«У каждого свое кино» (Chacun son cinema ou Ce petit coup au coeur quand la lumiere s'eteint et que le film commence) — киноальманах, снятый специально для юбилейного 60-го Каннского в 2007 году под руководством Жиля Жакоба (Gilles Jacob).



В киноальманах вошли 34 киноновеллы всемирно известных режиссеров из 25 стран и 5 континентов. Каждый попытался создать свое неповторимое кино. Все эти мини-фильмы, продолжительностью 3-4 минуты, в той или иной степени связаны общей темой: кино в современном мире.



В разных странах разные люди приходят в кинотеатры. Там они влюбляются, умирают, убивают, падают с балкона, попадают на экран, занимаются любовью, воруют — и, как правило, смотрят кино, но короткометражное кино уже почти умерло.Директор 60-го Каннского кинофестиваля попробовал возродить этот жанр, предложив трем десяткам известных кинорежиссеров снять короткометражный фильм, из которых будет составлено большое кино. Основные условия – тема – “кино и люди”, хронометраж – 3 минуты, бюджет – 25 000 евро. Проект рождался в муках. Целый ряд известных режиссеров отказались от участия из-за занятости в съемках собственных фильмов, практически никто не уложился к указанному сроку – к 30 декабря 2006 года было получено только 7 работ из 33. Все эти фильмы были собраны в один альманах, который был показан на юбилейном 60 – том каннском фестивале и назван Каждому свое кино (У каждого свое кино).



Хорошее кино, которое воспримет не каждый. Во многом здесь присутствуют сюжеты, которые поймет сердцем лишь яростный любитель кино, но возможно для этого данная картина и создавалась. Достаточно хороший букет из известных режиссеров, периодически конечно пленка смысла заедает, но Каждому свое кино все-таки. Многие из сюжетов улавливаются и воспринимаются краешком сознания, какими-то тонкими, тайными струнками внутренних чувств.



«У каждого свое кино» — действительно фильм не для каждого. Этот сборник картин для человека, который по настоящему ценит каждую минуту, проведенную в кинотеатре за хорошим фильмом. Каждый режиссер попытался показать, что для него значит кино, какие эмоции возникают у него в связи с этим словом, какое место занимает оно в их жизни.



Режиссеры принявшие участие в проекте:

