«Вальсирующие» (Les Valseuses) — французкий игровой фильм 1974 года, снятый режиссёром Бертраном Блие (Bertrand Blier).



Похождения двух отвязанных оболтусов-волокит (Депардье и Девэр) и их подружки (Миу-Миу), пребывающей в безуспешных поисках оргазма, влекут за собой трагикомические ситуации, оскорбления общественной нравственности, грабежи, изнасилования, убийства и проч.



"Вальсирующие" взорвали куртуазный французский экран 70-х. Бертран Блие вошел в кино с гримасой морального эпатера, извращенного анархиста и борца с буржуазностью. То, что возбуждало на излете сексуальной революции, сегодня мало кого волнует. Но лица "вальсирующих" впечатляют до сих пор. Компания будущих звезд (к трио Депардье - Девэр - Миу-Миу присоединяется Изабель Юппер, которую дефлорирует Депардье) собралась в том чудном возрасте, когда их еще не портят миф и слава. Задним числом в затее Блие видится жест прорицателя. Миу-Миу так и будет всю дорогу маяться от творческой недоосуществленности. Юппер быстро потеряет "невинность" и станет холодной "профи". В Депардье уже видится раблезианский священный зверь французской кинофауны (от ее же имени в фильм ненадолго входит с трагическим суицидным номером Жанна Моро). А слабым звеном в мужском союзе оказывается Девэр, который через девять лет после "Вальсирующих" покончит с собой - не на экране, а в жизни.

«На гребне волны» (Point Break) — американский экшен 1991 года, снятый режиссёром Кэтрин Бигелоу (Kathryn Bigelow).



"На гребне волны" посвящен борьбе молодого агента ФБР с современными служителями стихийной природы. Вместо балахонов современные служители носят на мощах гидрокостюмы, а ритуальные предметы им заменяют доски для серфинга. Собственно, они бы и дальше соединялись в экстазе с гигантскими волнами и порывами ветра на высоте 3 000 метров, — и никто б на них внимания не обращал, — но нет, ребятам понадобилось нести светоч истины в цивилизованные массы. То есть, попросту говоря, они грабят банки. Не ради денег. А ради того, чтоб закрепощенный человеческий дух посмотрел на них и восхитился смелости, отваге, и тоже сподобился б на что-нибудь эдакое из ряда вон. Однако, косные массы не оценили сих благородных намерений и внедрили в ряды серфингистов Киану Ривза.



Кэтрин Бигелоу с блеском доказывает, что гораздо лучше (хочется сказать – как рыба в воде!) чувствует себя в стихии сугубо мужского кинематографа. «На гребне волны», пожалуй, даже в большей степени отличают собственный, а не заёмный режиссёрский почерк, редкостное чувство стиля и умение извлекать немалое драматическое напряжение из самых, казалось бы, банальных ситуаций. Всё это сразу же вознесло картину, пользовавшуюся из всех бигеловских работ наибольшим зрительским спросом, до высот особого рода эталона среди боевиков – на зависть представителям сильного пола, коллегам Кэтрин. И громкий рекламный слоган «100%-но чистый адреналин» уже не покажется пустым бахвальством. А равно никто не сочтёт за бесцеремонность дерзкое цитирование эффектного кадра из ленты Дона Сигела, в свою очередь – выразившего таким образом признательность Фреду Циннеману. Значок эфбээровца оказывается на поверку ничем не лучше соответствующего символа принадлежности к рядам полиции или оловянной звезды шерифа, также олицетворяя собой бессилие закона перед жизнью во всём многообразии её форм.

«Секреты Лос-Анджелеса» (L.A. Confidential) — американский криминальный триллер 1997 года, снятый режиссёром Кертис Хэнсон (Curtis Hanson), экранизация одноименного романа Джеймса Эллроя (James Ellroy). Фильм взял два «Оскара» в номинациях «Лучшая актриса второго плана» и «Лучшая сценарная адаптация».



Добро пожаловать в Лос-Анджелес с его ярким солнцем, широкими манящими пляжами и... процветающей организованной преступностью. Известно даже имя главы преступного мира - Микки Коэн. После ареста босса мафии один за другим в мир иной отправляются его помощники, стремившиеся занять освободившееся место Микки. В битву с преступниками, естественно, вступает знаменитая полиция Лос-Анджелеса. Два бесстрашных полицейских, расследующих серию убийств, оказываются соперниками не только на работе, но и в постели проститутки из экзотического борделя.



