Фильм «Последнее танго в Париже» (Ultimo tango a Parigi) — снят Бернардо Бертолуччи (Bernardo Bertolucci) в 1972 и является культовым романтико-эротическим кинофильмом.



Пронизанная грустью, чувственная атмосфера развивает сюжет "Прощальное танго в Париже", самого противоречивого фильма эпохи, номинированного на две премии Американской Киноакадемии, излучающего мощную сексуальную энергию, как никакой другой фильм, снятый до или после него. Блистательная современная классика, шокировавшая всю Америку и изменившая сущность искусства в целом. Он (Марлон Брандо) - живущий в Париже 45-летний американец, тяжело переживающий самоубийство жены. Она (Мария Шнайдер) - привлекательная 20-летняя парижанка, помолвленная с молодым кинорежиссером. Даже не зная имен друг друга, эти истомившиеся ожиданием люди, спешащие утолить свою сексуальную жажду, отправляются в пустующую квартиру, напоминающую их собственное сумрачное и неприкаянное существование. Отдавшись исступляющему танцу совокупления, они уже не в силах остановиться. Странные любовники доводят свои страсти до самых высот - и глубин - наслаждения, за пределы всего того, что им когда-либо дано было испытать...



Вместо набившего оскомину любовного треугольника Бертолуччи предлагает зрителю куда более сложную фигуру. Всё окружение почившей супруги невыносимо Полу на физиологическом уровне, но сложно просчитать по какому критерию видёться отбор. Он кричит на свою тёщу, и в то же время, спокойно, без шумного выяснения отношений, общается с любовником жены. Единственное, что хоть как-то может пробудить в нём интерес к жизни, это Жанна. Они станцуют своё танго. Пьяные, счастливые и, одновременно, очень одинокие.



Фильм Бертолуччи совершил революцию в кино. Это в самом деле первый фильм, где адекватно была отражена сексуальная тематика. Не тема любви, а именно секса, с соответствующим видео- и звукорядом. Сейчас это выглядит анекдотично, но в советские времена за "несанкционированный" просмотр "Последнего танго в Париже" давали срок. Если картина и упоминалась в отечественной прессе, то не иначе, как порнографическая. Да и в самой Италии после непродолжительного кинопроката фильм был запрещён цензурой, что впрочем, не помешало сделать внушительные кассовые сборы и снискать восторг критики за рубежом. Как всегда, истина где-то посередине. Безусловно, Бертолуччи снял очень смелую картину, появление которой не могли не заметить пуритане и моралисты, уж слишком открыто в ней показывалась, если не провозглашалась, раскрепощённая сексуальность, идущая в разрез со всеми этическими устоями современного общества. И обвинить режиссёра во всех смертных грехах было куда проще, чем увидеть то, что скрывается за всеми этими сценами, а именно человеческая беспомощность, страх и неудовлетворённость. Именно по этой причине "Последнее танго в Париже" до сих пор продолжает волновать зрителя, ставя вечные вопросы о сущности человеческой жизни, ответы на которые даются с поправкой на время.

«Полет над гнездом кукушки» (One Flew Over the Cuckoo's Nest) — культовый кинофильм Милоша Формана (Milos Forman), экранизация одноимённого романа Кена Кизи - 5 премий «Оскар» (лучший фильм, лучшая режиссура, лучшие актёр и актриса в главных ролях, лучший адаптированный сценарий), а также 28 других наград и 11 номинаций, премьера фильма состоялась 19 ноября 1975 года.



Преступник Рэндл Патрик Макмёрфи (Джек Николсон) попадает в тюрьму на небольшой срок. Чтобы отдохнуть от тюремного труда, он симулирует умопомешательство и его переводят в психиатрическую клинику для обследования. Свободный духом, оригинальный, с горячей кровью в жилах и бойкий на язык бунтарь наслаждается кажущейся свободой в компании очаровательных психов и надеется провести так весь остаток своего заключения. Но постепенно он понимает, насколько несвободны пациенты клиники и как их подавляет старшая медсестра Милдред Рэтчед (Луиза Флетчер), установившая в отделении строгий распорядок и неукоснительно требующая его соблюдения.



