Фильм «Остров» снял российский режиссёр Павел Лунгин в 2006 году.



Во время Великой Отечественной войны, в 1942 году, немцы захватывают советский буксир где-то на Севере. На борту корабля находятся шкипер Тихон и истопник Анатолий. Анатолию говорят, что он может спасти свою жизнь, если убьёт своего товарища. Анатолий стреляет в Тихона, и тот падает за борт. Немцы минируют корабль и оставляют на нём Анатолия. Однако, Анатолий выживает, и после взрыва его находят на берегу монахи. Анатолий остаётся в монастыре кочегаром...



Павел Лунгин одним из первых в современном российском кинематографе решил поговорить о вечной теме человеческого покаяния через призму православной символики, раздвигая узкие рамки веры в Бога и утверждая всеобъемлющую веру в Человека.



Кого-то может смутить антураж содержательной части фильма. О монастырях в новейшей истории у нас, кажется, ещё не снимали, на крупных планах не молились, экзорцизмом не занимались. В «Острове» это конечно не формальность, Лунгин снимал фильм о силе веры. В конечном счёте, режиссёр делал фильм о Человеке, всё остальное здесь, как минимум, вторично. Лунгин умело, порой даже слишком выпукло, демонстрирует привычную для каждого из нас антиномичность (у каждого она, естественно, своя). С одной стороны, отец Анатолий – целитель, мудрый старец, почти святой; с другой – предатель, дезертир, трус. Вот он – центральный драматургический конфликт «Острова».



Отец Анатолий в удивительно честном и пронзительном исполнении Петра Мамонова лечил только тех, кто понимал, что болен. Удовольствие от картины смогут получить только те, кто этого в хорошем смысле заслужил.

«Королевская битва» (Battle Royale) — фильм японского режиссёра Фукасаку Киндзи (Kinji Fukasaku), поставленный в 2000 году по одноимённому роману Таками Косюн (Takami Koushun).



А ты бы смог убить своего лучшего друга? Такого еще не было, но будет! Очень скоро! Родители лишатся работы, а дети выйдя из под контроля, учинят террор и массовый бойкот взрослым. Ответная мера: «Королевская битва» — санкционированная правительством жестокая игра, в которой неуправляемых школьников заставят участвовать под дулами армейских автоматов.



На необитаемом острове 42 подростка будут 3 дня безжалостно уничтожать друг друга, чтобы победить. Только одному игроку разрешено вернуться на большую землю живым. Невозмутимый распорядитель зловещей игры — школьный учитель Китано. Свое имя дал герою исполнитель этой роли всемирно известный культовый актер и режиссер Такеши Китано. Кровь льется рекой, но учитель Китано гарантирует не только соблюдение условий игры, но и ее условность. Юные герои гибнут, точь-в-точь как в компьютерной «стрелялке». Вот только мораль фильма не виртуальная. Из безумного электронного будущего она обращена в сегодняшний день.



Поскольку и у нас на телевидении на рубеже веков появилась игра под названием «Последний герой», где участники соперничали друг с другом, чтобы выжить на далёком тропическом острове, то и выход в прокат фильма «Королевская битва» японского режиссёра Киндзи Фукасаку оказался вполне своевременным. В этой ленте можно при желании увидеть параллели и переклички со знаменитой антиутопией Уильяма Голдинга «Повелитель мух» и двумя её экранизациями, осуществлёнными в 1963-м и 1990 годах. Хотя «Королевская битва» похожа, в большей степени, не на интеллектуальную притчу о самоуничтожении человеческой цивилизации, а на лихую компьютерную игру, типичную «стрелялку», отчасти и «бродилку».


Впрочем, фантастический допуск «Королевской битвы» воспринимается как вполне реальный в нынешних условиях — так что не зря бурно реагировал на эту ленту японский парламент, а цензура настояла на возрастном ограничении «до 15-ти» (в Великобритании — «до 18-ти», а в США картина вообще не вышла на экран). Вот если бы режиссёр-ветеран, 70-летний Киндзи Фукасаку, считающийся отцом жанра жестоких кинопроизведений о якудзе, не старался непременно понравиться подросткам, прибегая к понятной и близкой им компьютерно-комиксовой стихии, тогда его фильм смотрелся бы как страшный телерепортаж с места событий.