Этот фильм сделан по всем мыслимым канонам американской кинематографии, и сделан на вполне пристойном уровне. в центре внимания фильма - 50-е. Время, когда, как считается, в Америке наступила «золотая эра». Время социального благоденствия. Никаких депрессий, никаких гангстерских войн. И тут вламывается режиссер Кертис Хэнсон и пытается доказать, что и в эту светлую пору, за этой красочным портьерой творились мрачные вещи, совершенно не вязавшиеся с официальной картиной. И сладкие 50-е превращаются в подпольную гражданскую войну. Ведь натура человеческая неизменна. Она в любое время, в любом обществе ищет только шанса, чтобы вырваться из тисков благопристойности и сотворить что-то, запрещенное правилами. Человек, дьявол его дери, по природе своей свободолюбив. Преступить закон - это просто такое проявление свободы.



Особый философский смысл тяга к нарушению законов приобретает, когда сам стоишь на страже закона. Герои «Секретов» почти сплошь - лос-анджелесские полицейские. Среди них - разные люди. Один - убежденный стукач, который считает, что замолчать проступок друга - совсем не благо для конторы в целом. Другой, наоборот, никого никогда не выдаст, за что и переводится капитаном в разряд персональных громил. Третий стрижет свои премиальные с любого криминала, который попадается ему под руку. Словом, много всякого народу служит под вывеской «Полиция». И вот происходит массовое убийство, которое затрагивает этих людей не по работе, а лично. И оказывается, что огромный кусок лос-анджелесского криминального мира управлялся одним ушлым офицером полиции.



Фильм сделан честно. С той максимальной честностью, которую может себе позволить коммерческий голливудский режиссер. Впрочем, одними идеологическими моментами достоинства фильма не ограничиваются. Он прекрасно снят, почти идеально выстроен, лишен длиннот и нуднот. Правда, не всегда понятно, что из чего вытекает - уж больно громоздкое дело разворачивается. В финале, когда оставшиеся в живых герои объясняют суть происходившего, возникает впечатление лихорадочной спешки. Они стараются ничего не упустить, и в то же время уложиться в пару минут. Но это можно простить. Огромный плюс - хороший актерский состав, в котором все поработали на славу, а Ким Бэсинджер даже оторвала «Оскара» за лучшую женскую роль второго плана. Отлично (как утверждают знатоки) переданный колорит эпохи. Запоминающиеся эпизоды и образы.

«Побег из Шоушенка» (The Shawshank Redemption) — американский фильм-драма 1994 года, снятый режиссёром Фрэнком Дарабонтом (Frank Darabont) по повести Стивена Кинга (Stephen King) «Рита Хейворт и спасение из Шоушенка».



Шоушенк - название тюрьмы. И если тебе нет еще 30-ти, а ты получаешь пожизненное, то приготовься к худшему: для тебя выхода из Шоушенка не будет! Актриса Рита Хэйворт - любимица всей Америки. Энди Дифрейну она тоже очень нравилась. Рита никогда не слышала о существовании Энди, однако жизнь Дифрейну, бывшему вице-президенту крупного банка, осужденному за убийство жены и ее любовника, Рита Хэйворт все-таки спасла.



Пожалуй, восторги по поводу «Побега из Шоушенка», выдвинутого в нескольких номинациях на «Оскар» (увы, безрезультатно) и впоследствии часто включавшегося во всевозможные рейтинги самых лучших и любимых фильмов, всё же не объяснишь лишь страстным, заразительным пафосом, лаконично выраженным в рекламном слогане: «Страх может сделать тебя узником. Надежда способна тебя освободить». Со временем стало ясно, что картина Дэрабонта, вроде бы снятая оператором Роджером Дикенсом без особых изысков, в реалистичной манере, объективно оказалась у истоков подлинной революции в кинодраматургии. Финал не просто ошеломляет, но, главное, заставляет заново осмыслить экранные события, по-иному оценить поступки и устремления действующих лиц да и законы самой жизни, реконструированной на экране, способной, вопреки обыкновению, преподнести весьма неожиданные сюрпризы. Правда, на фоне последующих, гораздо более радикальных кинематографических опытов «Побег из Шоушенка» выглядит достаточно скромно. А вот прозорливое решение режиссёра-сценариста – вслед за писателем – осторожно привязать вроде бы частную судьбу к смене социально-исторических эпох, символами (точнее, «секс-символами») которых для США как раз являлись столь оригинально поддержавшие Энди голливудские кинодивы, от Риты Хейуорт, до Рэкуэл Уэлч, не может не впечатлить и сегодня!



