«Молчание ягнят» (The Silence of the Lambs) — кинофильм снятый в 1991 году режиссером Джонатаном Демми (Jonathan Demme), экранизация одноимённого романа Тома Харриса (Thomas Harris).



Психопат похищает и убивает молодых женщин по всему Среднему Западу Америки. ФБР, уверенное в том, что все преступления совершены одним и тем же человеком, поручает агенту Клариссе Стерлинг встретиться с заключенным-маньяком, который мог бы объяснить следствиюпсихологические мотивы серийного убийцы и тем самым вывести на его след. Заключенный, доктор психиатрии Ганнибал Лектер, отбывает наказание за убийства и каннибализм. Он согласен помочь Клариссе лишь в том случае, если она попотчует его больное воображение подробностями своей сложной личной жизни. Такие двусмысленные отношения не только порождают в душе Клариссы внутренний конфликт, но и сталкивают ее лицом к лицу с помешанным до гениальности убийцей. Воплощение дьявола настолько сильно, что ей может не хватить мужества и стойкости, чтобы остановить его...



Лента Демми, вместе со сценаристом Тедом Тэлли обратившегося к роману Томаса Харриса, способна ввергнуть в состояние шока благодаря одной лишь интриге, многомерной, мастерски закрученной и – в довершение всего – постоянно уводящей в сторону, заставляющей переосмысливать увиденное. В первую очередь непросты, а то и вовсе непостижимы с житейской точки зрения отношения Клариссы и Ганнибала, с точностью до миллиметра просчитавшего действия агентов по поимке своего «ученика» Буффало Билла, которые оборачиваются его личным триумфом. Только авторам этого определённо мало – и Демми при содействии отличного оператора Така Фуджимото буквально каждому кадру придаёт неизъяснимую таинственность, приобретающую едва не трансцендентное звучание. Угнетающая монументальность сцен за решёткой, эпизод в доме последователя Лектера, где дух «Каннибала» всё же незримо присутствует, и в особенности – знаменитое распятие эфбээровца на тюремной решётке… Ведущие непримиримую интеллектуально-волевую дуэль оппоненты, считающие себя знатоками человеческой натуры, стремятся перевести всё в сугубо психоаналитическую плоскость, и даже изъятое из Библии словосочетание «молчание ягнят», намекающее на безмолвие агнца перед принесением в жертву Всевышнему, приобретает в диалогах фрейдистский оттенок.



Как триллер, "Молчание ягнят" способно удовлетворить вкусы самого строгого ценителя жанра. Первый - и пока последний - фильм ужасов, награжденный пятью "Оскарами" по основным номинациям, был провозвестником нового этапа в развитии голливудского Большого Стиля. Отныне крупные постановки, собирающие одновременно награды на фестивалях и доллары в кинотеатрах, могли быть выдержаны не только в патетично-золотых, но и в гибельных шагреневых тонах душевных потемок. Совершенен Лектера в исполнении Хопкинса: бледный неморгающий эстет-душегуб занял своей харизмой все пространство экрана - и не отвести по-кроличьи взгляда.

Многие долго ждали ... и дождались. Премьера, кассовые сборы ... Я про "Секс и город"


... пятница, после трудовой недели, с нетерпением и купленными билетами добрались до кинозала.
Было легко, весело, романтично, немного глупо/или наивно (каждый оценит по своему), но вообщем с отличным настроением прошел этот вечер. Он себя оправдал.
Поклонникам сериала и его героинь рекомендую.

... ну а после фильма не очень приветливо встретила реальность ... но это уже другая история.

Любви и приятных выходных

«Фарго» (Fargo) — кинофильм 1996 года братьев Коэнов,снимают они вместе, но Итана обычно в титрах называют автором сценария, а Джоэла (Joel Coen) режиссером.



