Броненосец «Потёмкин» — немой художественный фильм, снял картину режиссер Сергей Эйзенштейн на киностудии «Мосфильм» в 1925 году.



Сценарий, по которому снимался фильм, основан на реальных событиях, произошедших в июне 1905 года, когда на броненосце «Потёмкин» команда подняла восстание и захватила корабль.



Фильм снят к 20-летию первой русской революции (1905 года). Премьера состоялась в Москве 5 декабря 1925 года в 1-м Госкинотеатре (ныне — кинотеатр «Художественный») под музыкальное сопровождение Э. Майзеля.



Броненосец «Потёмкин» — лучший фильм по признанию Американской Киноакадемии (1926). Признан «одним из лучших» — в 1954 году. Признан первым в числе 12-ти лучших фильмов всех времён и народов по результатам международного опроса критиков в Брюсселе в 1958 году (110 голосов из 117). Первый среди ста лучших фильмов по опросу киноведов мира (1978).



У фильма есть интересная и выдающаяся черта: он не воспринимается как художественный фильм. Конечно, внешность людей меняется, и сейчас уже нет таких типов лиц, которые в эпоху нэпа можно было увидеть на каждом шагу. Дело в самих актерах, которые играют так, будто неореализм проник в советский кинематограф еще в 25 году. Ярость, возмущение, страх, боль — всё отражено, ничего не упущено, потому что всё это было естественно. Дело также в масштабности съемок и тонком, наблюдательном взгляде режиссера, его умной рассчетливости. Фильм балансирует на очень тонкой грани кинохроники и игрового кино. Впрочем, "Броненосец "Потемкин" уже сам как бы является документом, характернейшим знаком молодого советского кино и предметом культа кино современного. По замыслу, по идее — это, конечно, лубок, идеологическая агитка. Зато агитка, сделанная гениально, то есть воспринимаемая как прямое историческое свидетельство, тем более сейчас, 80 лет спустя. Когда смотришь фильм, задуматься о существовании альтернативных взглядов на восстание матросов 1905 года попросту нет возможности, Эйзенштейн не дает такого шанса, плотно забивая кадр захватывающими деталями и нанизывая кадры один на другой, как шашлык, и кинотрапеза пролетает в один момент, 75 минут превращаются в 7,5 минут.

«Русский ковчег» (Russian Ark) — новаторская по форме и классическая по содержанию киноинсталляция, поставленная в 2002 году одним из самых выдающихся режиссеров современности Александром Сокуровым (Alexander Sokurov).



Фильм Сокурова «Русский ковчег» раздвигает привычные границы кино - картина снята в Государственном Эрмитаже одним дублем без остановок. Мы проходим через комнаты, мимо картин, и сквозь двери в нелинейном времени, как мечтательный турист.



Человек — наш современник, неожиданно оказывается в Эрмитаже начала 1700 годов, не имея ни малейшего представления о том, как он туда попал. Осматривая залы, он встречает иностранца, в котором угадывает черты известного французского дипломата и путешественника XIX века. Эти двое путешествуют по времени сквозь 300 лет российской истории, произведения искусства и памятники культуры возвращают их во времена Российской империи. Два человека, странник и наш соотечественник, спорят о взаимосвязи России и Европы и становятся свидетелями многих исторических событий: Петр Первый устраивает разнос генералу, Екатерина Великая руководит репетицией пьесы, за обедом сидит последний император России вместе со своей семьей. Это путешествие — воспоминание о том великолепии далекого прошлого, по которому тоскуют те, кто никогда в нем не жил...



Фильм получил награды:
2008 — Исторический кадр (Тильман Бюттнер) — сообщество кинооператоров;
2004 — Серебряный кондор лучшему зарубежному фильму — награда аргентинской ассоциации кинокритиков; лучший дизайнер — "Ника";
2003 — почетное упоминание — художественный фильм (Тильман Бюттнер) — German Camera Award; лучший актер (Сергей Донцов), лучший оператор, лучший режиссер — международная неделя фантастического кино в Малаге; специальное упоминание — San Francisco Film Critics Circle;
2002 — Visions Award (Александр Сокуров) — МКФ в Торонто.

«Розенкранц и Гильденстерн мертвы» (Rosencrantz & Guildenstern Are Dead) — пост-модернистская фантазия на тему Шекспировского "Гамлета", поставленная в 1990 году Томом Стоппардом (Tom Stoppard) по одноимённой своей же пьесе 1966 года.



