Фильм №12 - Апокалипсис сегодня (Фрэнсис Форд Коппола)

«Апокалипсис сегодня» (Apocalypse Now) — кинофильм о войне во Вьетнаме снятый Фрэнсисом Фордом Копполой (Francis Ford Coppola) по мотивам новеллы Джозефа Конрада «Сердце тьмы». Фильм был удостоен «Золотой пальмовой ветви» — главного приза Каннского кинофестиваля, и премии «Оскар» за лучшую операторскую работу.



Главная сюжетная линия фильма — рассказ о капитане американской армии Уилларде, посланном в джунгли Камбоджи, чтобы устранить сошедшего с ума полковника Курца, который командует отрядом из местных жителей и обвиняется в убийстве нескольких американцев. В ходе путешествия с Уиллардом происходит много странных событий, и под воздействием окружающей обстановки он по мере приближения к цели постепенно теряет ощущение реальности и перестаёт понимать, что ему делать дальше. Многие из кинокритиков считают, что фильм, как и новелла Джозефа Конрада, уводит зрителя далеко вглубь человеческой психики, а война служит лишь фоном для проявления тех человеческих качеств, которые обычно не лежат на поверхности. Капитана Уилларда в фильме играет Мартин Шин, полковника Курца — Марлон Брандо. Также можно выделить яркие персонажи Денниса Хоппера (полусумасшедший фотожурналист-философ в поселении Курца) и Роберта Дюволла (эксцентричный командир «воздушной кавалерии» подполковник Килгор). В эпизодических ролях заняты несколько других известных актёров, таких, как Харрисон Форд и Лоуренс Фишбёрн.



Фильм снимался с марта 1976 года по август 1977 года на Филиппинах, большей частью на реке Пагсаньян. Из-за долгого времени съёмок и многочисленных трудностей, которые постоянно приходилось преодолевать фильм обошёлся гораздо дороже, чем это планировалось, и снимался гораздо дольше первоначального расписания. Когда съёмки были закончены, Коппола привёз в Голливуд более семи тонн киноплёнки, на просмотр всего отснятого материала требовалось около 15 часов. Из-за этого монтаж фильма, который обычно занимает около полугода, растянулся на почти двухлетний срок. Когда был готов первый вариант фильма, оказалось, что он длится более пяти часов, и для проката необходимо было сильно сократить его. Коппола вспоминал, что это был весьма тяжёлый для него процесс, приходилось выбрасывать целые сюжетные линии, на съёмку которых было потрачено много времени, сил и средств. В конце концов Коппола смонтировал трёхчасовой вариант фильма, который был показан на фестивале в Каннах в 1979 году в качестве «неоконченной работы». Картина имела ошеломляющий успех и завоевала главный приз фестиваля — «Золотую пальмовую ветвь». На пресс-конференции в Каннах Коппола произнёс ставшие известными слова: «Мой фильм — не о Вьетнаме; он и есть Вьетнам».



«Апокалипсис сегодня» после премьеры в 1979 году вызвал множество противоречивых откликов у аудитории — одни восторженно хвалили фильм, другие осыпали его бранью. Некоторые критики писали, что фильм слишком претенциозен; другие говорили, что фильм заканчивается непонятно чем после роскошного первого акта. В наши дни многие считают фильм шедевром эры Нового Голливуда. Долгие и трудные съёмки фильма сделали его, к сожалению, символом опасности, которой подвергается производство кино, когда режиссёр имеет слишком большой контроль над всем процессом производства. С тех пор ни один масштабный кинопроект не снимался режиссёрами самостоятельно.

Фильм №11 - Восемь с половиной (Федерико Феллини)

«Восемь с половиной» (8 1/2, Otto e mezzo) — кинофильм Федерико Феллини (Federico Fellini), снят в 1963 году. Фильм о том, как режиссёр Гвидо (Марчелло Мастроянни) хочет снять фильм о спасении после ядерной катастрофы. Название фильма обозначает её порядковый номер в фильмографии Феллини — он к тому времени снял 6 полнометражный фильмов, 2 короткометражных фильма и совместный фильм с режиссёром Альберто Латтуада «Огни варьете» («полфильма»). Картина «Восемь с половиной» во многом автобиографичная. Марчелло Мастроянни, чья работа в фильме стала непревзойденным шедевром, играл самого Феллини его тоску, беспокойство, сомнения, постоянные поиски правды и ужас обыденности, «его ощущение кризиса жизни, пустой мишуры балагана и магию творческих преображений».