* Раймон Депардон — эпизод «Кино под открытым небом» («Cinema d’Ete»)
* Такеши Китано — эпизод «Один прекрасный день» («One Fine Day»)
* Теодорос Ангелопулос — эпизод «Три минуты» («Trois Minutes»)
* Андрей Кончаловский — эпизод «В темноте» («Dans le Noir»)
* Нанни Моретти — эпизод «Дневник киномана» («Diaro di uno Spettatore»)
* Хсиао-хсьен Хоу — эпизод «Дом Электрической Принцессы» («The Electric Princess House»)
* Жан-Пьер Дарденн, Люк Дарденн — эпизод «Во мраке» («Dans l’Obscurite»)
* Итан Коэн, Джоэл Коэн — эпизод «Мировое кино» («World Cinema»)
* Алехандро Гонсалес Иньярриту — эпизод «Анна» («Anna»)
* Чжан Имоу — эпизод «Вечер в кино» («En Regardant le Film»)
* Амос Гитай — эпизод «Злой дух Хайфы» («Le Dibbouk de Haifa»)
* Джейн Кэмпион — эпизод «Божья коровка» («The Lady Bug»)
* Атом Эгоян — эпизод «Арто Двойной счет» («Artaud Double Bill»)
* Аки Каурисмяки — эпизод «Литейный цех» («La Fonderie»)
* Оливье Ассайяс — эпизод «Рецидив» («Recrudescence»)
* Юсеф Шахин — эпизод «47 лет спустя» («47 Ans Apres»)
* Цай Мин-лянь — эпизод «Это сон» («It’s a Dream»)
* Ларс фон Триер — эпизод «Профессии» («Occupations»)
* Рауль Руис — эпизод «Дар» («Le Don»)
* Клод Лелуш — эпизод «Кино за углом» (segment «Cinema de Boulevard»)
* Гас Ван Сент — эпизод «Первый поцелуй» («First Kiss»)
* Роман Полански — эпизод «Эротический кинотеатр» («Cinema Erotique»)
* Майкл Чимино — эпизод «Перевод не требуется» («No Translation Needed»)
* Дэвид Кроненберг — эпизод «Самоубийство последнего в мире еврея в последнем кинотеатре в мире» («At the Suicide of the Last Jew in the World in the Last Cinema in the World»)
* Вонг Карвай — эпизод «Я проехал 9000 км, чтобы отдать его вам» («I Travelled 9000 km To Give It To You»)
* Аббас Киаростами — эпизод «Где же мой Ромео?» («Where is my Romeo?»)
* Билле Аугуст — эпизод «Последнее свидание» («The Last Dating Show»)
* Элия Сулейман — эпизод «Неловкость» («Irtebak»)
* Мануэль де Оливейра — эпизод «Единственная встреча» («Rencontre Unique»)
* Вальтер Саллес — эпизод «В 8944 км от Канн» («A 8 944 km de Cannes»)
* Вим Вендерс — эпизод «Война во время мира» («War in Peace»)
* Чен Кайге — эпизод «Деревня Чжансю» («Zhanxiou Village»)
* Кен Лоуч — эпизод «Хэппи-энд» («Happy Ending»)
* Дэвид Линч — эпизод «Абсурд» («Absurda»)

«Люмьер и компания» (Lumiere et compagnie) — монументальный французкий киноальманах снятый в 1995 году под руководством Грэга Хьюзона (Greg Huson).



В столетний юбилей кино сорока режиссерам с мировыми именами предложили снять киноролики, используя камеру братьев Люмьер — ту самую, запечатлевшую прибытие поезда. Главное условие: киноролик должен длиться не более 50 секунд — времени демонстрации первого в мире фильма.



Изюминка проекта в том, что каждый режиссер должен был снять свою новеллу, используя ту самую модель камеры, с которой работали братья Люмьер – и снимать они должны были так, чтобы длинна фильма была в районе минуты. Сами новеллы идут вперемежку с интервью и хроникой работы мэтров.



Режиссеры принимающие участие в проекте:

* Sarah Moon
* Merzak Allouache
* Gabriel Axel
* Vicente Aranda
* Theo Angelopoulos
* Bigas Luna
* John Boorman
* Youssef Chahine
* Alain Corneau
* Costa-Gavras
* Raymond Depardon
* Francis Girod
* Peter Greenaway
* Lasse Hallstrom (starring Lena Olin)
* Michael Haneke
* Hugh Hudson
* Gaston Kabore
* Abbas Kiarostami
* Cedric Klapisch
* Andrei Konchalovsky
* Patrice Leconte
* Spike Lee
* Claude Lelouch
* David Lynch
* Merchant & Ivory (music by Richard Robbins)
* Claude Miller
* Idrissa Ouedraogo
* Arthur Penn
* Lucian Pintilie
* Jacques Rivette (starring Nathalie Richard)
* Helma Sanders-Brahms
* Jerry Schatzberg
* Nadine Trintignant
* Fernando Trueba
* Liv Ullmann (starring Max von Sydow)
* Yoshishige Yoshida
* Zhang Yimou
* Jaco Van Dormael
* Regis Wargnier
* Wim Wenders

«Зов Ктулху» (The Call of Cthulhu) — фильм, созданный в 2005 году американским режиссером Эндрю Леманом (Andrew Leman) и группой поклонников Говарда Лавкрафта (Howard Lovecraft) по одноимённому произведению писателя. Фильм стилизован под немые черно-белые фильмы 20-ых годов. Помимо этого применена особая технология — мифоскоп — для создания иллюзии древности фильма.