Фишка картины заключается так же в чётком контрасте касательно всего происходящего. — Максимально острые углы и близкие расстояния между настолько противоположными вещами не могут оставить равнодушным. Границ между такими явлениями как удача, и законами типа «выживает сильнейший» можно сказать нет, стёрты рамки между человечностью и дикостью, какие либо правила расплывчаты до отсутствия. Во время просмотра видишь, насколько всё-таки пустячна наша жизнь, и одновременно осознаёшь, насколько дорога. — Люди в «Королевской битве» умирают как мухи, но до этого ты успеваешь рассмотреть в них себе подобного.

«Лицо со шрамом» (Scarface) — криминальная драма американского режиссера Брайана Де Пальмы (Brian De Palma) снятая в 1983 году.



Ремейк фильма 1932 года Хоурда Хоукса с Полом Муни в главной роли с учетом современных реалий. Фидель Кастро выгнал с Кубы вместе со своими политическими противниками преступников и наркоманов. Все они прибыли в США. В центре сюжета амбициозный уголовник Тони Монтана (Аль Пачино), осевший в Майами, позже сделавший головокружительную карьеру торговлей наркотиками на новой родине. О его взлёте и падении рассказывает этот фильм.



В мае 1980 Фидель Кастро открыл Мариельскую гавань на Кубе, намереваясь отпустить некоторых своих сограждан к родственникам, проживающим в США. Через 72 часа 3000 американских судов были направлены к Кубе. Вскоре стало очевидно, что Кастро заставлял владельцев судов брать с собой не только родственников, но и уголовников. Из 125 тыс. добравшихся до Флориды 25 тыс. имели судимости.



Главный герой фильма - кубинец Тони Монтана (Аль Пачино) - именно такой преступник, который волей случая попал в Америку в качестве "политического беженца". Тони очень хотел попасть в Америку. Он верил в Америку и был убежден в том, что эта страна даст осуществиться всем его мечтам. Правда, мечты у Тони довольно своеобразные - несложно догадаться, о чем может мечтать преступник и убийца, но, как ни странно, Америка действительно дала Тони все, о чем он мечтал.



Очень сильный фильм, который считается одним из лучших творений Де Пальма. В нем совершенно замечательно соединились: великолепный сценарий Оливера Стоуна, безусловное мастерство режиссера (финальная сцена в доме Монтаны потом много раз копировалась другими постановщиками), работа продюсера Мартина Брегмана (он продюсировал все предыдущие фильмы с Аль Пачино, за которые тот получил номинации на "Оскар", начиная с "Крестного отца"), очень запоминающийся саундтрек композитора Джорджо Мородера, но главное - гениальная актерская работа великого Аль Пачино. На мой взгляд, криминальных драм такого уровня было снято очень мало, и "Лицо со шрамом" стоит одной из первых в списке лучших представителей этого жанра.  



Тони Монтана получил имя в честь любимого футбольного игрока Оливера Стоуна — Джо Монтаны. Слово «fuck» использовано в фильме 218 раз. В заключительной сцене фильма в одном из моментов Аль Пачино хватается за дуло автомата, несмотря на то, что на съёмках были использованы холостые патроны, ствол был настолько раскален, что, схватившись за него, Пачино получил серьезный ожог руки, вследствие чего съёмки пришлось приостановить на несколько недель. Оливер Стоун написал сценарий фильма, борясь с кокаиновой зависимостью. Фильм посвящен Бену Хехту (сценарист) и Говарду Хоуксу (режиссер оригинального фильма "Лицо со шрамом" 1932 года). Фильм три раза получал рейтинг «X», после чего Брайан Де Пальма пригласил группу экспертов, в которую вошли агенты по борьбе с наркотиками, по заявлению данной экспертной группы «Лицо со шрамом» — точное изображение реальной жизни, поэтому фильм заслуживает более мягкого рейтинга, заявление экспертной комиссии смогло убедить 20 членов комиссии по рейтингам кинофильмов, они согласились выставить фильму рейтинг R (18 голосов «за», 2 «против») и в итоге поцензуренная версия мало чем отличалась от первоначальной версии, поэтому Де Пальма решил ничего не менять и выпустил на экраны оригинальную версию. Количество трупов в картине: 42. До сих пор никто не может точно сказать — нюхал ли Пачино настоящий кокаин или это был муляж, Пачино не раз задавали этот вопрос, но он всегда отвечал очень уклончиво. Одним из прототипов Тони Монтаны был сам Аль Капоне, у Капоне на лице тоже был шрам и он был также жесток.