Героя этого легендарного фильма, Гвидо, известный и модный режиссер, тщетно борется с рутиной реальности, ища в ней гармонию и красоту для своего нового фильма. А фильм никак не получается. Режиссер не знает, как приступить к съемке нового проекта, в то время как гигантский плотоядный механизм кинопроизводства уже запущен, и за Гвидо уже охотятся продюсеры, актеры и кинокритики, желающие принять самое деятельное участие в съемках.



Но мир прекрасен именно в своем несовершенстве! А жизнь разрешает любые противоречия непревзойдённым чудом своего существования. Вечные желания и стремления людей стирают границы между действительностью, съемками фильма и самим фильмом. В финале с недостроенной, необжитой декорации сходят персонажи будущего фильма Гвидо Ансельми. Звучит музыка Нино Роты; откуда ни возьмись, появляются клоуны, и все вымышленные и реальные люди объединяются в хороводе, в котором заключены смысл жизни и творчества, их непостижимая тайна. И Феллини, и его протагонист Гвидо уже и не пытаются разгадать эту тайну, как и маленький мальчик из финала, замыкающий карнавальное шествие. Он только гасит свет на экране, давая понять, что жизнь скоро предложит новое чудо…



Фильм получил две премии «Оскар» (1964) в номинациях лучший фильм на иностранном языке и лучший дизайн костюмов в чёрно-белом фильме; Большой приз на III Московского Международного кинофестиваля (1964); награды Итальянского национального синдиката киножурналистов (1964): за лучший оригинальный сюжет, за лучший сценарий, за лучшую режиссуру, за лучшую работу продюсера, за лучшую музыку, за лучшую операторскую работу, за лучшую актрису второго плана (Сандра Мило); приз датских критиков на фестивале в Копенгагене «Bodil Awards» (1964) за лучший европейский фильм; награды кинофестиваля в Токио «Kinema Jumpo Awards» (1966) за лучший иностранный фильм и как лучший зарубежный режиссер; награду Американского национального кинобюллетеня за лучший иностранный фильм (1963); награду Нью-Йоркского кружка кинокритиков за лучший иностранный фильм (1963).

Фильм №10 - Мальтийский сокол (Джон Хьюстон)

Мальтийский сокол (англ. The Maltese Falcon) — художественный фильм, США, снятый в 1941 году  Джоном Хьюстоном (John Huston) по одноименному роману Дэшиэла Хэммета. Это третья по счету экранизация книги Хэммета, опубликованной в 1930 (ей предшествовали Maltese Falcon, 1931, и Satan Meets a Lady, 1936).




"Мальтийский сокол" - один из краеугольных, так сказать, камней в современном кино, вошедший в историю кинематографа как лучший фильм криминального жанра 40-х годов. Частный детектив, получивший сразу от нескольких клиентов один и тот же заказ отыскать средневековую статуэтку, изображающую сокола, оказывается в ловушке: убит его напарник, убит полицейский, тоже в какой-то мере связанный с этим делом. Подозрения властей, естественно, падают на героя, поскольку он - единственный, кто имел мотивы и возможность совершить эти преступления. Однако среди полицейских нет никого, кто способен был бы разобраться в деле лучше подозреваемого, не так уж давно бывшего их сослуживцем.



Магический - уже, видимо, потому что первый (то есть породивший жанр) - "черный" ("noir") фильм. Как это объяснить? Магия - в самой ауре картины, как бы в воздухе. Действие (вечер - ночь - разговоры - угрозы - намеки на любовь и полная невозможность, даже ненужность любви), не становясь театральным, практически не выходит за пределы комнаты, по большей части происходит вечером и ночью. Порядочного человека среди десятка появляющихся на экране персонажей - вкупе с главным героем ни одного (а равно и среди всего остального человечества, на экране не появляющегося). Саспенс искусственно не нагнетается, ибо он как бы априори густо разлит уже в самой атмосфере этого удушливого мира и помещения. Точно так же в кадре нет ни трупов, ни выстрелов, ни - почти - мордобоя и поцелуев. В то же время актерам удается убедить зрителя в том, что и их персонажи - не марионетки и не совсем подонки, что и они хотят (могли бы)... по крайней мере любить. Но за рамками показанного - трупы, а перед нами - деньги (сокровища), ради обладания которыми теоретически способные жить и любить - существуют. Одержимые страстью и не способные вырваться из потока текучки.