Как сообщает Нью-Йорк Таймс, об этом фильме много писали в новостных статьях 17 декабря, 2007, когда двое заключенных совершили побег из тюрьмы усиленного режима (Union County jail), в Нью-Джерси. Репортеры назвали это происшествие «побегом в стиле Шоу-шенка „. Заключенные использовали фотографию девушки в бикини для того, чтобы спрятать следы подкопа и оставили после себя благодарственную записку, подписанную смайликом, адресованную охраннику, который, с их слов, помог им в побеге. Вскоре после этого охранник совершил самоубийство.

«Семь лет в Тибете» (Seven Years in Tibet) — американский фильм снятый режиссёром Жан-Жаком Анно (Jean-Jacques Annaud) в 1997 году по автобиографической книге Генриха Харрера (Heinrich Harrer), описывающей историю приключений австрийского альпиниста в Тибете в годы Второй мировой войны.



У известного австрийского альпиниста Генриха Харрера, члена нацистской партии, в жизни было все — или почти все. Но непомерные амбиции разрывали его на части. Ему было необходимо навсегда увековечить свое имя. Оставив дома беременную жену, он отправляется покорять самый высокий пик в Гималаях. Но увлекательное восхождение оборачивается смертельной опасностью, британским пленом, побегом и долгими семью годами в таинственном тибетском городе Лхасе. Экранизация автобиографической книги Генриха Харрера.



В роли Харера Жан-Жак Анно снял Брэда Питта, и этот выбор оказался полной удачей. Питт сыграл немецкого альпиниста очень хорошо, просто классно. Трудно себе представить, как эту работу можно было бы сделать лучше. Вообще-то Питт далеко не во всех своих ролях убедителен, но когда собирается, то способен перевернуть душу впечатлительного зрителя. Что от него требовалось? Воплотить натуру изначально двойственную: одинокого волка, с одной стороны, а с другой - чрезвычайно ранимого человека, одиночество которого зачастую - всего лишь защитная реакция. Кроме того, перед Питтом стояла проблема показать, как эта двойственность трансформировалась после тибетского отшельничества в спокойную цельность, причем у обновленного Харера не осталось ни ранимости, ни волчьей сути - он стал совершенно иным человеком. С этой непомерной задачей актер справился настолько ярко и впечатляюще, что нет никакого смысла об этом рассказывать. Посмотрите - представление стоит того!



И еще посмотрите зрелище. Потому что Тибет – сказочно красивая страна – по крайней мере, выглядит таковой в интерпретации Анно и его камераменов.

«Храброе сердце» (Braveheart) — историческая драма снятая американским актером и режиссёром Мелом Гибсоном (Mel Gibson) в 1995 году.



Фильм посвящен жизни шотландского национального героя Уильяма Уолласа. Почему человека признают шотландским национальным героем? Потому что он пару раз крепко отколошматил англичан. Этого достаточно. Уоллас одержал несколько побед над войсками короля Эдуарда I и всерьез заставил англичан задуматься над дальнейшими перспективами покорения Шотландии. Он прожил жизнь настоящего воина, в его судьбе была одна трагическая и одна безнадежная любовь, его боготворили, и его предали, как настоящего героя. Судьба Уолласа - готовый сценарий, где ничего не надо придумывать, просто бери и снимай. И получай «Оскара» за лучший фильм года и лучшую режиссуру.



Cценарий был написан, причем автором его стал дебютант, которого зовут Рэндалл Уоллас. Видимо, совпадение фамилий придало ему смелости, и он обошелся с некоторыми фактами из жизни национального героя весьма вольно. Впрочем, для непосвященного зрителя это не имеет никакого значения - настоящих знатоков истории среди потребителей голливудской продукции немного, а учить историю по ним никто не собирается. Вообще, строго говоря, факты из жизни Уильяма Уолласа - дело темное, его детство и юность вообще покрыты мраком, причем то, что известно об этом отрезке его жизни - отнюдь не письменные свидетельства, а всего лишь поэма Гарри Слепого (это не кличка гангстера или героя Дикого Запада, а творческий псевдоним шотландского барда XIV века). При такой ситуации автор сценария волен наворачивать на скудный остов запротоколированных фактов жирную плоть собственной фантазии. Судя по всему, любовная линия Уолласа с принцессой Уэльской в неотразимом исполнении Софи Марсо - тоже всего лишь авторская выдумка. Но, господа, чего же вы хотели? Кино есть кино.