Этот фильм был снят по роману Кена Кизи, ставшем культовым для поколения 1960-х и повествующем о бунте внутренне свободного человека против тоталитарной системы. Но ради правдоподобия Форман выдвинул на первый план Макмёрфи, вытеснив рассказчика романа — гигантского индейца «Вождя» — на второй план. Кен Кизи был очень недоволен экранизацией, в частности, именно тем, что в фильме отсутствует «рассказчик», которым в романе является Вождь Бромден.



Форман также убрал некоторые особо жёсткие сцены из романа — в книге, например, описывается, как сестра Рэтчед затыкала сумочкой рот Вождю, когда его били санитары. Очень оригинальным решением Формана явилась съёмка настоящих пациентов психбольницы из Орегона вместо актёров в несложных ролях; пациенты выглядят очень органично. Но главная изюминка фильма — это, конечно, блистательная игра актёров в главных ролях. Джек Николсон сыграл одну из своих лучших ролей в этом фильме. Его игру критики называли гениальной. Так же блистательна игра Луизы Флетчер в роли медсестры Рэтчед. Созданный ею образ деспотичной медсестры стал одним из самых ярких образов тоталитаризма и подавления свободы в мировом кинематографе вообще. Некоторые сцены фильма по своему содержанию могут показаться неестественными, например, когда группа пациентов едет в автобусе, разглядывая мир, о котором они почти позабыли, — но Форман при этом не заостряет углы, поэтому безусловная трагедия у него получилась очень лёгкой и трогательной, лишь временами проявляя жёсткость и напряжение. Этот ставший классикой фильм до сих пор пользуется заслуженной популярностью и у критиков, и у зрителей.

«Заводной апельсин» (A Clockwork Orange) — культовый кинофильм режиссёра Стенли Кубрика (Stanley Kubrick), снятый в 1971 году - экранизация одноимённого романа Энтони Бёрджесса, 4 номинации на «Оскар», всего 5 наград и 16 номинаций. Фильм состоит из размышлений о сущности человеческой агрессии на примере подростковой жестокости, о свободе воли и об адекватности наказания. Премьера состоялась 19 декабря 1971 года.



События фильма происходят в недалёком будущем. В фильме рассказывается о судьбе подростка Алекса (Малкольм Макдауэлл). Алекс очень любит слушать Бетховена, насиловать женщин и совершать акты «ультранасилия»: избивать бездомных, врываться в приличные дома и грабить жильцов, драться со сверстниками. Этот фильм, вызвавший в своё время культурный шок и ставший культовым, в полной мере отражает художественный стиль Стенли Кубрика и пронизан характерной для Кубрика мизантропией и пессимизмом. Пугающий и провокационный по содержанию, «Заводной апельсин» затрагивает сложную тему зла и насилия в современном обществе. Имеет ли государство и общество право лишать человека свободы воли, пусть даже в целях наказания и исправления? Может ли человек, личность, лишённая свободы воли, ставшая похожей на заводной апельсин, символизировать собой победу современных технологий над злом? Но наряду с социальными вопросами, в фильме глубоко затронута и природа человека. Откуда исходит агрессия? Каков человек без свободы воли? Как может садизм сочетаться с тягой к прекрасному, к музыке Бетховена, например?



Визуальный ряд и композиция кадра в этом фильме считаются неповторимым авторским почерком Кубрика. Чтобы подчеркнуть бунтарский характер фильма, Кубрик свёл работу камеры до самых простых движений: работы трансфокатора, горизонтального движения (особенно знаменита начальная сцена дома у писателя-оппозиционера) и лишь нескольких панорамных кадров. В фильме также очень интересно прослеживается переход от сюрреализма в начале к реализму в середине и конце, и снова к сюрреализму в заключительной сцене. В этой заключительной сцене фильма Алекс занимается сексом с женщиной в окружении аплодирующих джентльменов викторианской эпохи. Это символизирует, что агрессия Алекса принята обществом, и что Алекс теперь будет сеять зло, опираясь на политиков, а не на преступников.