«Хвост машет собакой» или "Плутовство" (Wag the dog) — драматическо-солипсический фильм в жанре политической сатиры, снятый в 1997 году американским режиссером Бэрри Левинсоном (Barry Levinson) по мотивам книги "Американский герой" Лэрри Байнхарта (Larry Beinhart).



Президентские выборы в США на носу, а опросы общественного мнения показывают, что популярность президента стремительно падает. Команде главы государства надо срочно действовать, дабы отвлечь внимание общественности от адюльтера в Белом доме (фильм снимался за два года до скандала с Биллом Клинтоном и Моникой Левински). Нужно выиграть всего несколько дней. Тогда советник президента Конрад Брин (Роберт Де Ниро) решает прибегнуть к помощи профессионала — кинопродюсера Стенли Моттса (Дастин Хоффман). Быстро придумывается угроза некоей албанской террористической группы (несуществующая в реальности) и таким образом обосновывается необходимость вовлечения США в войну. Моттсу объясняют общие черты того, какое должно возникнуть представление о событиях у обычного американского гражданина, и дальше тот разыгрывает всё как по нотам. Снимаются постановочные патриотические военные ролики, псевдоинтервью и даже песни о солдатах выдуманной войны.



В общем, большая всемирная история, в которой нас постоянно поражает соразмеренность и слаженность именно в тот момент, когда всему уже давно пора развалиться, - так вот, эта история творится не богами, которые горшки обжигают, а обыкновенными профессиональными мужчинами. И не на полях битв она творится, а пишется на коленках, в данном случае - заскорузлых коленках провинциального политтехнолога Роберта Де Ниро и холёных коленках голливудского кинопродюсера Дастина Хоффмана.



Просто удивительно, как многое в фильме угадано. Допустим то, что «будущее за войнами, вызванными возможностью террористической атаки». Особенно если вспомнить - тогда самолеты еще не пронзали здания торгового центра и не началась первая военная кампания против Ирака. Настоящее откровение, честно вам говорю.



В этом и заключается основная ценность фильма - он сказал достаточно правды, ранее спящей в тени. Поэтому, прежде чем восхищаться каким-то политиком или идти на выборы, посмотрите «Плутовство». Сразу же многое прояснится.

«Зов Ктулху» (The Call of Cthulhu) — фильм, созданный в 2005 году американским режиссером Эндрю Леманом (Andrew Leman) и группой поклонников Говарда Лавкрафта (Howard Lovecraft) по одноимённому произведению писателя. Фильм стилизован под немые черно-белые фильмы 20-ых годов. Помимо этого применена особая технология — мифоскоп — для создания иллюзии древности фильма.



Безымянный главный герой рассказывает историю своего столкновения с культом Ктулху. Все началось с того, что двоюродный дед оставил ему странное наследство - плоды своих долгих изысканий, тщательно описанные несколько случаев столкновения с неизведанным. По сути, весь фильм - это ряд различных историй, проникающих друг в друга, череда историй разных людей, в каждой из которой есть что-то страшное. Тут и история странных и страшных снов молодого художника Уилкокса , и инспектора Леграса , столкнувшегося с деятельностью почитателей Ктулху в глубине болот, и моряка Йохансона, побывавшего на острове Р`лайх.



Сюжет звучит интригующе для того, кому не безразлично творчество Лавкрафта. Однако самое большое удовольствие доставляет не то, что сняла команда HPLHS (не столько кинокомпания, сколько аббревиатура Исторического Общества Г.Ф.Лавкрафта), сколько КАК это сделано. Дело в том, что размышляя над тем, как лучше всего экранизировать мастера, создатели фильма пришли к выводу - что лучшим выходом будет снимать псевдо-немой фильм. И соответствует духу эпохи (именно такой бы ГФЛ увидел бы прижизненную экранизацию собственных творений), и по бюджету подходит (понятное дело, что никто мало-мальски серьезных денег на подобный проект не выделил бы). В итоге фильм был снят за 50 тысяч долларов - личные деньги режиссера Лемана и сценариста Брэнни (Sean Branney). За что им огромное спасибо и низкий поклон, т.к. фильм получился просто изумительным (и взял два основных приза на ежегодном фестивале лавкрафтианского кино).