Вложив в фильм 72 миллиона долларов (конечно, не своих), Гибсон сумел сотворить нечто стоящее (одно из другого вытекает, как мы знаем, далеко не всегда). Особенно впечатляют крупномасштабные батальные съемки, которые режиссер стремился максимально приблизить, так сказать, к полевым условиям. О колорите эпохи в целом судить не берусь - не знаток - но сделано весьма красочно. Лошади скачут, прелаты прелатствуют, а английский принц занимается мужеложством. Все очень естественно. Тонко, со смыслом подобранные типажи позволяют режиссеру создать запоминающуюся галерею образов, особенно выразительно смотрятся несколько лидеров шотландских кланов, один другого живописнее. И, разумеется, актерская игра. Прежде всего - сам Гибсон. Поскольку в течение своей недолгой жизни под давлением обстоятельств Уоллас как личность менялся очень сильно, Гибсону выпадает нелегкая задача сыграть, по сути, трех разных людей в одном обличье.

«Подводная лодка» (Das Boot) — военный фильм немецкого режиссёра Вольфганга Петерсена (Wolfgang Petersen) снятый в 1981 году.



Экранизация романа Лотара-Гюнтера Буххайма (Lothar-Gunther Buchheim). Один из самых лучших и достоверных антивоенных фильмов о войне рассказывает о боевом походе немецкой подводной лодки. Люди, поставленные по воле судьбы и времени в ситуацию, когда необходимо убивать, чтобы жить, - вот основная мысль картины, и этому органично служит весь снятый материал. По большому счету солдаты по обе стороны любой войны обречены быть жертвами, но не буду зря тратить слова на то, что необходимо смотреть. Я лично мечтаю, чтобы все народы как можно скорее забыли о том, что это за праздник - День Победы. Номинации за режиссуру, адаптированный сценарий, операторскую работу, монтаж, звук, монтаж звуковых эффектов.



Первая значительная лента немецкого постановщика Вольфганга Петерсена, нынче весьма успешно работающего в Голливуде, является одной из лучших (и немногих) картин, показавших Вторую мировую войну глазами проигравших захватчиков. Главными героями являются солдаты в нацистской форме. Подобный ход всегда считался изначально чем-то аморальным, был недозволенным приемом, своеобразным кощунством над памятью пострадавших в этой войне. У нас-то обе ленты давно ходили в списках "фашистских", а попытка показать "Лодку" на Московском кинофестивале обернулась грандиозным скандалом. Это всегда была наша война, мы не позволяли трогать ее американцам или кому бы то ни было, тем более, чуть ли не подсудным делом считалось рассказать русским ветеранам, что их враги тоже были живыми людьми, проливали ту же кровь и умирали молодыми, далеко на родине оставив своих жен и детей.



Вместе с тем, как принято говорить, антивоенный, гуманистический пафос "Лодки" мог не заметить разве что слепой. Лишь рассказом о драматическом военном рейде режиссер не ограничивается. Воодушевленного "за Гитлера!" в "Лодке" не найти. Первая сцена перед грядущими событиями, где на пьяной вечеринке бравый офицер заводит патриотическую речь под скептические взгляды слушателей; капитан Лодки (Юрген Прохнов в своей лучшей роли) уважает врага и ни во что не ставит безумного главу Рейха, - эти и прочие мотивы разворачивают фильм в другую сторону. Не простая военная драма, а прямое антифашистское высказывание; как далеко это от того, что инкриминировали картине в Москве. Перед нами трагедия простого солдата, честно отправляющего свой долг, но начальниками назначенного лишь на должность пушечного мяса. В вертикальной армейской и государственной иерархии Петерсен ненавидит верхи, но не видит причин, почему нельзя отдать должное доблестным низам. Фильм - посвящение тридцати тысячам подводникам, погибшим во время войны. Акт, столь же благородный, справедливый и имеющий право на существование, как и фильмы о холокосте, концлагерях и победоносной советской армии.