Второстепенные персонажи трагедии Уильяма Шекспира - Розенкранц и Гильденстерн, будучи не слишком крепко связанными с сюжетом, проявляют свободу мысли. Когда они замечают, что подброшенная монетка снова и снова выпадает орлом, они высказывают свои предположения и задаются вопросами. По пути им встречается театральная труппа. Директор труппы рассказывает, что может им предложить театр, как представление о жизни. Выбор разнообразен, в том числе и самим поучаствовать в представлении. Король объясняет Розенкранцу и Гильденстерну, зачем он их позвал. Принц встречает друзей неясными размышлениями. Друзья вспоминают про встреченный театр. Гамлет просит директора театра показать пьесу про жизнь самого принца. В конце пьесы Розенкранц и Гильденстерн повешены.



Фильм представляет собой экранизацию пьесы Стоппарда, которая является вольным изложением «Гамлета». Настолько вольным, что главными героями становятся не принц Датский и его рефлексия, а два третьестепенных персонажа – якобы приятелей принца, а в сущности помощники короля с королевой в их антигамлетовских мероприятиях.



Пьесу Стоппарда справедливо называли авангардистской. Впрочем, определений ей давали множество, и не в них суть. Большую часть действия фильма  составляют споры двух словоблудов, которые пытаются выявить какие-то жизненные законы, а в итоге все мироздание рассыпается под их языками в труху. Один (Розенкранц) – человек с признаками хорошо развитого рукоблуда. Он все трогает, щупает, мастерит всяческие поделки из подручных средств, и параллельно делает неадекватные своим действиям выводы. Второй (Гильденстерн) склонен к бесконечным рассуждениям по любому поводу, причем нервен, но последователен в своих силлогизмах, по большей части – совершенно бесплодных.



Ясное дело, при таком «буквальном» следовании шекспировским драматическим линиям, создателю фильма неизбежно пришлось «дописывать» шекспировский первоисточник. Результат – целая серия тончайших по остроумию и бездонных по философской глубине диа- и монологов в исполнении Тима Рота и Гэри Олдмана. Их неподражаемая игра придаёт фильму колорит яркого спектакля в каком-нибудь первоклассном театре абсурда. (тдельное спасибо за постоянные «открытия» Розенкранца, пытливый ум которого дарит зрителю немало весёлых минут.)

«Уловка-22» (Catch-22) — антивоенная комедия абсурда снятая в 1970 году Майком Николсом (Mike Nichols) по одноимённой повести Джозефа Хеллера (Joseph Heller).



1944 год. На островке в Тирренском море расквартирован бомбардировочный полк ВВС США, в котором служат капитан Йоссариан (Алан Аркин), главный «герой» и его сослуживцы. По всем правилам, полк, выполнивший 50 боевых вылетов, должен быть выведен из зоны боевых действий в тыл, на переформирование. Этого не происходит, так как командир полка (Мартин Болсэм), выслуживая очередной чин, решил «налетать» сверх плана еще 50 вылетов, а, кроме этого у него вместе с лейтенантом Милоу (Джон Войт) на передовой свой бизнес, и все штатные парашюты он уже обменял на египетские финики…



Уловка-22, как пытается объяснить Йоссариану доктор капитан Нэйтли, своеобразный маневр, навсегда увязывающий солдата с войной. Можно отстранить человека от полетов, только если он сам об этом заявит и если при этом его признают сумасшедшим. Однако любой, кто обращается с такой просьбой, уже не сумасшедший, а каждый, кто с готовностью продолжает летать, безумец по определению, но отстранить его нельзя — он не сделал заявления.



Впоследствии действие уловки-22 разрастается до фантастических размеров, ее границы размываются и уже неясно, кто и по какому поводу попадает под ее влияние. Лишь первая половина фильма выглядит сатирической антивоенной драмой, а дальше сатира перерастает в подлинный сюрреалистический кошмар, в котором чуть ранее карикатурные полковники и генералы вдруг превращаются в зловещие, раскрашенные мрачнейшими красками фигуры. В фильме события разворачиваются во Вторую мировую, однако по тому, как показана эта героическая война, очевидно становится, что Майк Николс, а еще раньше — автор одноименного романа Джозеф Хеллер в виду имели войну совсем другую. На языке Эзопа в 1970-ом нам рассказали о позорной вьетнамской кампании.