Картина снята по мотивам якобы реальных событий, произошедших в 1987 году в Миннесоте. Городок Фарго, Северная Дакота. Не очень удачливый бизнесмен (торговец авто) Джерри решил добыть деньги, инсценировав похищение жены. За 80 тысяч долларов он думал выкупить ее на деньги тестя. Деньги и жену после ловкой операции он решил оставить себе. В последний момент Джерри отменил заказ, но пара нанятых бандитов продолжили своё черное дело.



Одна из лучших находок фильма в том, что преступление расследует беременная на восьмом месяце полицейская, которую играет жена режиссера, Фрэнсис МакДорманд. Вторая находка - название северного городка Fargo (far go - далеко идти, что-то вроде "у черта на куличках"). Центральная идея "Фарго": правильные, воспитанные в духе политкорректности и пуританской морали люди, если жизнь загоняет их в угол, способны на дичайшие преступления. Идея развита в фирменном коэновском духе: литры крови, сверхчерный юмор, лаконично-уморительные диалоги (в основном с разными интонациями произносится yes).



Коэны сделали "Фарго" специально для Америки (в Европе их обожали и награждали и до и после). В Америке простоту оценили: Джоэл и Итэн Коэн были, наконец, отмечены «Оскаром» за оригинальный сценарий, тот же приз получила актриса Фрэнсис МакДорменд, а ещё до этого на фестивале в Канне жюри, возглавляемое американским постановщиком Фрэнсисом Фордом Копполой, отдало «Фарго» премию за режиссуру.

«На игле» (Trainspotting) — фильм британского режиссёра Дэнни Бойла (Danny Boyle), снятый в 1996 году по одноимённому роману Ирвина Уэлша. Фильм получил широкое признание критиков и стал культовым для молодого поколения 1990-х.



"Выбирай жизнь. Выбирай работу. Выбирай карьеру. Выбирай семью. Выбирай большие телевизоры, стиральные машины, автомобили, компакт-диск плэйеры, электрические консевные ножи. Выбирай хорошее здоровье, низкий уровень холестерина и стоматологическую страховку. Выбирай недвижимость и аккуратно выплачивай взносы. Выбери свой первый дом. Выбирай своих друзей. Выбери себе курорт и шикарные чемоданы. Выбери костюм-тройку лучшей фирмы и самого дорогого материала. Выбери набор "Сделай сам", чтобы было чем заняться воскресным утром. Выбери удобный диван, чтобы развалиться на нем и смотреть отупляющее шоу. Набивай свое брюхо всякой всячиной. Выбери загнивание в конце всего и вспомни со стыдом напоследок своих дружков-подонков, которых ты заложил чтобы выкарабкаться. Выбирай будущее. Выбирай жизнь. Но зачем мне все это? Я не стал выбирать жизнь... Я выбрал кое-что другое... Почему? Да потому... Какие могут быть почему, когда ты под кайфом? Когда есть героин..."



В фильме показывается история четверых друзей, которых связывает лишь общая зависимость от наркотиков, доводящая каждого по отдельности до последней черты. Повествование ведётся от типичного «героя нашего времени», молодого шотландца Марка Рентона, стабильно пытающегося «завязать» и заодно как-то устроиться во взрослой жизни. Параллельно обрисовывается круг его друзей и знакомых, таких же бездельников и неудачников. Неожиданное обогащение предоставляет Марку, в конце концов, возможность изменить свой жизненный путь. Несмотря на множество сильных натуралистических сцен, в фильме много юмора и неординарных кинематографических ходов. Действие происходит в столице Шотландии Эдинбурге.



В фильм не вошла сцена из романа, давшая название книге — трейнспоттинг, в которой Марк и Бегби используют здание старого заброшенного железнодорожного вокзала в качестве туалета и где Марк узнаёт, что старый бомж, пошутивший насчёт трейнспоттинга, является отцом Бегби.