Безымянный главный герой рассказывает историю своего столкновения с культом Ктулху. Все началось с того, что двоюродный дед оставил ему странное наследство - плоды своих долгих изысканий, тщательно описанные несколько случаев столкновения с неизведанным. По сути, весь фильм - это ряд различных историй, проникающих друг в друга, череда историй разных людей, в каждой из которой есть что-то страшное. Тут и история странных и страшных снов молодого художника Уилкокса , и инспектора Леграса , столкнувшегося с деятельностью почитателей Ктулху в глубине болот, и моряка Йохансона, побывавшего на острове Р`лайх.



Сюжет звучит интригующе для того, кому не безразлично творчество Лавкрафта. Однако самое большое удовольствие доставляет не то, что сняла команда HPLHS (не столько кинокомпания, сколько аббревиатура Исторического Общества Г.Ф.Лавкрафта), сколько КАК это сделано. Дело в том, что размышляя над тем, как лучше всего экранизировать мастера, создатели фильма пришли к выводу - что лучшим выходом будет снимать псевдо-немой фильм. И соответствует духу эпохи (именно такой бы ГФЛ увидел бы прижизненную экранизацию собственных творений), и по бюджету подходит (понятное дело, что никто мало-мальски серьезных денег на подобный проект не выделил бы). В итоге фильм был снят за 50 тысяч долларов - личные деньги режиссера Лемана и сценариста Брэнни (Sean Branney). За что им огромное спасибо и низкий поклон, т.к. фильм получился просто изумительным (и взял два основных приза на ежегодном фестивале лавкрафтианского кино).



То, что мы видим на экране - это абсолютно классическая кинематография. Немое черно-белое кино, снятое в 2005 году - уже звучит очень странно и необычно. Стилизовано в фильме абсолютно все - и заставки, и манера съемок, и драки с прочими сценами действия. Актеры изображают различные сильные чувства в манере 20-ых годов. Стилизация настолько убедительная, что думаю человек 20-ых годов вполне бы воспринял фильм как нечто родное, из своей эпохи. Только по-современному цепляющее, завораживающее и атмосферное. Потрясающая фоновая музыка (и только музыка, при этом ничего современного в ней нет) очень удачно создает атмосферу. Да и происходящее на экране завораживает. Это самая удачная попытка передать лавкрафтианский дух на экране, что я когда-либо видел! Влияние немецкого экспрессионизма на декорации более чем очевидно - именно в этом стиле создан ужасный Р`лайх. Вообще с визуальной точки зрения авторы решили не отходить от духа (и возможностей) времени, никаких компьютерных спецэффектов - только натуральные, немного нарочито примитивные декорации (особенно это касается самого двигающегося Ктулху).



Это самая удачная, близкая к духу произведений писателя, экранизация Лавкрафта. Учитывая, что она еще и новаторская, это делает "Зов Ктулху" просто шедевром. Смотреть на эту удивительно точную стилизацию, видеть в кино своеобразный, со странными углами Р`лайх, чувствовать как обволакивает сюжет фильма, это просто потрясающе. И такие мелочи, как несколько отличных фигурок Ктулху, изогнутые и покрытые мхом ветви болотных деревьев, добавляют фильму нужную убедительность и атмосферу. Возможно фильм воспримут далеко не все - все же для этого нужно минимально знать немного и черно-белое кино, и вообще воспринимать его (а то у некоторых современных зрителей на черно-белый экран просто аллергия). Нужно любить лавкрафтианский дух, которым фильм пропитан насквозь.



