это время по следам Мэрион направляется частный детектив Милтон Арбогаст, которому и предстоит постепенно раскрыть жуткую тайну Нормана Бейтса.



Хичкок создает напряжение в фильме небольшими «толчками», во внешне совершенно безобидных сценах. Ну, казалось бы, что такого в том, что девушка увидела из окна автомобиля своего босса, что такого в том, что у нее потребовал (и без всяких последствий) документы полицейский. Но каждый из этих «эпизодиков» чуточку цепляет, и постепенно обнаруживаешь, что уже сам начинаешь нервничать вместе с обаятельной Мэрион Крейн. Даже такой пустяк, как езда по шоссе с заливающим стекло дождем, и то становится чем-то страшноватым. И напряжение растет потихоньку, очень медленно, но не отпускает.



В знаменитой сцене убийства в ванной пронзительный звук создаётся скрипками, по которым резко водят смычками. А звук ножа, впивающегося в плоть — это звук ножа, втыкающегося в дыню. Сама же сцена снималась с 17 декабря по 23 декабря 1959 года, причём снималась вообще без участия Перкинса (он в этот момент уехал в Нью-Йорк). Сцена имела около 90 склеек при монтаже. Альфред Хичкок купил у Роберта Блоха права на экранизацию его романа анонимно и всего за 9 тысяч долларов. А затем Хичкок до премьеры скупил столько экземпляров романа, сколько смог найти, чтобы сохранить концовку фильма в тайне. Одна из причин, почему Хичкок решил снять фильм на чёрно-белую плёнку, — это решение не делать фильм слишком кровавым. Роль крови в фильме исполнял шоколадный сироп.

«Священная гора» (La montana sagrada) — фильм Алехандро Ходоровски (Alejandro Jodorowsky), снят в 1973 году, однако из за разногласия продюсера и режиссера уже более 30 лет этот масштабный экспериментальный фильм, разрушающий саму природу кинематографа, не получает широкого проката, хотя и стал классикой среди ценителей кино.



Этот фильм считается одним из самых радикальных фильмов за всю историю мирового кинематографа. Такого вихря образов вряд ли можно встретить в еще какой-либо ленте. Из ран убитых солдатами жертв вылетают птицы, жабы в старинной испанской форме под нацисткие марши штурмуют пирамиды ацтеков. Главный герой, просыпается голым в земном мире пороков и соблазнов. Пройдя сквозь череду соблазнов и ужасов обыденной жизни, он встречает Учителя, который проводит его через миры каббалы, Таро, Астрологии. Персонаж, пройдя обряды инициации и очищения, получает возможность вместе с другими учениками совершить попытку подняться на Священную Гору, чтобы постичь тайны девяти мудрецов, проживших 30 000 лет.



Сам Ходоровски рассказывал: "Я хотел сделать "Священную гору" фильмом о мистическом просветлении. Я обыскал весь Нью-Йорк, Мехико и Лос-Анджелес, чтобы найти актеров, которые сыграли бы мудрецов: отыскать правильного человека было все равно, что найти клад. Но актеры, которых я выбрал, никуда не годились - они все хотели заработать деньги, прославиться и принимать наркотики. Перед началом съемок я запер их на два месяца в одном доме. Я позволил им спать только четыре часа в сутки, и мы прошли курс мистических тренировок - смесь дзена и йоги. Я был не в своем уме, но не сомневался, что обязан сделать нечто священное. Снимая ""Священную гору"", я пытался быть предельно честным. Я не мечтал разбогатеть или прославиться. В фильме почти нет диалога, но я не собирался делать его развлекательным или забавным - я хотел расширить границы сознания. Я воспринимал кино, как поэзию, и всегда говорил, что ищу в кино то, что хиппи ищут в наркотиках. Я пытался сделать фильм, который взорвет сознание. Я был в поиске - я хотел знать, что такое гуру, что означает быть Буддой. Я ел галлюциногенные грибы, ЛСД и начал изучать таро. Пару раз во время съемок я рисковал жизнью; когда мы забрались в горы, началась снежная буря, пять человек погибли там несколькими месяцами раньше, и я думал, что тоже погибну. Уцепившись за камень, я сказал себе: "Мне нельзя умирать, - надо закончить этот чертов фильм!". В таро круг с девятью точками символизирует познание вселенной. Девять точек соответствуют планетам. В конце фильма камера отъезжает назад и открывает иллюзию. Я хотел показать, что мы движемся от сказочного символизма к реальности и что сам я - не гуру, а просто что-то ищущий человек".

Фильм «Сало, или 120 дней Содома» (Salo o le 120 giornate di Sodoma) — последний художественный фильм итальянского кинорежиссёра Пьера Паоло Пазолини (Pier Paolo Pasolini), вышедший на экраны в 1976 году, т. е. уже после убийства постановщика. Снят по книге «120 дней Содома» Маркиза де Сада. Из-за реалистичных сцен насилия и жёсткого секса фильм был запрещён к показу в нескольких странах.



Республика Сало на севере Италии, последние дни итальянского фашизма. Фильм состоит из четырёх частей, названия которых основаны на произведении Данте Алигьери «Божественная комедия»: Преддверие ада (Antinferno), Круг маний (Girone della manie), Круг дерьма (Girone delle merda), Круг крови (Girone del sangue). Насилие у Пазолини выступает, как парадигма всего существования и мироощущения фашистской "знати". Без оного они просто не могут, не умеют, не хотят жить. В начале фильма, когда идёт отбор юношей и девушек для жестоких и беспощадных утех, мы видим нескрываемую радость на лицах детей. Муссолини мёртв, но они по прежнему верят в правильность и истинность его идей. Всё меняется во дворце. Взрослые уничтожают не только физическую девственность ребят, но и духовную чистоту, что намного страшней. Обратного пути нет. Они приехали во дворец, чтобы умереть. Последние пятнадцать минут - подробнейшая панорама массового убийства, торжествующий гимн смерти.



Тема смерти занимало не последнее место в творчестве Пазолини. Он обращался к ней и как писатель, и как философ. Смерть подобно монтажу в кино помогает нам трезво посмотреть на то, что было сделано до этого. Оглянуться назад, проанализировать. Символично, что именно эта лента стала последней в карьере режиссёра. За страшной, неприглядной, по настоящему скандальной (а Пазолини знал, на что шёл) содержательной стороной картины многие не видят смыслового стержня. Сегодня, пожалуй как и в 70-х, ужасы Второй Мировой войны представляются с позиций освободителей при чётком ранжировании "добра" и "зла". Но ведь чтобы победить нужно понять. Понять не для оправдания зверских деяний, а для самих себя. Дабы разобраться в причинах повлёкших такие последствия. Гитлер и Муссолини не захватывали власть, они пришли к ней законным путём при огромной поддержки народов Германии и Италии.



"Сало или 120 дней Содома" кино, прежде всего, социально направленное. Нацеленное на интеллект, разум и только потом на чувства. Картина Пазолини сегодня является чуть ли не единственным художественным документом, показывающим обратную сторону зла, без "красок" и "грима".