Хэмфри Богарт как нельзя лучше подошёл на роль Сэма Спейда с "волчьей улыбкой", умного, очень жёсткого и неимоверно крутого детектива. На нём одном держится весь фильм. Как он играет! Даже терпя поражение, он не может не вызывать восхищения.



Джон Хьюстон - моралист и пессимист, исследующий в своих фильмах так называемую американскую мечту и так называемый американский идеал, где герои неизменно низводятся до людей, люди обнажаются до функций, а цель - та самая американская мечта - столь же неизменно ускользает из рук и плохих, и как бы хороших, оставляя персонажей у разбитого корыта. Ибо человек слаб, а враг силен: целью-то всегда прикидывается бес, коему человек - не соперник.
"Из чего сделана фигурка ?" - спрашивает полицейский Том, крутя поддельную фигурку сокола из свинца, ради которой полегло столько людей.
"Из того же материала, что и мечты." - отвечает Сэм.


Фильм №9 - Семь самураев (Акира Куросава)

«Семь самураев» (яп. Shichinin no samurai, 1954) — японский художественный фильм, классическая философская драма Акиры Куросавы (Akira Kurosawa).



Япония, вторая половина XVI века. Жители одной из деревень узнают, что на их деревню собирается напасть бродячая банда и забрать урожай риса. Они отправляют троих крестьян в город, чтобы те попытались нанять для защиты деревни нуждающихся ронинов, которые согласятся служить только за еду, потому что больше ничего крестьяне предложить им не могут. Посланцы становятся свидетелями того, как опытный боец Камбэй Симада (Такаси Симура), переодевшись монахом, сумел голыми руками обезоружить и убить вора, захватившего в заложники ребенка. Они рассказывают самураю о своей беде и Камбэй соглашается помочь им.



Фильм «Семь самураев», как правило, входит в списки высочайших достижений киноискусства. Считается, что именно в фильме «Семь самураев» впервые введен такой элемент приключенческой драмы, как подбор команды из людей, каждый из которых по-своему одарён. Впоследствии этот сюжетный прием часто спользовался. Примечательно, что в фильме впервые в творчестве Куросавы возникает противопоставление традиционного самурайского холодного оружия и огнестрельного, которое воспринимается как несовместимое с воинской честью. Ружья в фильме есть только у бандитов, из самураев делает выстрел из ружья только «недосамурай» Кикутиё, и только один раз.



Фильм появился во многом потому, что Акира Куросава очень хотел попробовать себя в популярном в Японии жанре «дзидайгэки» (историческом фильме о боевых приключениях самураев), причем сделать его одновременно и глубоким по смыслу, и увлекательным по форме. Первоначально он хотел сделать фильм-притчу об одном дне жизни самурая, проследить все поступки героя вплоть до вечера, когда герой должен был совершить ритуальное самоубийство. В итоге Куросава не решился взяться за такой материал, считая, что недостаточно хорошо знает необходимые нюансы. Однако в ходе работы над этим сюжетом он набрел на случай, когда деревня, принадлежавшая одному из убитых феодалов, наняла нескольких ронинов для защиты от разбойников (строго говоря, таких же ронинов), и решил положить в основу фильма именно его. Студия Toho несколько раз пыталась остановить съемки фильма, так как по общему мнению его ждал полный финансовый провал, а режиссер постоянно выходил за рамки отведенного ему бюджета. Каждый раз Куросаве приходилось настойчивыми уговорами убеждать продюсеров возобновить финансирование. В одном из эпизодов фильма есть момент, который позволяет установить точную дату происходящих событий. В украденном свидетельстве о рождении Кикутиё сказано, что он родился во втором году периода Тэнсо, что соответствует 1574 году, и Камбей заключает, что, следовательно, Кикутиё сейчас всего 13 лет. Учитывая особенности отсчета возраста в Японии (новорожденный ребенок считается однолетним), события «Семи самураев» разворачиваются в 1586 году.



В 1960 году вышел американский римейк «Семи самураев» — фильм «Великолепная семёрка». Действие в нем было перенесено на Дикий Запад, где семеро ковбоев-стрелков защищают от бандитов мексиканскую деревню. Акира Куросава считал этот римейк достаточно верным оригиналу (с учетом разницы культурных традиций Японии и США). Впоследствии были поставлены еще несколько римейков, гораздо менее значительных и художественно состоятельных (например, «Великолепная семёрка гладиаторов»). Существует аниме «7 самураев» (2004), в которой сюжет, имена и характеры главных героев повторяют фильм Куросавы, но действие перенесено в будущее.