Странное название «Заводной апельсин» должно вызывать у зрителя ассоциацию с чем-то очень странным внутри, но заурядным снаружи. Это метафора человеческой природы. Энтони Бёрджессу фильм понравился, он яростно защищал его от разных обвинений и нападок, но потом Бёрджесс обиделся и сказал, что Кубрик просто использовал его для создания пиара своему фильму. До того, как проектом занялся Стенли Кубрик, на роли Алекса и его банды планировались музыканты группы The Rolling Stones. После обвинений в пропаганде насилия и после того, как ему стали приходить анонимные смертельные угрозы, Кубрик изъял фильм из проката в Великобритании спустя год после премьеры, запрет держался вплоть до 1999 года, до самой смерти режиссера. Сообщалось о нескольких реальных фактах подражания героям фильма, воплотившихся в реальных актах подросткового насилия, писали, что насильники напевали «Singin' In The Rain» во время преступлений. Малкольм Макдауэлл претерпел много страданий во время съёмок: в одной из сцен у него оказались сломаны рёбра, в другой сцене ему повредили глаза, а в сцене топления Алекса его дружками Макдауэлл чуть не задохнулся из-за поломки дыхательного аппарата.



Несмотря на многочисленные упрёки и обвинения "Заводной апельсин" является признанным эталоном в жанре фантастического реализма. Михаэль Ханеке, Оливер Стоун, Матье Кассовиц, Вим Вендерс - все эти режиссёры не раз возвращались и использовали в своих фильмах архетип Алекса Де Ларджа, тем самым доказывая риторичность вопросов поставленных Кубриком.

«Сталкер» — фантастический фильм, режиссер Андрей Тарковский, СССР, фильм снят в 1979 году по мотивам повести «Пикник на обочине» Аркадия и Бориса Стругацких. Фильм завоевал Специальную премию экуменического жюри, премии ИНТЕРФИЛЬМ и ОСИК на XXXIII МКФ в Каннах в 1980 году, Приз Лукино Висконти, Италия, 1980, Приз ФИПРЕССИ на II МКФ научно-фантастических фильмов в Мадриде в 1981 году, Премию критики на I фестивале фестивальных фильмов в Триесте в 1981 году.



Фильм Сталкер снимался в окрестностях Таллина (Эстония) в 1977—1978 гг. Команде, которая создавала картину, пришлось столкнуться со значительными трудностями. Братья Стругацкие в общей сложности написали около восьми вариантов сценария ни один из которых, в сущности, не устраивал режиссёра. Рабочее название сценария было «Машина желаний». По этим вариантам сценария в 1977-м году была снята первая версия фильма, где по отзывам Стругацких Кайдановский играл крутого парня Аллана (близкого по духу к герою «Пикника на обочине» Рэда Шухарта). Однако при проявке фильма произошла трагедия, весь отснятый материал фильма погиб в проявочной машине. И Тарковский отснял фильм заново, по совершенно другому — последнему — варианту сценария под названием «Сталкер», где Кайдановский сыграл юродивого. Этот вариант полностью устроил режиссёра и стал финальным.



Фильм «Сталкере» сочетает ясность и простоту формы, свойственные традиционной притче со сложностью и философской глубиной мысли. Внешний сюжет - путешествие в Зону, в которой есть волшебная комната, где исполняются все желания. Причём может исполниться только то, что человек действительно желает в глубине души, порой даже не подозревая об этом. Но позже выясняется: сам Сталкер не знает, что происходит с его спутниками дальше, после посещения Зоны: обретают ли они искомое счастье и удовлетворение, исполняются ли их желания? И вообще существует ли волшебная комната на самом деле? За сюжетом обнаруживается глубокий метафорический подтекст. Поиски счастья - это поиски веры. В волшебную комнату верит только тот, кто способен в неё поверить, и счастье никто не принесет на тарелочке, всего нужно добиваться своими усилиями. И за эти усилия надо платить, на земле точно не будет счастья, счастье и несчастье - внутри человека.