То, что мы видим на экране - это абсолютно классическая кинематография. Немое черно-белое кино, снятое в 2005 году - уже звучит очень странно и необычно. Стилизовано в фильме абсолютно все - и заставки, и манера съемок, и драки с прочими сценами действия. Актеры изображают различные сильные чувства в манере 20-ых годов. Стилизация настолько убедительная, что думаю человек 20-ых годов вполне бы воспринял фильм как нечто родное, из своей эпохи. Только по-современному цепляющее, завораживающее и атмосферное. Потрясающая фоновая музыка (и только музыка, при этом ничего современного в ней нет) очень удачно создает атмосферу. Да и происходящее на экране завораживает. Это самая удачная попытка передать лавкрафтианский дух на экране, что я когда-либо видел! Влияние немецкого экспрессионизма на декорации более чем очевидно - именно в этом стиле создан ужасный Р`лайх. Вообще с визуальной точки зрения авторы решили не отходить от духа (и возможностей) времени, никаких компьютерных спецэффектов - только натуральные, немного нарочито примитивные декорации (особенно это касается самого двигающегося Ктулху).



Это самая удачная, близкая к духу произведений писателя, экранизация Лавкрафта. Учитывая, что она еще и новаторская, это делает "Зов Ктулху" просто шедевром. Смотреть на эту удивительно точную стилизацию, видеть в кино своеобразный, со странными углами Р`лайх, чувствовать как обволакивает сюжет фильма, это просто потрясающе. И такие мелочи, как несколько отличных фигурок Ктулху, изогнутые и покрытые мхом ветви болотных деревьев, добавляют фильму нужную убедительность и атмосферу. Возможно фильм воспримут далеко не все - все же для этого нужно минимально знать немного и черно-белое кино, и вообще воспринимать его (а то у некоторых современных зрителей на черно-белый экран просто аллергия). Нужно любить лавкрафтианский дух, которым фильм пропитан насквозь.



Фильм снят цифровой камерой, а затем искусственно состарен, дабы выглядело так, будто он восстановлен с ветхой пленки восьмидесятилетней давности. Авторы придумали и название этому процессу киносъемки — "Мифоскоп". Музыка дается на диске в двух вариантах — РСМ и сжатый звук, обработанный таким образом, чтобы казалось будто он исходит из допотопных динамиков. Теперь к моно, стерео, квадрофонии и прочим долби-сёрраундам добавилась новая звуковая система — "Мифофонический звук". Самого Ктулху анимировал мастер спецэффектов Терри Сэндин, создавший глюкоящериц для "Страха и отвращения в Лас-Вегасе" и всякую нечисть для "Ван Хелсинга".

«Битлджюс» или "Жучиный сок" (Beetlejuice) — американский игровой, фантастический, мистический, комедийный фильм в 1988 году снял великий готический сказочник Тим Бёртон (Tim Burton).



История начинается, когда молодая пара, Адам (Алек Болдуин) и Барбара (Джина Дэвис) Мэйтленды, берут три недели отпуска, в надежде зачать ребёнка. Но их планам не суждено сбыться из-за несчастного случая. Теперь они привидения в собственном доме в городе Мэйтленд (штат Коннектикут). Сестра Барбары Джейн Баттерфилд продаёт дом нью-йоркской семье Дитц, глава которой Чарльз (Джеффри Джонс) решил сменить обстановку после нервного срыва. Другие члены семьи - дочь Лидия (Вайнона Райдер) и его новая супруга Делия (Кэтрин О'Хара) - скульптор-авангардист, находящаяся под сильным влиянием дизайнера по интерьерам Отто (Гленн Шэдикс).С подачи Отто коттедж сразу же подвергается перестройке. Это естественно не нравится бывшим хозяевам дома. Однако все попытки Адама и Барбары самостоятельно изгнать новых жильцов, напугав их, не принесли успеха, так как живые не ХОТЯТ видеть мёртвых.