Фильм №8 - Седьмая печать (Ингмар Бергман)

«Седьмая печать» — (швед. Det Sjunde Inseglet 1956) — художественный фильм шведского кинорежиссера Ингмара Бергмана (Ernst Ingmar Bergman). В основу фильма положена пьеса Бергмана «Роспись по дереву».



История Рыцаря, всю жизнь ищущего ответы на главные вопросы. Вернувшись в родную Швецию, после десяти лет крестовых походов, на берегу моря он повстречал Смерть. И предложил ей партию в шахматы. С условием, что пока они играют, она не заберет его. А если выиграет Рыцарь, Смерть оставляет его в покое. Смерть согласилась скорее из интереса. Для чего нужна ему эта отсрочка? Что он успеет узнать?



В те несколько дней, о которых рассказывается в фильме, Рыцарь повстречает разных людей. Путешествующих актеров, бывшего семинариста, который повлиял на решение Рыцаря отправиться в Святую Землю, кузнеца, от которого ушла жена, девушку обреченную сгореть заживо на костре и многих других. И у каждого он постарается узнать о смысле жизни. Выслушает их мнение о том, ради чего стоит жить. А Смерть всегда будет рядом. Также ключевыми персонажами наравне с Рыцарем и Смертью являются Оруженосец – хладнокровный и циничный человек, считающей, что после смерти человека ждет лишь вечность пустоты и Актер, способный видеть больше обычных людей. Они в отличие от Рыцаря не задаются вопросом и видят Ответ в самой жизни. Суть фильма в поисках Ответа, но Бергман и сам не знает его. Он лишь предлагает зрителю варианты. И пытается сам заглянуть за грань.



В фильме поражает и завораживает мрачная атмосфера. Ожидание Смерти. Человеческое желание жить, как стекло разбивается при встрече с ней. Человек как угодно может относиться к жизни и смерти, но когда придет его час, он захочет прожить еще хоть одну лишнюю минуту. И тут уж можно слезно и на коленях просить об отсрочке, предложить партию в покер или молча принять и получить все ответы. Несмотря на это фильм показывает, что смерть – естественное явление и еще никому не удавалось ее избежать. Возможно, если не так бояться ее, жизнь станет лучше. Страх смерти затуманивает разум и притупляет чувства, это ясно показывают все, те, кто ударился в религию в попытке избежать чумы. Также добавлю, что в фильме подчеркнуто тонкий юмор, Бергман справедливо решил, что в нашей жизни без него никуда.

Фильм №7 - Андалузский пёс (Луис Бунюэль)

Фильм «Андалузский пёс» (фр. Un chien andalou) снял в 1928 году Луис Бунюэль (исп. Luis Bunuel Portoles,  1900—1983). Сюрреалистическая кинофантазия Луиса Буньюэля и Сальвадора Дали представляет собой последовательность разноплановых, зачастую шокирующих, сюрреалистичных образов. Картина открывается известной сценой, в которой Луис Буньюэль последовательно: точит лезвие бритвы, выходит на балкон, смотрит на полную луну, а затем делает лезвием надрез по глазу девушки, сидящей в кресле. В это же время тонкое облако пересекает диск луны.



Далее мы видим оторванную руку, облепленную муравьями; мужчину, который тащит за собой два рояля с полуразложившимися мёртвыми осликами и двумя привязанными к роялю священниками; человека, стреляющего в другого человека… 16 минут завораживающих, противоречивых киноэкспериментов до сих пор не поддающихся однозначной оценке.



В основе сценария фильма «Андалузский пёс» лежат два сновидения его создателей Луиса Буньюэля и Сальвадора Дали. Название фильма, скорее всего, связано с обычаем, согласно которому в Андалусии смерть человека сопровождается воем пса, оповещающем о скорбном событии. Для съёмок эпизода с проведением лезвия ножа по глазу девушки использовался коровий глаз. Эта знаменитая сцена считается одной из самых жестоких в истории мирового кино. Фильм содержит ссылки на произведения нескольких писателей того времени, в том числе на стихотворения Федерико Гарсиа Лорки и роман Хуана Рамона Хименеса «Платеро и я» (исп. Platero y yo, 1914), который создатели фильма сильно недолюбливали. В 1960 году Буньюэль добавил к фильму саундтрек — музыку из оперы Вагнера «Тристан и Изольда» и два аргентинских танго. Эту же музыку играл граммофон во время премьерных показов фильма.