Бойл думает снять сиквел фильма, основанный на сиквеле Уэлша «Порно». Действие будет происходить спустя 10 лет. Бойл ждёт, пока актёры, снимавшиеся в оригинальном фильме, станут похожи на своих постаревших героев.

«Прирожденные убийцы» (Natural Born Killers, США, 1994) — фильм режиссера Оливера Стоуна (Oliver Stone), повествующий о сладкой парочке Микки (Вуди Хэррелсон) и Меллори (Джульетт Льюис) Нокс, жестоких серийных убийцах, вокруг которых СМИ создает образ народных героев.



В фильме, Стоун не только высмеивает средства массовой информации, восхваляющих серийных убийц, но и критикует американское общество в целом, которое также ответственно за появление подобных изгоев. Среди зрителей, фильм вызывает противоречивые мнения. Одни поддерживают Стоуна, за его проницательную сатиру над современными СМИ, когда другие обвиняют его в том, что поступки главных героев ленты, могут побудить людей к насилию.



Cуть ленты можно обозначить как плевок в лицо американской нации, это издевка - и над насилием, как таковым, и над теми, кто его смакует - кино, ТВ, средствами массовой информации, и прежде всего - над потребителями, идиотами у телевизоров, которые (как отец Мэллори) жаждут насилия, выступая в роли силы или зрителя, но уж никак не ожидают оказаться в положении жертвы. И таких в фильме (да и в стране) - по мнению Стоуна, абсолютное большинство! Кто-то из них говорит в камеру: "Микки и Мэллори - это круто!", кто-то носит майку с их изображением; журналы, пресса, ТВ, промышленность делают на этом деньги, нация прилипает к телевизорам - ну, еще бы, как романтично! А между тем, в Микки и Мэллори нет ничего привлекательного. Режиссер не просто развенчивает "в процессе" романтический флер - он с самого начала дает понять, что герои - недолюди. Они и выглядят соответственно: Микки - с лицом дегенерата и уголовника, Мэллори - жалкая, отталкивающая дура. И у них нет не то что "великой любви" - но даже нормальных человеческих отношений и элементарного друг к другу уважения (достаточно вспомнить эпизод, когда каждый из них искал "развлечений" на стороне). А сами они у здравомыслящего человека ничего, кроме отвращения вызвать не могут. Как, впрочем, и те, кто их окружает - начиная от журналиста, паразитирующего на теме маньяков (да, видно, что Стоуна тамошние "акулы пера" уже порядком достали) и заканчивая полицией, тюремной администрацией, фанатами на улицах... А что вы, собственно, хотите, от нации, которая уже полвека рыдает над "Бонни и Клайдом" - историей двух убийц, лишавших жизни окружающих даже не из-за денег (ведь от "грабежей" они получали копейки - пять, десять - максимум пятьдесят долларов), а просто ради собственного удовольствия. Стоун довел ситуацию до абсурда: нет не денег, ни Великой депрессии, а только "любовь" и пули. И плюс - сбылась голубая мечта не одного поколения американских идиотов - Бонни и Клайд остались в живых и бесконечно колесят по дорогам, плодя таких же ублюдков, как сами. И так же любят друг друга. Только учтите, граждане: их чувства, вызывающие у вас слезы умиления, ни в коей мере не помешают им сжечь вас заживо.



И американская нация, оказалась в точности такой же, какой он ее изобразил - реальные подростки отреагировали на Микки и Мэллори точно так же, как подростки из фильма: "Микки и Мэллори - это круто!", "Я люблю Микки и Мэллори" и т.д. Более того, нашлись "герои", пожелавшие повторить жизненный путь персонажей фильма. И  получилась ситуация, не имеющая по-моему, аналогов в мировом культурном  процессе: злая сатира "Против!" стала считаться (причем, как это ни страшно, повсеместно) манифестом "за!".