"Я знал, что она в опасности. Вот только она не знала, что опасность- это я."

Джим Керри- уникальный актер. Долгое время он, признаться, скрывался под маской эдакого дурачка- неудачника с неподражаемой мимикой. Он- комик. И он умеет смешить. Но он- не актер одной роли. Сегодня я посмотрел фильм "23" с его участием. Я узнал нового Джима, серьезного Керри. Это его фильм. Это его если не триумф, то настоящие лицо. "23"- кино одного актера. Оно держится на роли того, кто сыграл ранее простачка в "Маске" и откровенного идиота в "Тупом и еще тупее". Джим Керри неподражаем. Он играет, а ты, как зритель, играешь с ним. Играешь в его игру. В игру с числами. В игру, от которой то бросает в дрожь, то ты судорджно кусаешь ногти, высчитвая сколько букв в названии отеля( а там 3 слова, 15 букв, в последнем 2 мигают, а 3 ярко светятся= 23). Ты считаешь цифры в номере автомобиля и удивляешься, почему в сумме выходит 22. Фильм манит. Фильм держит мертвой хваткой, если подойти слишком близко. В нем много "олдскула". В нем много заимствований из дешевых детективов прошедших лет. Порой в игре актеров много фальши, наиграности. Но ты понимаешь, что так и должно быть. Никак иначе. Если мертва блондинка, то обязательно ее труп найдут на огромной кровати, а волосы слегка прикроют невинное личико с ярким макияжем. Если найден подозреваемый, то убийца не он. Если.... В фильме много если. И много 23. Мало, пожалуй, мало только атмосферной музыки. Но это лично мое мнение. Сомнений в том, что фильм удался- нет. Как больше у меня нет сомнений, что Джиму Керри еще только предстоит сыграть свою лучшую роль.

«Апокалипсис сегодня» (Apocalypse Now) — кинофильм о войне во Вьетнаме снятый Фрэнсисом Фордом Копполой (Francis Ford Coppola) по мотивам новеллы Джозефа Конрада «Сердце тьмы». Фильм был удостоен «Золотой пальмовой ветви» — главного приза Каннского кинофестиваля, и премии «Оскар» за лучшую операторскую работу.



Главная сюжетная линия фильма — рассказ о капитане американской армии Уилларде, посланном в джунгли Камбоджи, чтобы устранить сошедшего с ума полковника Курца, который командует отрядом из местных жителей и обвиняется в убийстве нескольких американцев. В ходе путешествия с Уиллардом происходит много странных событий, и под воздействием окружающей обстановки он по мере приближения к цели постепенно теряет ощущение реальности и перестаёт понимать, что ему делать дальше. Многие из кинокритиков считают, что фильм, как и новелла Джозефа Конрада, уводит зрителя далеко вглубь человеческой психики, а война служит лишь фоном для проявления тех человеческих качеств, которые обычно не лежат на поверхности. Капитана Уилларда в фильме играет Мартин Шин, полковника Курца — Марлон Брандо. Также можно выделить яркие персонажи Денниса Хоппера (полусумасшедший фотожурналист-философ в поселении Курца) и Роберта Дюволла (эксцентричный командир «воздушной кавалерии» подполковник Килгор). В эпизодических ролях заняты несколько других известных актёров, таких, как Харрисон Форд и Лоуренс Фишбёрн.