Фильм снят цифровой камерой, а затем искусственно состарен, дабы выглядело так, будто он восстановлен с ветхой пленки восьмидесятилетней давности. Авторы придумали и название этому процессу киносъемки — "Мифоскоп". Музыка дается на диске в двух вариантах — РСМ и сжатый звук, обработанный таким образом, чтобы казалось будто он исходит из допотопных динамиков. Теперь к моно, стерео, квадрофонии и прочим долби-сёрраундам добавилась новая звуковая система — "Мифофонический звук". Самого Ктулху анимировал мастер спецэффектов Терри Сэндин, создавший глюкоящериц для "Страха и отвращения в Лас-Вегасе" и всякую нечисть для "Ван Хелсинга".

«Носферату. Симфония ужаса» (Nosferatu - Eine Symphonie des Grauens) — знаменитый немой фильм немецкого кинорежиссёра Фридриха Вильгельма Мурнау (Friedrich Wilhelm Murnau), снятый в 1921 году и выпущенный на экраны в 1922 году.



Мурнау хотел экранизировать «Дракулу» Брэма Стокера, однако киностудия Prana Film не смогла приобрести права на использование романа. Для того чтобы продолжить работу над фильмом, Мурнау счел достаточным изменить имена основных персонажей и слегка переиначить сюжет. Фильм явился первой экранизацией романа Брэма Стокера. Роль графа Орлока сыграл Макс Шрек, создав один из самых известных экранных образов вампиров, который и прославил актера. Остальные главные роли исполнили Александр Гранах, Грета Шрёдер и Густав фон Вангенхайм.



Основные вехи сценария остались неизменны: молодой юрист, Трансильвания, продажа недвижимости, жутковатый граф Орлок, путешествие на корабле, сумасшедший слуга вампира, поедающий насекомых в дурдоме, укушенная красавица и финальная смерть кровососа. Примечательно, что в оригинале солнце не вредило Дракуле — тот всего лишь избегал ходить днем. «Носферату» впервые показал уязвимость вампиров перед дневным светилом, что в наше время успело обрасти научными подробностями (например, вампирам якобы вредит ультрафиолет). Главной сенсацией фильма стал актер Макс Шрек, создавший фантастически красочный образ графа Орлока. В эпоху немого кино диалоги были ограничены короткими текстовыми вставками, ввиду чего основной упор делался на актерскую игру — показушную, гиперэмоциональную, с избытком мимики и жестов. Шрек сделал ставку не на театрализованную клоунаду, а на художественную выразительность образа. Граф медлителен. Его руки безвольно опущены, голова втянута в плечи, кожа обтягивает кости, жестикуляция вялая, взгляд стеклянный — словом, кукла, сделанная из несвежего трупа. С человеком его роднит лишь общее число конечностей. В облике Орлока проскальзывает что-то неуловимо крысиное: острые уши, длинные резцы, хищно растопыренные когти...



Фильм «Носферату» во многом схож с романом Брэма Стокера «Дракула», сохранились основные персонажи Джонатан и Мина Харкер, граф Дракула и некоторые другие, но в фильме они переименованы (сейчас существуют версии «Носферату», где имена персонажей такие же, как в «Дракуле»). Действие романа происходило в Англии в 1890-е годы, в фильме оно было перенесено в Германию в 1838 год. В отличие от Дракулы Орлок не превращает своих жертв в вампиров, он их убивает, заставляя тем самым горожан думать, что на них напала чума. Кроме того Орлок должен спать днем, иначе солнечный свет его убьёт. Конец фильма существенно отличается от финала книги. Граф умирает от солнечного света, а книге ему в сердце вбивают кол.



После того как фильм вышел на экраны вдова Брэма Стокера Флоренс Стокер через суд добивается уничтожения всех копий фильма. Компания Prana Film выпустившая фильм таким образом становится банкротом, и «Носферату» остаётся первым и последним фильмом компании. Но к тому времени фильм уже разошелся по всему миру и остались единичные копии пленки. Сейчас фильм уже выходил на видео во многих странах. Есть версия фильма, в которой разные сцены раскрашены в разные цвета для придания фильму более точной атмосферы.