В поисках управы на неприятных "живых" Мэйтленды обращаются за помощью к «специалисту по экзорцизму живого» — Беттельгейзе (или, как он сам себя называет, Битлджусу) (Майкл Китон), сразу же пожалев об этом. Интересно, что куратором супругов является некая Джуна, бесконечно курящая и выпускающая дым через перерезанное горло холеная старушенция. Старушенция предостерегает относительно Битлджуса, сообщая, что от него больше проблем возникнет, нежели решится. А также доводит до сведенья всех заинтересованных, что ранее — до низвержения — Битлджус был ни кем иным, как ее помощником. Какой громоздкий гротеск на тему сверженного с небес Люцифера! И действительно: Битлджус — при определенном могуществе — оказывается обладателем многочисленных пороков, обаятельным треплом и любителем театральных эффектов, плюс к этому постоянно стремится ввязать всех окружающих в какие-то сомнительные сделки. Как и положено чёрту.



Человеческие представления о загробной жизни настолько скудны, пугающи и противоречивы, что остается только радоваться тому обстоятельству, что мы наделены способностью смеяться над своими страхами. Тим Бартон, как я полагаю, умеет это лучше прочих, иначе откуда взяться в его творчестве стольким вариациям на тему afterlife? Под фирменное тревожное "умпа-умпа-умпа-умпа" мы снова открываем залистанный альбом под названием Betelgeuse (так как настоящее имя нельзя ни писать, ни называть), и мгновенно погружаемся в фантасмагорию, где повествование не заканчивается смертью главных героев, как положено, а наоборот — начинается с нее.



Уже во второй полнометражной режиссерской работе 30-летнего Тима Бертона в полной мере определились главные составляющие его индивидуального авторского стиля. Beetlejuice — это мистико-сатирическая черная комедия, смесь из почти детской мечтательности и весьма специфического декадентского юмора, пародирующего фильмы ужасов. Добавим сюда изощренные (на тот момент) спецэффекты и предрасположенность постановщика к гротеску, как в декорациях, так и в работе с цветом, что обнаруживает связь фильма с комиксами и одновременно делает его похожим на анимацию.

«Мой друг Иван Лапшин» — режиссёр Алексей Герман, фильм снят в 1982 году по повести Юрия Германа.



История начальника уголовного розыска города Унчанска, Ивана Лапшина (в главной роли - Андрей Болтнев), короткий кусочек его жизни и его друзей, товарищей и знакомых, воспроизведен как увиденный и "вспомненный" мальчиком. В нём нет ничего привычно героического. Несмотря на ужас бессмысленных убийств, Лапшин знает, что в состоянии что-то исправить на этой земле. Характеры людей, "особенности" быта тех лет прорисованы с мельчайшими подробностями тонким операторским и режиссёрским карандашом.



Герман, как и многие другие служители муз, творил о детстве. Самая эфемерная пора, судьбоносная в жизни каждого и в какой-то момент надо осмыслить её, что уверенно идти в будущее. Снято все это в завораживающем гиперреализме - смотрится реальнее реальности. Фильм очень автобиографичен, с комбинированной съемкой цветной камерой и черно-белой. Фильм показывает истоию не только рассказчика, но и целой Эпохи. Удивительный фильм.

«Любовное настроение» (In the Mood for Love) — артхаус-мелодрама, снятая гонконгским режиссером Вонгом Карваем (Wong Kar Wai) в 2000 году.



Герои этого маленького шедевра Су и Чоу снимают в доме соседние комнаты. Их супруги все время в отлучке. Мы никогда не увидим их. Чоу узнает сумочку Су, подаренную ей мужем. У его жены такая же. А Су узнает галстук Чоу, подаренный ему женой. У ее мужа такой же. Без слов понятно, что их супруги изменяют им друг с другом. Что остается героям фильма? Мстить? А может просто окунуться в сладкую музыку любовного настроения?



В этом фильме используются два нестандартных художественных приёма: кажущийся повтор похожих сцен и отрывки, которые выглядят одной сценой, но на самом деле являются коллажем из многочисленных встреч главных героев. Спасибо за это оператору Кристофер Дойлу. Эти приёмы создают у зрителя впечатление, что два главных героя повторяют одни и те же действия каждый день в течение очень долгого времени. Однако, если внимательно следить за платьями ципао, в которые одета Мэгги, можно заметить, что в каждом новом кадре в этих сценах на ней надето новое платье. Очевидно, что это не одна сцена, переснятая много раз, а отдельные самостоятельные дубли, каждый с новыми костюмами и новым гримом.