«Авалон» (Avalon) — фантастический киберпанковский экшен японского режиссёра Мамору Осии (Mamoru Oshii) снятый в 2001 году.



Недалекое будущее. Общество пришло к своему логическому завершению: унылое существование, разруха и депрессия. Некоторые молодые люди борются с разочарованием, пытаясь найти собственные иллюзии в незаконной компьютерной игре «Авалон». Искусственно созданное напряжение и игра со смертью затягивают и вызывают привыкание. Однако некоторые игроки, часто работающие в командах, зарабатывают этой игрой на жизнь. Такова и главная героиня фильма — Эш (Малгоржата Форемняк), бывшая участница легендарной команды «Визардс». Обладая хорошими способностями к игре, она зарабатывает неплохие деньги на высшем уровне сложности «А». Однако игра на этом уровне уже не удовлевторяет Эш, чьи амбиции сильно возросли. Героиня начинает поиск некоего уровня сложности «Special A», о котором ходят лишь слухи, и до которого удалось добраться бывшему командиру «Визардс» — Мерфи (Эржи Гудейко).



Авалон - "остров блаженных", потусторонний мир в кельтской мифологии. Символика, связанная с островом (стеклянный дворец, дарующие бессмертие чудесные яблоки) принадлежит к архаическому слою традиции народов Британии. Режиссёр умело вплетает все эти мифологемы в повествовательную часть картины. Возникает ощущение, что многочисленные флэшбэки и угрызения совести главной героини всего лишь дань канонам жанра.



Режиссёр сталкивает различные (но не разные!) формы существования и жизнедеятельности человека. Так, пятиминутный показ приготовления пищи соседствует со сверхкрупными планами рта, эту пищу употребляющего. Отсутствию каких-либо звуков в "реальности" противопоставляется опера в уровне "SA". Собственно, концовка фильма, представляющая собой дуэль (не только в физическом, а больше в метафизическом смысле) Мэрфи и Эш, является апогеем внутренней диалектики пронизывающей всю картину. Вряд ли, вдумчивый зритель будет удовлетворён полученными ответами. На большинство из них, режиссёр даже не собирался отвечать. Содержание "Авалона" выходит далеко за рамки жанра. Под яркой обёрткой sci-fi action, нам предлагают изысканное блюд.



У этого фильма достаточно своеобразная история создания. Дело в том, что его снял довольно известный японский режиссер Мамору Осии, обычно работающий в жанре анимэ, причем снял совместно с польской киностудией, поэтому в фильме играют польские актеры и все действие происходит в весьма узнаваемом антураже социалистической действительности: "хрущобы", чешские трамвайчики, надпись "Челябинский колхозник" на броне танка, советское оружие и так далее. Почему был создан такой более чем странный тандем - японец с поляками - доподлинно не известно. Известно только то, что в Польше удалось снять фильм за какие-то фантастически маленькие деньги (9 миллионов долларов), причем поляки за очень скромную сумму предоставили войска и технику для съемок - что, конечно, может быть единственным определяющим фактором. Однако польские утопические пейзажи и антураж загнившего социалистического лагеря японцами были совершенно не поняты, поэтому в самой Японии фильм в прокате провалился, не компенсировав даже затрат на создание.



А европейской публике фильм очень даже понравился - Премия Каталонского международного кинофестиваля в категории «Лучшая операторская работа» (Гжегош Кедзирский), Номинация на премию Каталонского международного кинофестиваля в категории «Лучший фильм», Премия Международного кинофестиваля в Дурбане, Премия Лондонского кинофестиваля научно-фантастических фильмов в номинации «Лучшая режиссура». Все в фильме достаточно логично и выверено, а кроме того, Осии не собирается зрителям давать прямой ответ на часть вопросов. Многое зрителям нужно понять и осмыслить самим, и это радует. В фильме вопросы ставятся для того, чтобы зрители попытались на них ответить, тогда как во многих других фильмах возникающие вопросы являются лишь следствием всяких ляпов в сценарии. В фильме совершенно потрясающая работа оператора, художников и декораторов. Некоторые критики утверждают, что, дескать, все эти фильтры цвета сепии, нижние ракурсы и так далее - это все было, было, - однако если так рассуждать, то уже лет пятьдесят ничего оригинального не снимают - все когда-то уже было... Также в картине звучит изумительная музыка японского композитора Кэндзи Кавая. Дивная музыка сопровождает весь фильм, а в конце звучит целая оратория "Вояж в Авалон" - это что-то потрясающее...