В «Носферату» было первый раз показано, что вампира убивает солнечный свет, до этого об этом нигде не говорилось и в романе Брэма Стокера есть сцена, в которой Дракула появляется днём на улице Лондона. После выхода фильма на экраны эта идея быстро прославилась и была много раз повторена в фильмах и книгах про вампиров. Фильм находится на 213 месте в списке 250 лучших фильмов по версии сайта IMDB, 21 тысяча проголосовавших. Этот фильм по праву считается шедевром экспрессионизма, классикой ужасов, родоначальником фильмов о вампирах. Правообладателей у картины нет, она относится к категории «общественное достояние». Ее легко можно найти в Сети. Крайне рекомендуется для тех, кто действительно увлекается вампирами.

«Необратимость» (Irreversible) — французкая драма 2002 года, снятая аргентинским режиссёром Гаспаром Ноэ (Gaspar Noe).



Поссорившись со своим парнем Маркусом, Алекс ушла с вечеринки и отправилась домой. Но так и не попала туда. В пустом подземном переходе ее жестоко изнасиловали в самых извращенных формах. Маркус и бывший муж Алекс Пьер решают покарать насильника собственными руками.



Действие фильма повернуто вспять. История рассказана от конца к началу. Ад мести и поиск подонка-насильника ведут к садистской сцене в багровом подземном переходе, выйдя из которого можно оказаться на пьяной вечеринке свингующих пар, а потом в лифте и в метро, где по дороге на вечеринку великолепная брюнетка и два ее любовника, прошлый и нынешний, развлекаются рискованным разговором на сексуальную тему. И так дальше, дальше — вплоть до счастливого покоя и любовной неги героини на зеленой парковой лужайке под звуки симфонии Бетховена. Но есть одно условие. Чтобы добраться до финала и увидеть счастливое, райское начало истории надо преодолеть необратимость, а значит, пройти вместе с героями через жестокую расплату, те 9 минут беспощадного наказания, на которое отважилась ради искупления любви Моника Беллуччи.



Начальные титры идут задом наперед, их не прочитать — половина букв дана в зеркальном отражении и действие — от конца к началу. И мы заранее знаем, чем все кончится. А все начинается с жестокой драки и убийства в садо-мазо-клубе для геев. Ручная камера мечется по темным углам, где кто-то жмется в экстазе, происходящее мы видим как в тумане — так его видит Маркус, который в полубезумии ищет парня, зверски изнасиловавшего его подругу. Он и его друг, бывший муж Алекс, найдут совсем не того, но в слепой ярости Пьер превратит голову жертвы в кровавое месиво.



Потом нас отбросит на эпизод назад, и мы увидим, как Маркус мечется по городу, обуреваемый мыслью отомстить. Потом вместе с его женой Алекс спустимся в подземный переход, где вдруг замершая камера зафиксирует самый длинный и натуралистичный акт насилия, какой знает мировое кино. В этой сцене нет ничего от коммерческих расчетов: она понравиться не может никому. Нам покажут истинное лицо насилия — любимой игрушки кинорежиссеров.



Бесстрастно анализируя картину, можно заметить изысканность монтажных переходов и запредельную, почти физиологическую эмоциональность его ритмов. Фильм открывает некое новое пространство, черную дыру, куда кино до сих пор заглянуть не решалось. Этот фильм категорически не годится для семейного просмотра. Пережить его — эксперимент на себе, который под силу людям с крепкими нервами, сильной волей и насущной потребностью время от времени избавляться от лишних иллюзий.

«Трахни меня» (Baise-moi) — французкая криминальная драма 2000 года, снятая режиссёром Вирджини Депант (Virginie Despentes).