Отдельно надо сказать о монтажных изысках. "Прирожденные убийцы" не зря называют фильмом-клипом. Тут вам и мультипликация, и комиксы, и различные цветовые приемы, и последние (на тот момент) достижения компьютерной графики. Но что самое главное, - все это не только красиво, но и несет сильнейшую смысловую нагрузку. Ведь частично, именно сумбур из комиксов и компьютерных игр сделал Микки и Мэллори убийцами. В нужную минуту в голове у ребят перемыкает, и они видят не жертву - живого, и часто ничего не сделавшего им человека, а компьютерного монстра, убить которого - значит, перейти на следующий уровень.



Попутно Стоун иронизирует над классическими американскими жанрами и ценностями, срывая с них флер, и выставляя на всеобщее обозрение их убогость. Так домашняя обстановка у Мэллори - это типичная гэг-комедия со смехом за кадром, плавно переходящая в фильм ужасов. В других местах есть убийственные пародии на боевики класса "Б", "тюремные" и "журналистские" фильмы. Ну а венцом насмешливости Стоуна можно считать "сентиментальную" сцену в тюрьме: вся нация, начиная с невозмутимой дикторши телевидения, плачет от умиления над судьбой двух монстров...

«Криминальное чтиво» (Pulp Fiction, США, 1994) — один из самых известных фильмов режиссёра Квентина Тарантино (Quentin Tarantino).



Фильм постоянно находится в первой десятке списка лучших 250 фильмов на сайте IMDb. Обладатель премии «Оскар» за лучший сценарий, «Золотой пальмовой ветви» Каннского кинофестиваля 1994 года и ещё более сорока кинематографических наград. Картина также имела большой успех у публики и считается важной вехой в истории кинематографа, давшей ощутимый толчок развитию независимого американского кино.



Сюжет фильма нелинеен, как и почти во всех остальных работах Тарантино. Этот приём стал чрезвычайно популярен, породив множество подражателей во второй половине 1990-х. Название является отсылкой к популярным в середине XX века в США pulp-журналам. Именно в стиле таких журналов были оформлены афиши, а позднее саундтрек, видеокассеты и DVD с фильмом.



Части сюжета «Криминального чтива» были разделены, перемешаны и показаны в «неправильном» порядке (тут Тарантино не новатор - техника, до этого использовалась режиссёрами французской «Новой волны», в частности Жан-Люком Годаром и Франсуа Трюффо, а также Стенли Кубриком в «Убийстве»). Хронологический порядок эпизодов: 1. Винсент и Джулс 2. «Ситуация с Бонни»   3. Ограбление (обе части - начало фильма и финал) 4. «Мия Уоллес» 5. «Золотые часы».



Следует отметить, что слово fuck произносится в фильме 271 раз. Бюджет фильма составил 8 млн долларов, из них 5 млн пошли на гонорары актёрам. Большинство часов в фильме показывают 4:20, в том числе в ломбарде, однако не все, несмотря на распространённое заблуждение; цифры «4:20» на сленге обозначают употребление марихуаны, в США 420 — номер телефона отдела по борьбе с наркотиками. Изначально предполагалось, что в чемоданчике должны были быть бриллианты, украденные в «Бешеных псах», но это было сочтено слишком скучным, есть мнение, что там хранилась душа Уоллеса, но это было сочтено слишком надуманным, так что содержание чемоданчика осталось загадкой, во время съёмки внутри находилась оранжевая лампочка и батарейки. Кадр, где Винсент втыкает шприц в грудь Мии, снимали в обратном порядке: шприц отдёргивали от актрисы. В фильм эпизод был вмонтирован задом наперёд. Так как хронологически сцена с золотыми часами идёт в фильме последней, то в одном из кадров с Бутчем можно услышать радио и приглушенный голос ведущего, который сообщает, что — «накануне из ресторана „Джек Рэббит Слимс“ был украден приз за твист», в русских версиях фильма этот момент не был переведен.