Этот фильм — хорошая иллюстрация к общеизвестному правилу: убери всё лишнее из действа и дивись, сколь обогатил ты его своим намеренным бездействием. Строго говоря, в этом и заключается суть любого творчества — не допускать ненужных движений. Вся проблема в правильной идентификации той шняжки, которая мешает. кто бы мог подумать, что, убрав из истории о возникновении чувств между мужчиной и женщиной койку, автор достигнет такого эффекта. Ведь постель здесь вычеркнута не из кадра, но из самого действия. Из взаимоотношений. Но такая трактовка развития событий не вызывает ни вполне оправданного раздражения, ни отторжения.



Вонг Карвай снимает мало, но качественно и со всей серьезностью. «Настроение» — седьмой фильм режиссера, снятый после мощнейших историй «Чугкинкского экспресса» (1995), «Падших ангелов» (1996) и «Счастливы вместе» (1997). Отправной точкой для почти всех картин служат взаимоотношения между героями. Уровень отношений между ними маркируется в понятиях дружбы, любви, зависимости и измены. Сюжет практически отсутствует, он лишь намечен пунктирной линией, чтобы за перипетиями истории не потерять главного для Карвая: героев и атмосферу.



Герои Карвая всегда одиноки. В его философии двум героям невозможно быть вместе, но можно влюбиться, чтобы обладать своей тайной. Любовное настроение — это умение уважать таинство любви. Вонг Карвай ввел в моду платоническую любовь. Любовное настроение — выражение желание, которое не может быть удовлетворено и поэтому сохраняет свою силу. Все, что было в прошлом, ушло. Это больше не существует. Он вспоминает эти ушедшие годы, будто смотрит в плохо вымытое мутное оконное стекло. Вроде что-то видно, но расплывчато и неясно. Прошлое — это нечто, что можно мысленно увидеть, но невозможно коснуться.

«Матч-пойнт» (Match Point) — драматический триллер американского режиссера Вуди Аллена (Woody Allen) снятый в 2005 году в Великобритании.



Фильм повествует о бывшем теннисисте-профессионале Крисе Уилтоне, который после знакомства с семьёй богатых аристократов Хьюитов начинает делать быструю карьеру в высшем британском обществе. Матч Пойнт (Match Point) – ситуация в большом теннисе, когда для победы одной из сторон нужно выиграть решающий мяч. Подобных ситуаций у Криса Уилтона было много. Он – бывший теннисист, добившийся на этом поприще серьёзных результатов. Завершив спортивную карьеру, Крис устраивается инструктором в спортивный клуб, где знакомится с Томом Хьюитом – сыном богатых родителей. Встреча с сестрой Тома Клои вносит в размеренную жизнь Криса серьёзные изменения. Он попадает в высшее общество. Новая высокооплачиваемая работа, дорогая машина, личный шофёр, шикарная квартира – и всё это после женитьбы на Клои. Однажды Том представляет Криса своей подруге Ноле – американке, приехавшей в Лондон попытать счастье на актёрских прослушиваниях. Это знакомство станет судьбоносным как для него, так и для неё.



Вообще-то "Матч Пойнт" - картина непробиваемо серьезная, не похожая на болтливого Вуди Аллена. Тут никто не хохмит. Мужчины совершают Поступки и кусают в отчаянии кулаки. Американская красотка Скарлетт Йоханссон много и с удовольствием истерит, особенно ближе к развязке.



На протяжении двух часов Аллен дискутирует о нравственности с большими писателями, включая Достоевского и Теккерея. Дело Раскольникова тут не просто всплывает в кадре в виде книжки, а еще и копируется "в ноль" (будет даже старуха-процентщица!). Роман же британских разночинцев с высшим светом аккуратно списан с "Ярмарки тщеславия". Но в итоге, Аллен ловко щелкает оппонентов по носам. Его проныра-тренер, бедный, но хваткий парень с амбициями - образ архетипичный, такой часто вышагивал по страницам. Он не подонок, иногда мается сомнениями, но и не злоупотребляет ими: просторный дом и лимузин с водителем важнее духовной чистоты. Сто-двести лет назад таких вот ушлых, циничных героев карало божественное (и не только) правосудие - например, каторгой. Но режиссер растолковывает литераторам: мол, справедливость ваша устарела, а Провидение сменило клуб. Аллен - на стороне проныры. Не столь принципиально, какими методами тот долбит себе нишу в обществе. Черт с ними, с руками - была бы чистой обувь!