Скандальный фильм бывшей "порнокоролевы" Корали (сорежиссер) и известной феминистки Вирджинии Депант. Ману и Надин побывали на самом дне жизни и не по наслышке знают, что такое изнасилование, проституция и смерть самых близких людей. Они озлоблены на весь мир и готовы мстить за унижение каждому, кто попадется на их пути. Чтобы познать вкус безграничной свободы, они отправляются в путешествие, которое заполняют сексом, кровавыми убийствами и грабежами.



Во Франции фильм не был поначалу допущен в широкий прокат. Преодолеть этот запрет удалось лишь путем длившегося несколько месяцев судебного разбирательства. Эксперты отмечают, что фильм сделан женщинами и уже провозглашен постфеминистским мужененавистническим манифестом агрессивной женской сексуальности. Он начинается со сцены группового изнасилования героини, и все последующие натуралистично и откровенно снятые сцены сексуальной мести превращают фильм, по словам одного из критиков в "садо-лирическую сессию в аду".



В Великобритании фильм вызвал истерику в местной прессе. В Австралии Христианская консервативная партия совместно с представителями порнопромышленности, которые не хотели бы, чтобы "Baise Moi" захватил их территорию, давили на либеральное правительство, требуя запретить показ фильма. За несколько дней до премьеры в Австралии правительство поручило специальной комиссии пересмотреть прежнюю классификацию фильма и разрешить его просмотр только взрослым. После этого были побиты все рекорды кассовых сборов в кинотеатрах европейского кино.



Главные героини фильма — две в меру уродливые дамочки — параллельные кривые двух судеб, пересекшиеся в одной точке. Первая с упоением смотрит порнушку, вторая в ней снимается. Первая — проститутка, вторая — безработная. Первая убивает соседку за постоянные нудения и нотации, вторая — родного брата за недостаточную человечность. Понятно, что когда эти дамочки встречаются, то они быстро находят общий язык. А дальше все просто. Две новоявленных родственных души начинают мочить козлов за то, что они козлы. Да и всех остальных, потому что у них кредитки, машины и прочие блага.



И самое главное - несмотря на тот факт, что в фильме сосут и трахаются по-настоящему, никакая это не порнография, а просто современное кино под стать современной морали.

«Вальсирующие» (Les Valseuses) — французкий игровой фильм 1974 года, снятый режиссёром Бертраном Блие (Bertrand Blier).



Похождения двух отвязанных оболтусов-волокит (Депардье и Девэр) и их подружки (Миу-Миу), пребывающей в безуспешных поисках оргазма, влекут за собой трагикомические ситуации, оскорбления общественной нравственности, грабежи, изнасилования, убийства и проч.



"Вальсирующие" взорвали куртуазный французский экран 70-х. Бертран Блие вошел в кино с гримасой морального эпатера, извращенного анархиста и борца с буржуазностью. То, что возбуждало на излете сексуальной революции, сегодня мало кого волнует. Но лица "вальсирующих" впечатляют до сих пор. Компания будущих звезд (к трио Депардье - Девэр - Миу-Миу присоединяется Изабель Юппер, которую дефлорирует Депардье) собралась в том чудном возрасте, когда их еще не портят миф и слава. Задним числом в затее Блие видится жест прорицателя. Миу-Миу так и будет всю дорогу маяться от творческой недоосуществленности. Юппер быстро потеряет "невинность" и станет холодной "профи". В Депардье уже видится раблезианский священный зверь французской кинофауны (от ее же имени в фильм ненадолго входит с трагическим суицидным номером Жанна Моро). А слабым звеном в мужском союзе оказывается Девэр, который через девять лет после "Вальсирующих" покончит с собой - не на экране, а в жизни.

«На гребне волны» (Point Break) — американский экшен 1991 года, снятый режиссёром Кэтрин Бигелоу (Kathryn Bigelow).