Что интересно - как это нередко бывает с хорошими фильмами, "Авалон" вызывает совершенно полярные мнения. Многим картина весьма понравилась. Однако другая часть зрителей достаточно негативно высказывалась по поводу "Авалона". Некоторые геймеры считали, что в фильме совершенно неправильно и некорректно отображается мир виртуальных игр (как будто эти геймеры когда-нибудь играли в "Авалон"). Фанаты "Матрицы" гнусно хихикали и утверждали, что "Авалон" - жалкое подражание, хотя на самом деле все почти наоборот (доподлинно известно, что Вачовские сами вдохновлялись киберпанковскими анимационными фильмами Осии). Кому-то не нравился сюжет, кто-то не вдохновился картинками, кого-то раздражало количество вопросов, оставшихся без ответа - словом, как это нередко бывает, мнения разделились.

«Матрица» (The Matrix) — американский фантастический фильм снятый братьями Энди и Ларри Вачовски (Andy and Larry Wachowski), вышел на экраны 31 марта 1999.



Фильм описывает теорию, по которой реальным миром правит Матрица — компьютерная система, симулирующая действительность для миллионов людей, насильно подключённых к ней восставшими Машинами, которые таким образом получают из людей энергию, необходимую им для продолжения существования. Фильм содержит множество ссылок на киберпанк и хакерскую субкультуру, философские и религиозные идеи. «Матрица» также активно использует идеи «Алисы в Стране Чудес», гонконгских боевиков и японской анимации.



Молодой человек по имени Томас Андерсон ведёт двойную жизнь. С одной стороны, он программист в крупной компании, с другой — хакер Нео. Однажды на его персональный компьютер приходит странное сообщение: «Ты увяз в Матрице» (букв. «Ты принадлежишь Матрице», англ. The Matrix has you). Неизвестный даёт ему указание «следовать за белым кроликом». Нео встречает девушку с татуировкой в виде белого кролика. Следуя за ней, он приходит в ночной клуб. Там он знакомится с девушкой-хакером по имени Тринити (Троица), которая обещает раскрыть Томасу тайну Матрицы. Для этого Нео должен встретиться с тем, кого давно ищет, — Морфеусом (Морфеем), которого власти считают опаснейшим террористом. У Нео не остается времени для колебаний, потому что его компьютерными преступлениями уже заинтересовалось ФБР. Морфеус предлагает молодому человеку увидеть Матрицу собственными глазами и предлагает на выбор две таблетки — синюю, проглотив которую Нео забудет всё, что с ним происходило, и красную, которая позволит Нео понять, что такое Матрица. Нео выбирает красную таблетку...



«Матрица» содержит множество ссылок на различные фильмы, литературные произведения, философские идеи. Ситуация, показанная в фильме, отсылает к аллегории пещеры у Платона и мысленному эксперименту «мозг в чане», а трактат Жана Бодрийяра «Симулякры и симуляция» упоминается в одной из сцен фильма. Также в фильме много аллюзий с другими произведениями в стиле киберпанк, такими как «Нейромант» Уильяма Гибсона. Огромное влияние на «Матрицу» оказал японский аниме-фильм «Ghost in the Shell». Продюсер Джоэль Сильвер сказал, что братья Вачовски, описывая свои намерения по поводу «Матрицы», показали ему это аниме и сказали: «Мы хотим сделать это в реальности». Рецензенты часто отмечали схожесть «Матрицы» с фильмами ранних 90-х, такими как «Странные Дни», «Тёмный город» и «Шоу Трумана». Много сравнений было с комиксами «The Invisibles» Гранта Моррисона; Моррисон был уверен, что братья Вачовски сделали плагиат его работы, создавая фильм.