«Мне доводилось слышать или читать более или менее изобретательные толкования «Андалузского пса», но все они одинаково далеки от истины. Вместе с Дали мы брали гэги и предметы, какие только приходили на ум, и затем безжалостно отбрасывали всё то, что могло хоть что-нибудь значить». Так говорил Бунюэль о своём дебюте тридцать лет спустя, словно подводя итог бесчисленным спорам вокруг ленты, входящей в число самых загадочных произведений не только сюрреализма, но и всего мирового кинематографа, щедро обогатившей киноязык: прихотливый монтаж, непривычные ракурсы, новаторское применение наплывов и двойной экспозиции… Картина суть идеальное, как бы сущностное воплощение сюрреалистических принципов, ибо затянувшееся экранное видение «прекрасно, как встреча зонтика со швейной машиной на операционном столе». Не следует нисходить до попыток традиционной трактовки эпизодов и их коллажного сопоставления. Образы у Бунюэля и Дали не носят символического характера. Логика сна или бреда, скрупулёзно воспроизведённая создателями, не даёт ответа на вопрос, в чём смысл прихотливого, как бы случайного сочленения никак – внешне – друг с другом не соотносящихся предметов и явлений. Знаковость образов, включая «испанское» название, жутковатую руку в муравьях, отрезанную кисть и т.п., лишь позволяет заключить о наличии чего-то – чего-то мрачного и пугающего, выражая глубоко внутренние, не оформившиеся беспокойство и смятение социального, личного, в том числе сексуального, политического и любого иного свойства. «Андалузский пёс воет, кто же умер?» - трансцендентное неподвластно разуму.

Фильм №6 - Огни большого города (Чарли Чаплин)

«Огни большого города» (англ. City Lights: A Comedy Romance in Pantomime) — фильм Чарльза Чаплина (Charles Spencer Chaplin). Съёмки фильма начались 31 декабря в 1927 года и продолжались около трех лет. Работа над фильмом шла во время Великой депрессии. К тому времени звуковое кино существовало уже несколько лет. У Чаплина появилась возможность самому писать музыку для своих фильмов. Фильм был завершен 22 января 1931 года. Первый показ состоялся 30 января 1931 в Лос-Анджелесе. "Огни большого города" по праву считается лучшим фильмом Чарли Чаплина.



Сюжет фильма подсказала Чаплину история циркового клоуна, потерявшего зрение в результате несчастного случая. У него была маленькая дочка, очень болезненная и нервная, и перед выпиской из больницы врач предупредил его, что он должен скрывать слепоту от дочери до тех пор, пока она не окрепнет достаточно, чтобы вынести этот удар, который будет ей сейчас не по силам. Дома клоун ходил по комнате, спотыкаясь, наталкиваясь на мебель, а девочка весело смеялась. Однако все это было слишком уж сентиментально, и в «Огнях большого города» слепота клоуна перешла к девушке-цветочнице.



В фильме Маленький Бродяга встречает красивую слепую девушку (Вирджиния Черил (Virginia Cherrill)), торгующую цветами на улице, которая по ошибке принимает его за богатого герцога. Узнав о том, что операция может вернуть ей зрение, маленький Бродяга пускается на поиски денег. В череде забавных приключений, которые мог придумать только Чаплин, он, в конце концов добывает деньги, но из-за этого попадает в тюрьму. Девушке сделали операцию, пока Маленький Бродяга сидел в тюрьме, и она стремиться найти своего загадочного благодетеля. Финальная сцена, когда девушка узнает, что он не богатый герцог, а всего лишь Маленький Бродяга, заставляет зрителей плакать…



Этот фильм также самый репрезентативный для творчества Чаплина-актера, режиссера и сценариста, сделанный на пике его славы. Он предстает в множестве амплуа: бродячий клоун, атлет, любовник, юродивый дурачок, балетный танцор, великий трагик и мим.Почти каждый поступок героя Чарли по нашим временам кажется нелепым, бессмысленным и невыгодным. И тем пронзительнее врезается в нашу память каждый эпизод фильма. Фильма, в котором много смешных до слез эпизодов, и моментов, когда плачешь по-настоящему.