Фильм снимался с марта 1976 года по август 1977 года на Филиппинах, большей частью на реке Пагсаньян. Из-за долгого времени съёмок и многочисленных трудностей, которые постоянно приходилось преодолевать фильм обошёлся гораздо дороже, чем это планировалось, и снимался гораздо дольше первоначального расписания. Когда съёмки были закончены, Коппола привёз в Голливуд более семи тонн киноплёнки, на просмотр всего отснятого материала требовалось около 15 часов. Из-за этого монтаж фильма, который обычно занимает около полугода, растянулся на почти двухлетний срок. Когда был готов первый вариант фильма, оказалось, что он длится более пяти часов, и для проката необходимо было сильно сократить его. Коппола вспоминал, что это был весьма тяжёлый для него процесс, приходилось выбрасывать целые сюжетные линии, на съёмку которых было потрачено много времени, сил и средств. В конце концов Коппола смонтировал трёхчасовой вариант фильма, который был показан на фестивале в Каннах в 1979 году в качестве «неоконченной работы». Картина имела ошеломляющий успех и завоевала главный приз фестиваля — «Золотую пальмовую ветвь». На пресс-конференции в Каннах Коппола произнёс ставшие известными слова: «Мой фильм — не о Вьетнаме; он и есть Вьетнам».



«Апокалипсис сегодня» после премьеры в 1979 году вызвал множество противоречивых откликов у аудитории — одни восторженно хвалили фильм, другие осыпали его бранью. Некоторые критики писали, что фильм слишком претенциозен; другие говорили, что фильм заканчивается непонятно чем после роскошного первого акта. В наши дни многие считают фильм шедевром эры Нового Голливуда. Долгие и трудные съёмки фильма сделали его, к сожалению, символом опасности, которой подвергается производство кино, когда режиссёр имеет слишком большой контроль над всем процессом производства. С тех пор ни один масштабный кинопроект не снимался режиссёрами самостоятельно.

http://photo.i.ua/user/637100/27240/536639/

В наши дни бесшабашный репортер Алексей Пятихвастов в фондах
Кировоградского краеведческого музея находит один из уцелевших
секретных документов . Содержание немецкого рапорта безмерно удивляет
Алексея а склонность к авантюрам заставляет самостоятельно расследовать
на первый взгляд фантастические факты документа. Алексею предстоит
проникнуть в тайны таинственного фашистского общества
"Ананербе"("Наследие предков") , в погоне за тайной у него появляется
неожиданный друг и крайне опасные конкуренты. Главному герою предстоит
пробраться в далекое прошлое - время мастеров клинка и ужасных
созданий, отразить глобальную катастрофу для нашего города в
фантастическом техногенном будущем. На протяжении фильма он будет
противостоять спецслужбам, найдет и потеряет любовь, попадет в гущу
битвы и невольно изменит одну историческую ветвь, натворит бед в нашем
городе случайно заманив боевого механоида из будущего, в конце
предстоит совершенно неожиданная развязка сюжета...

... Антуражные съемки и качественная экранная графика…

«Восемь с половиной» (8 1/2, Otto e mezzo) — кинофильм Федерико Феллини (Federico Fellini), снят в 1963 году. Фильм о том, как режиссёр Гвидо (Марчелло Мастроянни) хочет снять фильм о спасении после ядерной катастрофы. Название фильма обозначает её порядковый номер в фильмографии Феллини — он к тому времени снял 6 полнометражный фильмов, 2 короткометражных фильма и совместный фильм с режиссёром Альберто Латтуада «Огни варьете» («полфильма»). Картина «Восемь с половиной» во многом автобиографичная. Марчелло Мастроянни, чья работа в фильме стала непревзойденным шедевром, играл самого Феллини его тоску, беспокойство, сомнения, постоянные поиски правды и ужас обыденности, «его ощущение кризиса жизни, пустой мишуры балагана и магию творческих преображений».



Героя этого легендарного фильма, Гвидо, известный и модный режиссер, тщетно борется с рутиной реальности, ища в ней гармонию и красоту для своего нового фильма. А фильм никак не получается. Режиссер не знает, как приступить к съемке нового проекта, в то время как гигантский плотоядный механизм кинопроизводства уже запущен, и за Гвидо уже охотятся продюсеры, актеры и кинокритики, желающие принять самое деятельное участие в съемках.