"На гребне волны" посвящен борьбе молодого агента ФБР с современными служителями стихийной природы. Вместо балахонов современные служители носят на мощах гидрокостюмы, а ритуальные предметы им заменяют доски для серфинга. Собственно, они бы и дальше соединялись в экстазе с гигантскими волнами и порывами ветра на высоте 3 000 метров, — и никто б на них внимания не обращал, — но нет, ребятам понадобилось нести светоч истины в цивилизованные массы. То есть, попросту говоря, они грабят банки. Не ради денег. А ради того, чтоб закрепощенный человеческий дух посмотрел на них и восхитился смелости, отваге, и тоже сподобился б на что-нибудь эдакое из ряда вон. Однако, косные массы не оценили сих благородных намерений и внедрили в ряды серфингистов Киану Ривза.



Кэтрин Бигелоу с блеском доказывает, что гораздо лучше (хочется сказать – как рыба в воде!) чувствует себя в стихии сугубо мужского кинематографа. «На гребне волны», пожалуй, даже в большей степени отличают собственный, а не заёмный режиссёрский почерк, редкостное чувство стиля и умение извлекать немалое драматическое напряжение из самых, казалось бы, банальных ситуаций. Всё это сразу же вознесло картину, пользовавшуюся из всех бигеловских работ наибольшим зрительским спросом, до высот особого рода эталона среди боевиков – на зависть представителям сильного пола, коллегам Кэтрин. И громкий рекламный слоган «100%-но чистый адреналин» уже не покажется пустым бахвальством. А равно никто не сочтёт за бесцеремонность дерзкое цитирование эффектного кадра из ленты Дона Сигела, в свою очередь – выразившего таким образом признательность Фреду Циннеману. Значок эфбээровца оказывается на поверку ничем не лучше соответствующего символа принадлежности к рядам полиции или оловянной звезды шерифа, также олицетворяя собой бессилие закона перед жизнью во всём многообразии её форм.

«Секреты Лос-Анджелеса» (L.A. Confidential) — американский криминальный триллер 1997 года, снятый режиссёром Кертис Хэнсон (Curtis Hanson), экранизация одноименного романа Джеймса Эллроя (James Ellroy). Фильм взял два «Оскара» в номинациях «Лучшая актриса второго плана» и «Лучшая сценарная адаптация».



Добро пожаловать в Лос-Анджелес с его ярким солнцем, широкими манящими пляжами и... процветающей организованной преступностью. Известно даже имя главы преступного мира - Микки Коэн. После ареста босса мафии один за другим в мир иной отправляются его помощники, стремившиеся занять освободившееся место Микки. В битву с преступниками, естественно, вступает знаменитая полиция Лос-Анджелеса. Два бесстрашных полицейских, расследующих серию убийств, оказываются соперниками не только на работе, но и в постели проститутки из экзотического борделя.



Этот фильм сделан по всем мыслимым канонам американской кинематографии, и сделан на вполне пристойном уровне. в центре внимания фильма - 50-е. Время, когда, как считается, в Америке наступила «золотая эра». Время социального благоденствия. Никаких депрессий, никаких гангстерских войн. И тут вламывается режиссер Кертис Хэнсон и пытается доказать, что и в эту светлую пору, за этой красочным портьерой творились мрачные вещи, совершенно не вязавшиеся с официальной картиной. И сладкие 50-е превращаются в подпольную гражданскую войну. Ведь натура человеческая неизменна. Она в любое время, в любом обществе ищет только шанса, чтобы вырваться из тисков благопристойности и сотворить что-то, запрещенное правилами. Человек, дьявол его дери, по природе своей свободолюбив. Преступить закон - это просто такое проявление свободы.



Особый философский смысл тяга к нарушению законов приобретает, когда сам стоишь на страже закона. Герои «Секретов» почти сплошь - лос-анджелесские полицейские. Среди них - разные люди. Один - убежденный стукач, который считает, что замолчать проступок друга - совсем не благо для конторы в целом. Другой, наоборот, никого никогда не выдаст, за что и переводится капитаном в разряд персональных громил. Третий стрижет свои премиальные с любого криминала, который попадается ему под руку. Словом, много всякого народу служит под вывеской «Полиция». И вот происходит массовое убийство, которое затрагивает этих людей не по работе, а лично. И оказывается, что огромный кусок лос-анджелесского криминального мира управлялся одним ушлым офицером полиции.