«Хороший, плохой, злой» (итал. Il buono, il brutto, il cattivo, англ. The Good, the Bad and the Ugly) — классический вестерн снятый в 1966 году культовым итальянским кинорежиссёром Серджио Леоне (Sergio Leone). Данный фильм считается лучшим вестерном в истории кинематографа.



В разгар гражданской войны в США таинственный стрелок скитается по просторам Дикого Запада. У него нет ни дома, ни товарищей, пока он не встречает двоих незнакомцев, таких же безжалостных и циничных. По воле судьбы трое мужчин вынуждены объединить свои усилия в поисках украденного золота. Но совместная работа — не самое подходящее занятие для таких отъявленных бандитов, как они. Компаньоны вскоре понимают, что в их дерзком и опасном путешествии по разорённой войной стране самое важное — никому не доверять и держать пистолет наготове, если хочешь остаться в живых.



Лучшая лента Серджо Леоне, развившего и доведшего до совершенства стиль вестерна. В фильме три главных героя, соперничающих из-за сокровища, которое спрятано на кладбище во время гражданской войны между Севером и Югом. Злой убивает, грабит, насилует и прочее. Плохой убивает, если дают деньги. Хороший никого не убивает, зато добывает деньги хитростью и обманом. Они все равны в страсти к наживе. Но только Плохой продается ради денег, поэтому его ожидает смертная участь. А Хороший и Злой — словно две стороны одной медали. Злой — это комический вариант мнимых добродетелей Хорошего.



Главным же героем в мире, воссозданном Леоне, становится авторская ирония по отношению к человеческим страстям и порокам, бренности жизни, суетливым попыткам людей переиграть смерть. Сцены на театре военных действий и на кладбище — лучшие в фильме, поскольку в них наиболее ярко выражена мысль режиссера о рискованном поединке человека с собственной судьбой.



Поклонники Леоне найдут тут все, что сделало его фильмы такими памятными. Другим картина покажется немного длинной, но никто не сможет не отдать должное ее чувству стиля. Эффектные композиции, крупные планы, детали, эпический ритм повествования, чрезвычайно выразительная, запоминающаяся, неотделимая от действия музыка Эннио Морриконе — все это вновь раскрывает различные грани творческой манеры Серджо Леоне. В этом фильме он выходит на новый уровень, создавая вестерн-сагу, эпос о Диком Западе. Режиссеру пытались подражать, воспроизводя лишь внешние приметы стиля, не учитывая, что он является отражением особого миросозерцания и мироощущения. Леоне разрушил прежнюю мифологию вестерна и создал свою — иронически-философскую систему взглядов о тщете человеческих усилий по покорению отчужденного пространства и времени перед лицом неизбежной смерти и неизбывной вечности.

«Калигула» (Caligula) — историческую драму с элементами порно снял в 1979 году режиссер игривых «постельных мелодрам» Тинто Брасс (Tinto Brass).



«Калигула» — эпический кинофильм о нравах времен правления древнеримского императора Калигулы, вошедшего в историю беспримерной жестокостью, коварством и пороками. Фильм субсидировался порноимперией «Пентхаус», отсюда и скандально непристойный характер нескольких сцен, из-за которых автор сценария Гор Видал снял свое имя из титров, а борцы за нравственность (особенно в Ватикане) называли его «отвратительным, позорным хламом».



Будущий император Калигула (Малкольм Макдауэлл) вступает в борьбу за Римский пристол с тираном Тиберием (Питер О’Тул), действуя лестью и хитрость. Постоянное ожидание расправы со стороны Тиберия окончательно подрывают его и без того хрупкую психику. Калигула собственноручно убивает Тиберия и занимает его место. Разгульная жизнь, бессмысленная жестокость, непредсказуемость и массовые конфискации имущества нобелей настраивают против Калигулы его бывших союзников, которые устраивают заговор против него и в самом конце фильма убивают. Второй сюжетной линией является плотская любовь Калигулы и его сестры. Она умирает незадолго до убийства самого Калигулы. Освободившееся место императора занимает дядя Калигулы Клавдий, который, по сюжету фильма, является слабоумным и трусливым обжорой, готовым подчиняться любому влиянию.