Но мир прекрасен именно в своем несовершенстве! А жизнь разрешает любые противоречия непревзойдённым чудом своего существования. Вечные желания и стремления людей стирают границы между действительностью, съемками фильма и самим фильмом. В финале с недостроенной, необжитой декорации сходят персонажи будущего фильма Гвидо Ансельми. Звучит музыка Нино Роты; откуда ни возьмись, появляются клоуны, и все вымышленные и реальные люди объединяются в хороводе, в котором заключены смысл жизни и творчества, их непостижимая тайна. И Феллини, и его протагонист Гвидо уже и не пытаются разгадать эту тайну, как и маленький мальчик из финала, замыкающий карнавальное шествие. Он только гасит свет на экране, давая понять, что жизнь скоро предложит новое чудо…



Фильм получил две премии «Оскар» (1964) в номинациях лучший фильм на иностранном языке и лучший дизайн костюмов в чёрно-белом фильме; Большой приз на III Московского Международного кинофестиваля (1964); награды Итальянского национального синдиката киножурналистов (1964): за лучший оригинальный сюжет, за лучший сценарий, за лучшую режиссуру, за лучшую работу продюсера, за лучшую музыку, за лучшую операторскую работу, за лучшую актрису второго плана (Сандра Мило); приз датских критиков на фестивале в Копенгагене «Bodil Awards» (1964) за лучший европейский фильм; награды кинофестиваля в Токио «Kinema Jumpo Awards» (1966) за лучший иностранный фильм и как лучший зарубежный режиссер; награду Американского национального кинобюллетеня за лучший иностранный фильм (1963); награду Нью-Йоркского кружка кинокритиков за лучший иностранный фильм (1963).

Мальтийский сокол (англ. The Maltese Falcon) — художественный фильм, США, снятый в 1941 году  Джоном Хьюстоном (John Huston) по одноименному роману Дэшиэла Хэммета. Это третья по счету экранизация книги Хэммета, опубликованной в 1930 (ей предшествовали Maltese Falcon, 1931, и Satan Meets a Lady, 1936).




"Мальтийский сокол" - один из краеугольных, так сказать, камней в современном кино, вошедший в историю кинематографа как лучший фильм криминального жанра 40-х годов. Частный детектив, получивший сразу от нескольких клиентов один и тот же заказ отыскать средневековую статуэтку, изображающую сокола, оказывается в ловушке: убит его напарник, убит полицейский, тоже в какой-то мере связанный с этим делом. Подозрения властей, естественно, падают на героя, поскольку он - единственный, кто имел мотивы и возможность совершить эти преступления. Однако среди полицейских нет никого, кто способен был бы разобраться в деле лучше подозреваемого, не так уж давно бывшего их сослуживцем.



Магический - уже, видимо, потому что первый (то есть породивший жанр) - "черный" ("noir") фильм. Как это объяснить? Магия - в самой ауре картины, как бы в воздухе. Действие (вечер - ночь - разговоры - угрозы - намеки на любовь и полная невозможность, даже ненужность любви), не становясь театральным, практически не выходит за пределы комнаты, по большей части происходит вечером и ночью. Порядочного человека среди десятка появляющихся на экране персонажей - вкупе с главным героем ни одного (а равно и среди всего остального человечества, на экране не появляющегося). Саспенс искусственно не нагнетается, ибо он как бы априори густо разлит уже в самой атмосфере этого удушливого мира и помещения. Точно так же в кадре нет ни трупов, ни выстрелов, ни - почти - мордобоя и поцелуев. В то же время актерам удается убедить зрителя в том, что и их персонажи - не марионетки и не совсем подонки, что и они хотят (могли бы)... по крайней мере любить. Но за рамками показанного - трупы, а перед нами - деньги (сокровища), ради обладания которыми теоретически способные жить и любить - существуют. Одержимые страстью и не способные вырваться из потока текучки.



Хэмфри Богарт как нельзя лучше подошёл на роль Сэма Спейда с "волчьей улыбкой", умного, очень жёсткого и неимоверно крутого детектива. На нём одном держится весь фильм. Как он играет! Даже терпя поражение, он не может не вызывать восхищения.