Фильм сделан честно. С той максимальной честностью, которую может себе позволить коммерческий голливудский режиссер. Впрочем, одними идеологическими моментами достоинства фильма не ограничиваются. Он прекрасно снят, почти идеально выстроен, лишен длиннот и нуднот. Правда, не всегда понятно, что из чего вытекает - уж больно громоздкое дело разворачивается. В финале, когда оставшиеся в живых герои объясняют суть происходившего, возникает впечатление лихорадочной спешки. Они стараются ничего не упустить, и в то же время уложиться в пару минут. Но это можно простить. Огромный плюс - хороший актерский состав, в котором все поработали на славу, а Ким Бэсинджер даже оторвала «Оскара» за лучшую женскую роль второго плана. Отлично (как утверждают знатоки) переданный колорит эпохи. Запоминающиеся эпизоды и образы.

«Побег из Шоушенка» (The Shawshank Redemption) — американский фильм-драма 1994 года, снятый режиссёром Фрэнком Дарабонтом (Frank Darabont) по повести Стивена Кинга (Stephen King) «Рита Хейворт и спасение из Шоушенка».



Шоушенк - название тюрьмы. И если тебе нет еще 30-ти, а ты получаешь пожизненное, то приготовься к худшему: для тебя выхода из Шоушенка не будет! Актриса Рита Хэйворт - любимица всей Америки. Энди Дифрейну она тоже очень нравилась. Рита никогда не слышала о существовании Энди, однако жизнь Дифрейну, бывшему вице-президенту крупного банка, осужденному за убийство жены и ее любовника, Рита Хэйворт все-таки спасла.



Пожалуй, восторги по поводу «Побега из Шоушенка», выдвинутого в нескольких номинациях на «Оскар» (увы, безрезультатно) и впоследствии часто включавшегося во всевозможные рейтинги самых лучших и любимых фильмов, всё же не объяснишь лишь страстным, заразительным пафосом, лаконично выраженным в рекламном слогане: «Страх может сделать тебя узником. Надежда способна тебя освободить». Со временем стало ясно, что картина Дэрабонта, вроде бы снятая оператором Роджером Дикенсом без особых изысков, в реалистичной манере, объективно оказалась у истоков подлинной революции в кинодраматургии. Финал не просто ошеломляет, но, главное, заставляет заново осмыслить экранные события, по-иному оценить поступки и устремления действующих лиц да и законы самой жизни, реконструированной на экране, способной, вопреки обыкновению, преподнести весьма неожиданные сюрпризы. Правда, на фоне последующих, гораздо более радикальных кинематографических опытов «Побег из Шоушенка» выглядит достаточно скромно. А вот прозорливое решение режиссёра-сценариста – вслед за писателем – осторожно привязать вроде бы частную судьбу к смене социально-исторических эпох, символами (точнее, «секс-символами») которых для США как раз являлись столь оригинально поддержавшие Энди голливудские кинодивы, от Риты Хейуорт, до Рэкуэл Уэлч, не может не впечатлить и сегодня!



Как сообщает Нью-Йорк Таймс, об этом фильме много писали в новостных статьях 17 декабря, 2007, когда двое заключенных совершили побег из тюрьмы усиленного режима (Union County jail), в Нью-Джерси. Репортеры назвали это происшествие «побегом в стиле Шоу-шенка „. Заключенные использовали фотографию девушки в бикини для того, чтобы спрятать следы подкопа и оставили после себя благодарственную записку, подписанную смайликом, адресованную охраннику, который, с их слов, помог им в побеге. Вскоре после этого охранник совершил самоубийство.