Несмотря на то, что внешне сюжет фильма похож на бульварный ширпотреб чтиво, «Криминальное чтиво» считается умным и тонким кинематографическим шедевром.Одно из главных достоинств фильма — диалоги, которые очень сложно корректно перевести на русский язык. Одним из наиболее соответствущих оригиналу считают перевод студии «Полный Пэ», так как студия осуществила перевод «грязного английского» с использованием близких выражений русского мата без утраты эмоциональной окраски фраз. Есть и другая точка зрения, по которой данный вариант перевода сильно упростил фильм, снизив его с уровня притчи таки до "бульварного" уровня. Во любом случае наиболее правильно смотреть только с оригинальной звуковой дорожкой - ради этого стоит выучить английский!

"Подполье" (Андерграунд, Подземлье, Underground) — фантасмагория культового  сербскогго режиссёра Эмира Кустурицы (Emir Kusturica). Фильм вышел на экраны в 1995 году. В этой работе Кустурица связал прошлое своей страны с эпизодами новейшей истории (начало войны на Балканах).



В 1992 году началась Боснийская война. Дом семьи Кустурицы в Сараево был разрушен, отец режиссёра Мурат Кустурица вскоре после этого скончался от сердечного приступа. Семья нашла убежище в Черногории. Видя, что происходит с его страной, Кустурица вернулся в Югославию для того, чтобы начать работу над новым фильмом — фантасмагорическим фильмом-притчей с элементами чёрной комедии "Подполье" по сценарию знаменитого югославского драматурга Душана Ковачевича.



Действие фильма происходит на протяжении пятидесяти лет в Югославии. Два приятеля-бандита любят одну и ту же женщину — актрису Наталью. Когда начинается Вторая Мировая Война один из них, Марко, предлагает второму, Петару по прозвищу «Чёрный», уйти в подполье. Петар переселяется в подвал, и вместе с сыном и другими своими товарищами начинает производить оружие для нужд партизанского движения. Проходит время. Война уже закончилась, но Петар об этом не знает. Марко становится наверху крупным чиновником, приближённым Тито, женится на Наталье, и вместе со всей Югославией оплакивает память якобы почившего Петара, при этом продолжая зарабатывать на оружии, производящемся в подполье…



«Подполье» считается лучшим фильмом Кустурицы и одним из величайших фильмов 90-х годов XX века. Фильм отмечен одной из наиболее престижных наград мирового кинематографа — «Золотой пальмовой ветвью» на Каннском кинофестивале. Оригинальную музыку для фильма сочинил Горан Брегович, и этот саундтрек сразу вошёл в классику мировой киномузыки.

Мертвец (Dead Man) — фильм Джима Джармуша (Jim Jarmusch), вышел на экраны в 1995 году, повествует о мистическом пути скромного бухгалтера Уильяма Блейка, ведомого индейцем Никто, одна из самых известных работ американского независимого кино.



После смерти родителей Уильям Блейк на последние деньги приезжает из Кливленда в Город Машины, надеясь получить место бухгалтера. Однако он узнает, что опоздал, на его место приняли другого человека. В отчаянии Уильям Блейк заходит в местный бар, где знакомится с бывшей проституткой, а ныне продавщицей бумажных цветов Телл и ночует у неё.



Внезапно к ней приходит бывший жених и устраивает разборку, в ходе которой Блейк получает ранение в сердце, а Телл вместе со своим женихом гибнут. В смерти Телл и «её жениха» - сына мистера Дикенсона (хозяина Города Машины) винят Уильяма Блейка. Раненный Блейк ищет спасения в близлежащем лесу. Там его находит Никто — индеец-отшельник, изгой своего племени. Он принимает смертельно раненого бухгалтера за воплощение английского поэта Уильяма Блейка и решает помочь ему с честью отправится в мир духов. В погоню за Блейком посланы наемные головорезы и профессиональные следопыты