Джон Хьюстон - моралист и пессимист, исследующий в своих фильмах так называемую американскую мечту и так называемый американский идеал, где герои неизменно низводятся до людей, люди обнажаются до функций, а цель - та самая американская мечта - столь же неизменно ускользает из рук и плохих, и как бы хороших, оставляя персонажей у разбитого корыта. Ибо человек слаб, а враг силен: целью-то всегда прикидывается бес, коему человек - не соперник.
"Из чего сделана фигурка ?" - спрашивает полицейский Том, крутя поддельную фигурку сокола из свинца, ради которой полегло столько людей.
"Из того же материала, что и мечты." - отвечает Сэм.

«Семь самураев» (яп. Shichinin no samurai, 1954) — японский художественный фильм, классическая философская драма Акиры Куросавы (Akira Kurosawa).



Япония, вторая половина XVI века. Жители одной из деревень узнают, что на их деревню собирается напасть бродячая банда и забрать урожай риса. Они отправляют троих крестьян в город, чтобы те попытались нанять для защиты деревни нуждающихся ронинов, которые согласятся служить только за еду, потому что больше ничего крестьяне предложить им не могут. Посланцы становятся свидетелями того, как опытный боец Камбэй Симада (Такаси Симура), переодевшись монахом, сумел голыми руками обезоружить и убить вора, захватившего в заложники ребенка. Они рассказывают самураю о своей беде и Камбэй соглашается помочь им.



Фильм «Семь самураев», как правило, входит в списки высочайших достижений киноискусства. Считается, что именно в фильме «Семь самураев» впервые введен такой элемент приключенческой драмы, как подбор команды из людей, каждый из которых по-своему одарён. Впоследствии этот сюжетный прием часто спользовался. Примечательно, что в фильме впервые в творчестве Куросавы возникает противопоставление традиционного самурайского холодного оружия и огнестрельного, которое воспринимается как несовместимое с воинской честью. Ружья в фильме есть только у бандитов, из самураев делает выстрел из ружья только «недосамурай» Кикутиё, и только один раз.



Фильм появился во многом потому, что Акира Куросава очень хотел попробовать себя в популярном в Японии жанре «дзидайгэки» (историческом фильме о боевых приключениях самураев), причем сделать его одновременно и глубоким по смыслу, и увлекательным по форме. Первоначально он хотел сделать фильм-притчу об одном дне жизни самурая, проследить все поступки героя вплоть до вечера, когда герой должен был совершить ритуальное самоубийство. В итоге Куросава не решился взяться за такой материал, считая, что недостаточно хорошо знает необходимые нюансы. Однако в ходе работы над этим сюжетом он набрел на случай, когда деревня, принадлежавшая одному из убитых феодалов, наняла нескольких ронинов для защиты от разбойников (строго говоря, таких же ронинов), и решил положить в основу фильма именно его. Студия Toho несколько раз пыталась остановить съемки фильма, так как по общему мнению его ждал полный финансовый провал, а режиссер постоянно выходил за рамки отведенного ему бюджета. Каждый раз Куросаве приходилось настойчивыми уговорами убеждать продюсеров возобновить финансирование. В одном из эпизодов фильма есть момент, который позволяет установить точную дату происходящих событий. В украденном свидетельстве о рождении Кикутиё сказано, что он родился во втором году периода Тэнсо, что соответствует 1574 году, и Камбей заключает, что, следовательно, Кикутиё сейчас всего 13 лет. Учитывая особенности отсчета возраста в Японии (новорожденный ребенок считается однолетним), события «Семи самураев» разворачиваются в 1586 году.



В 1960 году вышел американский римейк «Семи самураев» — фильм «Великолепная семёрка». Действие в нем было перенесено на Дикий Запад, где семеро ковбоев-стрелков защищают от бандитов мексиканскую деревню. Акира Куросава считал этот римейк достаточно верным оригиналу (с учетом разницы культурных традиций Японии и США). Впоследствии были поставлены еще несколько римейков, гораздо менее значительных и художественно состоятельных (например, «Великолепная семёрка гладиаторов»). Существует аниме «7 самураев» (2004), в которой сюжет, имена и характеры главных героев повторяют фильм Куросавы, но действие перенесено в будущее.