Фильм снимался по сценарию известного американского писателя Гора Видала (который потом вынужден был отказаться от картины), с участием крупных английских «звезд». Постановочный размах был обеспечен благодаря пятнадцатимиллионному бюджету (от «Пентхауса»). В фильме анализ механизма власти и диктатуры, калечивших даже тех, кто стоит во главе империи, эффектно сопутствует скандальному и эпатирующему показу жестокости и разгула правителей Древнего Рима.



В течение двух лет продюсер Боб Гуччоне добивался выхода ленты в обычный, неспециализированный прокат. В ряде стран фильм шел в сокращенном (до 105 минут) виде, поскольку в полном варианте, помимо жестоких и натуралистических сцен, имелись эпизоды лесбийского и орального полового акта, достойные демонстрации только в порнокинотеатрах. Дело не в том, что это воплощено на экране со всей откровенностью.

«Таксист» (Taxi Driver) — хрестоматийная экзистенциальная драма, снятая в 1976 году режиссером Мартином Скорсезе (Martin Scorsese). «Золотая пальмовая ветвь» в Каннах, четыре номинации на «Оскар», в том числе Де Ниро и Фостер.



Ветеран вьетнамской войны, страдающий бессонницей, устраивается работать таксистом. Постепенно он превращается в обозленного одиночку, покупает пистолет и решает ответить насилием на насилие, которое ломает мир. Тяжело приспосабливаясь к нормальной жизни, первоначально герой картины хочет совершить покушение во время политических выборов, а в результате устраивает «кровавую бойню» в борделе. Сценарист Пол Шредер потом признавался, что основывал свой рассказ на дневниках Артура Бремера, который чуть было не стал убийцей.



Скорсезе представляет драму одиночества и неприкаянности человека, который вынужден работать по ночам в опустевшем, холодном, «теневом», мрачном, враждебном — адском ночном Нью-Йорке. Картина Мартина Скорсезе — не триллер об убийце, обиженном красивой молодой девушкой из штаба по подготовке выборов президента и совершившем акцию возмездия за то, что существуют малолетние проститутки.



Ключ к разгадке ленты — в том, как контрастен дневной и ночной облик одного и того же города, его фасад и изнанка (оператор Майкл Чэпмен постарался на славу). Композитор Бернард Херрманн, создававший тревожную атмосферу действия в фильмах, в своей предсмертной работе (кстати, лента посвящена именно Херрманну) противопоставил «кромешной тьме жизни» мелодии с блюзовой интонацией, все-таки внушающей надежду. Перед нами — своеобразный «спиричуэл» страдающей от несправедливости мира и непонимания ближних одинокой души «полуночного таксиста», нью-йоркского Орфея в аду. И, конечно, великолепная игра Роберта Де Ниро, постоянного актера, «альтер-эго» Мартина Скорсезе, позволяет увидеть истинную человеческую драму героя, который выброшен на обочину жизни и от отчаяния сам бросил вызов обществу и системе.



Следуя традициям более трезвых и горьких лент 70-х годов об «изгоях Америки», режиссер заканчивает картину об «искателе абсолюта с пистолетом «Магнум» в руках» (по выражению одного польского критика) обманчивым хэппи-эндом. Трэвис возвращается из больницы и вновь становится таксистом в ночном Нью-Йорке, попадая в Новый круг ада.

«Охотник на оленей» (The Deer Hunter) — военная драма, шедевр мирового кинематографа, фильм снят в 1978 году режиссером  Майклом Чимино (Michael Cimino) по мотивом романа Ремарка "Три товарища". Фильм завоевал 5 премий «Оскар».  



В фильме рассказывается о судьбе четырех друзей, американцев украинского происхождения, отправившихся на войну во Вьетнам. Фильм охватывает три периода их жизни: мирная жизнь в небольшом американском городке, работа на заводе, гуляние на свадьбе; затем война, кровь, кошмары, разрушение всех представлений о жизни; и затем возвращение в мирную жизнь, попытка снова адаптироваться и влиться в нормальное общество...



Фильм снят очень талантливо, режиссёр Майкл Чимино стал знаменитостью вскоре после премьеры. В атмосфере фильма сливаются ужасы войны, человеческая трагедия и наивная неосведомлённость мирной жизни. Отчётливо показана разница между мирной жизнью «до» и мирной жизнью «после». Поражает также невероятный контраст между напряжёнными драматическими сценами и спокойной убаюкивающей музыкой композитора Стенли Майерса. И хотя в целом атмосферу фильма можно назвать угнетающей, но этот фильм не способен оставить зрителя равнодушным, заставляя много думать об истинной ценности человеческой жизни и о подлинном гуманизме.