В рассказе Станислава Лема — «Доктор Диагор» (1960 г) описано устройство, которое моделирует человеческий мозг, на рецепторы которого проецируется виртуальная жизнь. Более того, в рассказе фигурирует взаимосвязанное семейство электронных устройств, наделённых сознанием, одно из которых стало сомневаться в том, что картинка жизни, которую оно наблюдает, реальна. Искусственно созданная иллюзорная реальность упоминается также в повести Станислава Лема «Футурологический конгресс»(1971 г.) В этой книге высокотехнологичный утопичный мир будущего является продуктом коллективной галлюцинации, вызванной химическими веществами, распыляемыми по плану тайной всемирной «химиократии» с целью скрыть реальность, где мир находится в глубочайшем экономическом и экологическом кризисе. Идею о том, что воспринимаемая нами вселенная, возможно, создана компьютерной программой-симулятором, высказал Александр Лазаревич в 1986 году в своей книге «Генератор желаний». Техническая возможность проведения вычислений, необходимых для полного описания нашей вселенной, с помощью квантовых компьютеров теоретически обосновывается в научно-популярной работе физика Дэвида Дойча «Структура Реальности». Использование людей в качестве источника энергии для других существ описывается в книге Карлоса Кастанеды «Активная сторона бесконечности».



Комбинация насыщенного спецэффектами действия и философских вопросов была очень радушно принята. Однако фильм критиковали за малое количество юмора. В 2001 году «Матрица» заняла 66-е место в списке American Film Institute «100 Years… 100 Thrills». Отец киберпанка Уильям Гибсон, просмотрев фильм, сказал: «Такого восхищения я не испытывал очень давно», — и добавил: «Нео теперь мой самый любимый герой в фантастике, навсегда». Сценарист, режиcсер, продюсер и актер Джосс Уэдон назвал фильм «мой номер один» и хвалил за глубину сюжета, заметив: «Он смотрится на том уровне, на котором ты хочешь его смотреть», — имея в виду, что любители сражений будут обрадованы схватками и перестрелками, а любители поразмыслить — философской идеей «Матрицы».

«Тёмный город» (Dark City) — фантастический фильм-нуар снятый в 1998 году американским режиссером Алексом Пройасом (Alex Proyas).



Фильм начинается с пробуждения главного героя, который ничего не помнит, в отеле. Кроме этой беды его преследуют полиция, подозревающая его в серийных убийствах, и группа людей, обладающих психокинетическими свойствами. Более того, что-то странное происходит со всем окружением: пространством, временем и личностями окружающих героя людей…



«Темный город» — предвестник «Матрицы», снятой годом спустя. Несмотря на сюжетное сходство и одинаковые декорации в ряде сцен, этот фильм разительно отличается от нее. Да, Странники — вылитые Агенты. Да, фильм заканчивается масштабной битвой Мердока с главным Странником. Да, как и Агенты, Странники одновременно и опекают людей, и зависят от них. Однако по своей энергетике «Темный город» стоит на голову выше «Матрицы». Это классика «нуара», которую можно заносить в учебники киноискусства. Гнетущая атмосфера, безотчетный страх и тоска, сюрреализм, неповторимый режиссерский стиль, сочетание запутанности и простоты сюжета, глобальный заговор, пугающие загадки... «Позабытый шедевр» и «культовое кино» — вот какие определения больше всего подходят для данной картины.



Это крайне эстетский нуар, замешанный на добротной научной фантастике. Самое потрясающее в этом фильме — это то, как он умудряется держать баланс, представляя собой жанровое лоскутное одеяло, и каждые десять-пятнадцать минут меняя парадигму: сначала это параноидальный триллер, затем — полу-мистический боевик, затем — детективная драма, и, наконец, взрослая научная фантастика. Главный герой, потерявший память, но явно обладающий какими-то паранормальными способностями, путешествует по городу, где никогда не восходит солнце, и пытается понять, что за странные люди в чёрном его преследуют. Фильм очень напряжённый (а временами и довольно жуткий), и чрезвычайно красивый. Настолько эстетские картины делают чрезвычайно редко: практически каждый кадр здесь можно повесить на стену в рамочке.



Номер гостиничной комнаты, где просыпается Мердок, — 614. Это прямая отсылка к Евангелию от Иоанна, главе 6, стиху 14, где говорится о пришествии Спасителя. Фактически, Мердок выступает в качестве нового Иисуса. Если не хотите испортить впечатление от просмотра — выключите звук на вступительных закадровых объяснениях. Они раскрывают значительную часть загадки. Некоторые сцены «Матрицы» снимались в декорациях «Темного города» — интерьеры квартир, крыши домов, лестничный пролет, в котором Нео испытал дежа-вю. «Темный город» получил 5 призов на различных конкурсах — в том числе «Сатурн» как лучший фантастический фильм. Бюджет картины — 27 миллионов долларов. Кассовые сборы — 14 миллионов долларов.