Повествование, идеально стилизованное под черно-белое кино (Джармуш специально искал тот тип пленки, который дает не радикальный черно-белый экран, а оттенки серого, что придает картинке некоторую цветность), не соответствует каноническим жанром - ни вестерну, ни фильму-путешествию, и представляет собой скорее поэтическое иносказательное рассуждение о метафизике смерти. Натянутая тишина саундтрека, заполненная гитарными рифами Нила Янга, завораживает, нагоняет напряжение сильнее, чем редкие выстрелы. В картине все идеально пригнано, она течет подобно стихам самого Уильяма Блейка, тезки главного героя. Джонни Депп - актер с маской вместо лица - прекрасно передает перерождение героя от женоподобного юноши, вздрыгивающего при каждом выстреле, к мертвецу, по воле судьбы путешествующему туда, "где небеса встречаются с морем".



Невозмутимая операторская работа, отличный монтаж так точно передают атмосферу западно-американского Аида, динамику течения времени в этом царстве мертвых, что поневоле начинаешь жить по его законам с затаенным дыханием, медленной походкой, безсмысленными поэтическими фразами. Сценарий самого Джима Джармуша отличается редкой скупостью на диалоги, которые настолько самодостаточны, что каждый мог бы дать начало новому фильму классом пониже. Порой за людей просто говорит картинка и музыка. Скупая манера съемки, подбор актеров - все это должно уводить зрителя не в экранное дейсьвие, а внутрь себя. Такова идея Джармуша - снимая фильм, он вызывает своего зрителя на внутренний спор, одной из сторон которого является сам режиссер, скрыто представленный своим произведением.



Критики по-разному оценили этот фильм. Roger Ebert дал фильму полторы звезды (из четырех максимальных), прокомментировав это так: «Джим Джармуш пытался что то выяснить, но что именно я так и не понял». Desson Howe и Rita Kempley написали статью для Washington Post, с очень негативными комментариями. Greil Marcus в свою очередь, озаглавил свою рецензию к фильму так: «Мертвец Вновь: Здесь находится 10 фактов доказывающие что “Dead Man” является лучшим фильмом конца 20-го века». Кинокритик Jonathan Rosenbaum дал фильму звание – “Acid Western” и сказал: «этот фильм также восхитителен и также важен как и все новые фильмы 90х годов, которые я видел». Также он написал книгу о фильме «Dead Man» (ISBN 0-85170-806-4), изданную British Film Institute.



NB В "Мертвеце" - все заядлые курильщики, но ни у кого нет табака. Если Вы посмотрели фильм и  все еще гадаете, где оказался Блейк, значит вы не курите...

«Забриски Пойнт» (англ. Zabriskie Point) — кинофильм снятый Микеланджело Антониони (Michelangelo Antonioni), вышел на экраны в 1970 году и стал одним из центральных фильмов культуры хиппи.



Забриски Поинт – это всего лишь место в Аризоне, высохшее мертвое озеро посреди бескрайней пустыни, растянувшееся на многие мили. “Забриски Поинт” – первый и единственный фильм великого итальянского режиссера Микеланджело Антониони снятый им в Голливуде. Антониони изображает протестующую молодежь – американских студентов, спорящих за свои права и готовящих забастовку. Ему чрезвычайно симпатичны и интересны эти бунтари – недаром в самом начале картины в течение нескольких минут мы рассматриваем их лица крупным планом. Но режиссеру, как он заявил в одном интервью, всегда не нравилось, что люди слишком много разговаривают и мало делают, поэтому среди этих студентов он выделяет Марка – «попутчика», как герой сам себя именует – личность деятельную и всей душой стремящуюся к свободе. В попытке помочь своим товарищам, Марк стреляет в полицейского, а потом угоняет спортивный самолет, на котором несется в бесконечное пространство пустыни. Там он встречается со свободолюбивой Дарьей, которая вместо того, чтобы ехать по указанию своего начальника, ищет место для медитации.