Фильм №5 - Путешествие на Луну (Жорж Мельес)

Фильм «Путешествие на Луну» (фр. Le Voyage dans la Lune, 1902) снят режиссёром Жоржем Мельесом (Maries-Georges-Jean Melies) по его собственному сценарию, на созданных им декорациях, на его частной студии и силами принадлежащей ему актерской труппы. Фильм представляет собой Короткометражную фарсовую комедию, пародирующую сюжеты романов Жюля Верна «Из пушки на Луну» и Герберта Уэллса «Первые люди на Луне», считается первым научно-фантастическим фильмом в истории кинематографа.



Фильм является одним из безусловных шедевров раннего кинематографа благодаря постановочной изобретательности Мельеса, который блистательно выдержал ироническую интонацию и наполнил картину спецэффектами, большинство из которых изобрел сам. Хрестоматийную известность приобрел кадр, где снаряд попадает Луне прямо в глаз.



Сногсшибательный фильм. Несколько завораживающих минут, навсегда впечатывающихся в память. Я сам не ожидал от фильма 1902 года такого размаха, такого потрясающего полета фантазии и невероятных спецэффектов. Киноманское насыщение от этих десяти с небольшим минут экранного действия как от двух-трех просмотренных кряду фильмов иных выдающихся режиссеров. Одни селениты чего стоят! Какую потустороннюю жуть нагоняют своим казалось бы потешным "акробатическим" нападением! И вдруг новая неожиданность — то, как они погибают от рук земных ученых! Каждый кадр настолько перенасыщен, что кажется будто сейчас лопнет экран телевизора и вся эта халва выплеснется наружу, заразит реальность сюром и придется приспосабливаться к новым, неизвестным и неподдающимся разумению законам кошмарных фантазий. В каждом кадре, как на переднем плане, так и на периферии все снуют, кишат — скажем, когда показывают изготовление космического снаряда, — кажется что слышен производственный шум, крики, споры... Мне вдруг стало отчетливо ясно почему многие режиссеры так сопротивлялись переходу на звуковое кино. От таланта создателей фильма зависело сделать видеоряд таким, чтобы в голове у зрителя зазвучало. А появился звук, и что мы видим? Зачастую и не видим ничего интересного, зато слышим всякое "Бу!", зловещие скрипы, "тревожную" или "душещипательную" музыку — при полном убожестве картинки. В общем, ни разу при просмотре фильма у меня еще не возникало настолько сильного ощущенья, будто я смотрю запись чьего-то сна.



С 1896 до 1914 года Мельес снял более 500 фильмов длительностью от одной до 40 минут. В 1914 году обанкротившийся Мельес вынужден был продать студию. Негативы своих фильмов он в припадке ярости сжёг. Мельес долгое время работал продавцом игрушек на Монпарнасе. О его вкладе в развитие кинематографа никто не вспоминал до 1932 года, когда Кинематографическое общество приютило его, совершенно разорённого, в замке Орли, где он и прожил остаток жизни. Все-таки жаль, что из пятисот с лишним фильмов Мельеса сохранились лишь несколько, да и те отыщешь с трудом.

Фильм №4 - Кабинет доктора Калигари (Роберт Вине)

«Кабинет доктора Калигари» (нем. Das Kabinett Des Dr. Caligari, 1920) — знаменитый немой фильм режиссера Роберта Вине (Robert Wiene), положивший начало немецкому киноэкспрессионизму.



Мистическая история, рассказанная в манере Эдгара По, сразу захватывает зрителя быстрым развитием событий. Но история эта мрачная. В фильме "Кабинет доктора Калигари" рассказывается о директоре психбольницы, который с помощью гипноза заставляет одного из своих пациентов совершать убийства. Однако сам рассказчик тоже является пациентом данного заведения, что заставляет усомниться в правдивости его истории. Самое главное в этой ленте - это режиссура и монтаж, позволившие серии действий и поступков быть скомбинированными настолько ловко, что история развивается в идеальном темпе. Роберт Вине прекрасно использовал декорации, созданные Херманном Вармом, Вальтером Райманном и Вальтером Рорихом, декорации, которые сразу же бросаются в глаза, завладевают вниманием и визуально оказывают влияние на ментальное восприятие. Лучше всех безусловно сыграл Вернер Краусс в роли Доктора Калигари. Неприятный человек-сомнамбула, Чезаре, исполнен с чернушной серьезностью Конрадом Вайдтом. Даже маленькие роли сыграны вполне уверенно.