По сути «Матч Пойнт» это фильм о судьбе, о везении и случайности в жизни. Чтобы проиллюстрировать законы случайности и везения вполне достаточно очень простой истории об обычном и даже не амбициозном парне из Ирландии, которому случайно повезло устроиться в жизни. Возможно, не самым красивым «американским» способом – много работай, терпи невзгоды и будет тебе счастье. И зрители рады за него – потому что в душе мы понимаем что «Великая Американская Мечта» не более чем миф. А потом парню не повезло. И зрители понимают его – потому что такое могло произойти с каждым, ведь ничего невероятного его истории нет. А потом следует третий акт пьесы Алена, логический разбитый на два действия. И тут уже единого мнения и единой реакции быть не может – каждый решает сам для себя. Матч-пойнт. Мячик задел сетку и завис в воздухе – куда он упадет, не известно. На твою сторону – ты проиграл, но не потому что ты плохой игрок, а потому, что тебе не повезло. На сторону противника – ты выиграл, но от тебя это не зависело.



Это самый длинный фильм Аллена - его продолжительность 124 минуты. Премьера фильма состоялась на Каннском кинофестивале 2005 года. В начале фильма Крис Уилтон читает «Преступление и наказание» Фёдора Достоевского, а вскоре после знакомства с Нолой Райс — Августа Стриндберга. Сюжет фильма перекликается с сюжетом романа Теодора Драйзера «Американская трагедия» (1925). В одной из сцен фильма герои отправляются в кинотеатр на картину Уолтера Саллеса «Дневники мотоциклиста» (исп. Diarios de Motocicleta) о молодом Че Геваре. В фильме звучит музыка Жоржа Бизе, Гаэтано Доницетти, Джузеппе Верди, Джоаккино Россини, Эндрю Ллойда Уэббера и Карлуса Гомеса. Возможно, фильмы Алена не для широкой аудитории, что бы он не снимал, возможно среди его фильмов есть и такие которые даже самые большие знатоки не оценили, однако «Матч Пойн» работа очень сильная и цельная для абсолютно любого режиссера в любом возрасте – жизненном и творческом.

«Сука любовь» (Amores perros) — драма, снятая мексиканским режиссером Алехандро Гонсалесом Иньярриту (Alejandro Gonzalez Inarritu) в 2000 году.



Фильм о любви и смерти, о некоторой взаимосвязанности всех вещей в мире. Мехико, наши дни. Автомобильная авария связывает героев трёх различных историй. Каждая из историй рассказывает о том, насколько жестокими бывают люди по отношению к животным и друг к другу и какой мрачной от этого может стать их жизнь.



Сюзанна и Октавио. Октавио влюблен в Сюзанну, жену своего брата Рамиро, он мечтает накопить денег и уехать из города вместе с Сюзанной и её ребенком. Для этого он решает привлечь своего пса Кофи к участию в незаконных собачьих боях.



Даниэль и Валерия. Валерия — красивая фотомодель — встречается с Даниэлем, который подумывает о том, чтобы уйти от своей жены и начать совместную с Валерией жизнь в новой квартире. Валерия попадает в автомобильную аварию и получает серьёзную травму ноги, что означает конец её профессиональной карьеры.



Эль Чиво и Мару. Эль Чиво — бывший повстанец, отсидевшей 20 лет в тюрьме, живущий в лачуге вместе с собаками и подрабатывающий заказными убийствами — безумно любит свою дочь, которая думает, что он умер, и надеется на то, что она узнает его.



В каждой из трёх историй участвуют суки (собаки) — исп. perros. Сцена автокатастрофы одновременно снималась девятью камерами, включая две на крышах и одну скрытую камеру в мусорном баке; водитель-каскадёр был в черном автомобиле, в то время как в автомобиле-модели была аниматронная кукла с дистанционным управлением. В отличие от большинства фильмов предупреждение о том, что никакие животные не пострадали в ходе съёмок, идёт в начале фильма, а не после финальных титров. Алехандро Гонсалес Иньярриту снялся в камео роли во втором эпизоде фильма — он один из журналистов в офисе, где работает Даниэль. Телевизионные передачи, показанные в фильме, являются ранними работами Иньярриту на телевидении. "Чёрный" (исп. Negro) — кличка, которую Эль Чиво даёт своему псу в конце фильма — известный псевдоним режиссёра фильма. Водитель автобуса, спрашивающий Октавио о том, готов ли он ехать, является отцом Гаэля Гарсия Берналя, сыгравшего роль Октавио.