Марк и Дарья – герои, ищущие личную свободу и непохожие на представителей американского общества потребления и накопления, которые приспосабливаются ко всему и обманывают себя видимостью свободы. Иллюзию свободы Антониони изображает с неореалистическим интересом к мелким бытовым деталям – рекламные плакаты, своей пестротой нарушающие общую естественную тональность фильма, офис начальника Дарьи, а также его вилла в пустыне, которая неоднократно взрывается в финале фильма. Взрыв как напоминание о гибели Вавилона касается всего материального, символизирующего накопление: на воздух взлетают шкаф с одеждой и с книгами, телевизор, холодильник – всюду излишества.



Во время съемок ФБР внедряло агентов в съемочную группу; места съемок осаждали консерваторы и громко клеймили Антониони за сжигание американского флага; шериф Окленда (штата Калифорния) обвинил Антониони в том, что тот прибыл разжигать народные бунты. Рейнджеры Долины Смерти поначалу запретили Антониони снимать фильм в долине, т.к. небезосновательно опасались, что он устроит там оргию, а гос.управление штата начало следствие по делу о предполагаемом "анти-американизме" и нарушении занятного закона Мэнна, принятого в 1910 года и запрещающего транспортировку женщин через границу штата "для безнравственного поведения, проституции или распущенности".

«Беспечный ездок» (Easy Rider) — художественный фильм режиссёра Дэнниса Хоппера (Dennis Hopper) вышел на экраны в 1969 году и считается шедевром кинематографа, который задал каноны жанра Road Movie (Дорожный фильм). Беспрецедентный успех малобюджетной (всего в $400 тысяч) «маргинальной» картины класса 'В' породил немалое количество подражаний и подделок.



В картине выражены в концентрированной, сгущенной форме короткой «кинорокбаллады», кажется, все бунтарские настроения шестидесятых годов. Впервые на экране поэтизировалась «беспечная жизнь» рокеров-хиппи, несущихся на своих мотоциклах по бесконечным дорогам бескрайней Америки — из Калифорнии в Новый Орлеан — в поисках извечной «американской мечты».



Выброшенные на обочину «блудные сыновья» пытаются обрести призрачную надежду, иллюзию о «настоящей Америке». А мещанская, обывательская, нетерпимая ко всему, что непохоже на другое, выделяется, сомневается, тем более протестует, эта консервативная, как всегда, американская южная «глубинка» расправляется с ними привычными методами «ку-клукс-клана» и «суда Линча». Разница только в том, что ныне гнев обращен не против одних чернокожих, а и против белых, но волосатых, едущих на мотоциклах. Впрочем, не устраивает и тихий пьяница-бродяга, бывший адвокат, порвавший со своей средой — отличная роль, впервые прославившая Джека Николсона.



Фильм «Беспечный ездок» — именно кинорокбаллада. В него щедро включена рок-музыка 60-х годов, ставшая «отдушиной» и молитвой для умов и чаяний молодежи тех лет, превратившаяся в кардиограмму ее состояния. А яркая кинематографическая форма способствует созданию легенды о последних бунтарях Америки. Оригинально примененная оператором Ласло Ковачем съемка против солнца, с бликами света, падающего в камеру и расходящегося по кадру цветовой радугой, сегодня — уже штамп и банальный прием.



Необычным для ленты такого рода является использование вроде бы интеллектуальных «флэшфорвардсов», кадров, которые опережают действие и предсказывают события на несколько мгновений вперед. Картина-гимн молодежной субкультуры «бурных шестидесятых» одновременно по настрою оказалась пророчески «последним фильмом», знаменующим «закат» целой эпохи «беспечных и прекрасных грез о свободе». Ленты 70-х годов более трезвы и горьки, но вряд ли они появились бы без влияния «Беспечного ездока» с его предсмертной романтикой. Эта картина также была отмечена премией за дебют в Канне.