Фильм был объявлен художественным триумфом, один из критиков сравнил его с живописью в движении. Хотя никто не пытался впрямую воспроизвести его экспериментальный стиль, влияние этой картины отчетливо видно во многих немецких фильмах ужасов начала 1920-х годов. Сценарий фильма был задуман Карлом Майером и Гансом Яновицем как метафора безумия власти, которая ввергает подчинённый ей «спящий» народ в страшные бедствия — имелась в виду, конечно, проигранная Германией мировая война. Имя «Калигари» было взято сценаристами из переписки Стендаля. Уникальное художественное оформление фильма и использованные в нем декорации создали художники-экспрессионисты из группы «Der Sturm» — Герман Варм, Вальтер Рёриг и Вальтер Райман, которые предложили новаторскую идею, что фильмы должны смотреться как «ожившие рисунки». Первоначально режиссёром фильма должен был стать Фриц Ланг, но он к началу съёмок оказался занят в другом проекте. Однако именно Лангу принадлежит идея «закольцевать» сюжет фильма эпизодами в сумасшедшем доме и тем самым кардинально изменить его трактовку. Фильм пользовался грандиозным успехом во всем мире. В США конкуренты компании, которая занималась прокатом фильма, чтобы сорвать его показы даже организовали марши протеста ветеранов войны под лозунгом «не будем смотреть фильмы, снятые врагами Америки».



Фильм №3 - Метрополис (Фриц Ланг)

«Метрополис» (нем. Metropolis, 1927) — немой художественный фильм Фрица Ланга (Fritz Lang) по сценарию и параллельно написанному роману Теа фон Харбоу, масштабная метафорическая и научно-фантастическая антиутопия, ставшая высшей точкой и завершением развития немецкого киноэкспрессионизма. Фильм стал бесспорной классикой и оказал огромное влияние на всё последующее развитие киноискусства. Премьера фильма состоялась в Берлине 10 января 1927 года.

Фильм начинается с эпиграфа: «Посредником между головой и руками должно быть сердце», завершается фильм тем же титром. Действие фильма разворачивается в будущем. Огромный футуристический город разделён на две части — верхний «рай», где обитают «хозяева жизни», и подземный промышленный «ад», жилище рабочих, низведённых до положения придатков гигантских машин.



Первоначальная продолжительность фильма составляла 153 минуты. Для проката в США компанией «Paramount» в 1927 году фильм был сокращён почти наполовину, потеряв множество существенных сюжетных линий, а вместе с ними и важные мотивы поступков героев. В частности, основной конфликт между Фредерсеном и Ротвангом — соперничество из-за умершей Хель — был полностью исключен из фильма, и тем самым исчезла мотивировка создания человека-робота, а, в конечном счете, и разрушения Метрополиса. Чтобы фильм оставался понятным после всех этих сокращений, необходимо было в значительной степени переделать промежуточные титры и в некоторых местах по-другому смонтировать сохранившиеся эпизоды.



В Берлине после нескольких недель демонстрации «Метрополис» был изъят из проката. После этого было принято решение сократить его и для проката в Германии, причём сокращения во многом базировались на американской версии. 5 августа 1927 года был скомпонован укороченный по американскому образцу и снабженный измененными промежуточными титрами новый немецкий вариант «Метрополиса». Неясно, привлекался ли Фриц Ланг к работе над второй немецкой версией своего фильма.



На протяжении XX века были известны только сокращенные версии, что до сих пор приводит к недоразумениям и неправомерным трактовкам авторского замысла. Оригинал авторского монтажа не сохранился. Кроме того, сцены, удаленные из фильма в 1927 году компанией «Paramount» на сегодняшний день не обнаружены. Однако в 2001 году под эгидой Фонда Фридриха Вильгельма Мурнау по различным сохранившимся вариантам фильма была восстановлена компромиссная версия длиной 117 минут, дающая достаточно полное представление о сюжете фильма (в некоторых изданиях на VHS и DVD длина фильма превышает 120 минут из-за того, что был искусственно замедлен темп воспроизведения — никаких дополнительных эпизодов по сравнению с отреставрированной версией в них нет).

Собственно версию фильма 2001 года я смотрел и она у меня есть в коллекции, а желающие могут скачать ее с инфостора: http://infostore.org/info/873021