Как считается, ряд смертей в США в 1980-е годы был вызван знаменитой сценой игры в «русскую рулетку» в фильме. Эпизод с «русской рулеткой» получил очень широкую известность, в частности, он пародируется в мультсериале «Симпсоны» и присутствует в компьютерной игре Conflict: Vietnam.

«Лестница Иаков» (Jacob’s Ladder) - психологический фильм ужасов, снятый в 1990 году режиссером  Эдрианом Лайном (Adrian Lyne).



Иаков Сингер, раненый во Вьетнаме, возвращается домой, в Нью-Йорк. Терзаемый воспоминаниями о сыне и ужасах войны, Иаков постепенно теряет контроль над реальностью. Его подруга только добавляет сумятицы, втягивая Иакова в паутину сексуальной интриги. Но в конце оказывается, что только его друг Луис является единственным человеком, на которого Иаков может рассчитывать. Дело принимает еще более мрачный оборот, когда он узнает, что его товарищи по оружия страдают от сходных галлюцинаций...



Страх и ужас, паранойя и безразличие - всё как надо собрано в этом убийственно-параноидальном фильме. Не хуже сюрреалистичных Других ипостасей. Многие считают, что настолько хорошего фильма о больном подсознании, как "Лестница Иакова", создано не было. И фильм этот, действительно, поражает, восхищает и заставляет дрожать. Это страшный фильм. Затягивает и не отпускает. Религиозная аллегория, тянущаяся сквозь картину, приятно соседствует здесь с бесконечным ужасом.



Фильм провалился в прокате, еле отбив свой бюджет. Зритель в большинстве своем не готов к подобным фильмам. Они пугают. Лучше любого ужастика. Они непонятны и загадочны. Их хочется смотреть еще и еще. Отличное кино для очень узкого круга киноманов.

«Сердце ангела» (Angel Heart) - кинофильм, снятый в 1987 году. Автор сценария и режиссер - Алан Паркер (Sir Alan William Parker). Литературной основой для сценария фильма послужил роман Уильяма Хьортсберга (William Hjortsberg) "Падший ангел" (Falling Angel).



Фильм "Сердце ангела" создает нуаровскую мистическую атмосферу, объединяет в себе детектив и фильм ужасов. В целом фильм соответствует роману, но только еще более мрачный.



Нью-Йорк, 1955 год. К частному детективу Гарри Эйнджелу обращается некий Луис Сайфр с просьбой разыскать талантливого музыканта Джонни Фэйворита. В 1943 году мистер Сайфр заключил с Джонни один контракт, но Фэйворит, вернувшись с войны, попал в психиатрическую лечебницу, откуда впоследствии исчез. Следы его потерялись. Гарри начинает расследование, однако чем дальше продвигается он в своих поисках, тем больше загадок встречается на его пути. А обратной дороги нет: каждый, у кого сыщик пытался выведать хоть какие-то сведения о пропавшем Джонни, после разговора с Эйнджелом погибал. Первым подозреваемым в совершении чудовищно кровавых преступлений становится сам Гарри…



В герметичный мир фильма нуар — помятый сыщик, невнятное задание, обманчивое спокойствие провинциального городка, джаз, дождь, секс — вламывается китч бульварного хоррора. Фильм дразнит, норовя выдать за кровищу ведро клюквенного сока, но его вызывающая образность завораживает всерьез. Ни на миг не жертвуя сюжетной занимательностью, Паркер незаметно превращает детектив в ночной кошмар — худший из ночных кошмаров. С его извилистой логикой и циклическим ритмом: фильм снова и снова возвращается в одну точку. Хлопают ставни, громыхает лифт, лестничные пролеты уходят в бесконечность, и на скамье сидит фигура в черном. Кажется, стоит увидеть ее лицо — и кошмар рассеется, но лица не видно, и просыпаешься от собственного крика. И лишь спустя мгновения приходишь в себя: вот ведь какая чертовщина привиделась...



Да и вся атмосфера фильма довольно оригинальная: этакая смесь бытовухи и мистики, реальности и бреда. Режиссёр Алан Паркер не постеснялся сделать несколько акцентов на всяких плотских мотивах. Получилось негрубо, а временами даже сакрально.