«Шоссе в никуда» (англ. Lost Highway) — мистический триллер-нуар Дэвида Линча (David Lynch) по совместному сценарию с Барри Гиффордом, вышел на экране в 1997 году.



Фред Мэдисон обвинен в убийстве своей жены Ренэ и приговорен к высшей мере наказания. Незадолго до исполнения приговора он таинственным образом исчезает из камеры смертников, а наего месте находят растерянного и ничего не понимающего Пита Дейтона . Как он оказался в камере? Куда исчез убийца? Выпущенный на свободу, Пит пытается вернуться к повседневной нормальной жизни, но вместо нее его ждет необъяснимый, поражающий воображение кошмар...



Сюжет фильма построен по принципу ленты Мёбиуса. Дэвид Линч даёт следующую подсказку относительно сценария фильма: ««Шоссе в никуда» — это история об убийце-шизофренике с большим количеством участников, рассказанная с различных точек зрения этими же участниками».



На мой взгляд это пожалуй единственный фильм Линча, где паззл сюжета таки складывается в цельную понятную картинку, хотя некоторые детали ее для меня так и остались загадочными знаками, но даже осмыслив основную фабулу и найдя множество параллелей с предыдущими работами Линча, фильм не перестает удивлять и завораживать при последующих просмотрах...

«Отсчёт утопленников» (Drowning by Numbers) — фильм Питера Гринуэя (Peter Greenaway), получивший в 1988 году приз Каннского кинофестиваля за "Лучший художественный вклад".



По жанру "Отсчет утопленников" - черная абсурдистская комедия, пожалуй, даже фарс о сытых, скучающих и сексуально неудовлетворенных мещанах, то ли живущих, то ли отдыхающих в диком приморском уголке. Несколько разновозрастных женщин, представительниц одного клана, методично и последовательно утопляют надоевших им мужчин, пользуясь похотливым расположением к ним соседа-патологоанатома, в одиночку воспитывающего сына-подростка и выписывающего обеляющие соседок заключения о гибели их мужей в результате несчастного случая.



Весь фильм сопровождает нумерация от 1 до 100, причём числа возникают в совершенно неожиданных местах, так что его имеет смысл посмотреть несколько раз хотя бы с той целью, чтобы убедиться, что ни одно число не пропущено. Что означают все эти цифровые загадки, можно лишь догадываться. Говорят, Гринуэй на такого пытливого зрителя и рассчитывает. В фильме также щитируются картины (К. Коро, С. Дали) и кинокартины (дохлые коровы из "Андалусского пса" Бунюэля, хоровод на причале из "8 1/2" и сидение сумасшедшего в раскидистой древесной кроне из "Амаркорда" Феллини). Кроме живописности, "Отсчет утопленников", как и вообще все фильмы Гринуэя, музыкален, вернее сопровожден едва ли не единственной, но очень красивой и тревожной запоминающейся мелодией - ведущим лейтмотивом всех перипетий действа. Музыка к фильму написана композитором-минималистом Майклом Найманом и основана на темах из Sinfonia Concertante in E flat, K364 Моцарта. Моцартовский оригинал можно услышать сразу после очередного утопления. В общем, зрелище это замечательное, безусловно авторское, оригинальное и талантливое, а для кинематографа двух последних десятилетий, все более и более усредняющегося, утрачивающего вместе с национальным колоритом и общую культуру, - едва ли не уникальное и потому, разумеется, классическое.



Эту картину, единственную у Гринуэя, удостоенную награды престижного фестиваля (приз за художественный вклад МКФ в Канне), сам автор назвал «фильмом об игре как процессе, напрямую отражающем главный принцип взаимоотношений режиссера и зрителя». Но даже притом, что все герои в фильме время от времени во что-то играют, сами игры, в лучшем случае, могут рассматриваться только как гарнир к основным событиям, которые чуть ли не впервые обрели у Гринуэя внятную и интригующую мотивацию.

«Психо» (Psycho) — классический чёрно-белый триллер Альфреда Хичкока (Alfred Hitchcock) снятый в 1960 году, экранизация одноименного романа Роберта Блоха, неоднократно был назван критиками лучшим триллером из когда-либо созданных. Здесь режиссёр Альфред Хичкок впервые «позвал» зрителя в мотели. Впервые в кино было описано не столько преступление, сколько болезнь убийцы, его психоз, сам убийца. Нужно отметить, что фильм называется именно «Психо» (по-русски «психопат»). В «Психо» в полной мере раскрывается художественный приём «саспенс», впервые описанный и мастерски применяемый Хичкоком. Не последняя заслуга в том, что этот фильм стал шедевром, принадлежит игре Энтони Перкинса, который передаёт свои ощущения, страхи, мысли, оттенки характера — не только голосом, но и с помощью мимики и жестов. Атмосферу тревоги и нервозности также искусно дополняет саундтрек композитора Бернарда Херрманна. Бюджет фильма составил 806 947 долларов, а сбор с проката более 40 миллионов долларов.



Молодая женщина Мэрион Крэйн (роль исполняет любимица Хичкока актриса Джанет Ли) похищает 40 тысяч долларов, которые ей доверил начальник. Она не задумывала это преступление, похищение вышло спонтанно. Мэрион просто хочет уехать из города и начать новую жизнь со своим любовником. Во время бегства, устав от вождения и стресса, она решает свернуть с шоссе и провести ночь в уединённом мотеле Бэйтса, где полиция вряд ли найдёт её. Однако здесь её поджидает более страшное наказание. Мотелем управляет Норман Бэйтс (Энтони Перкинс) — этот юноша страдает от раздвоения личности: временами в нём оживает его умершая мать. Норман испытывает влечение к Мэрион, но его «мать» категорически протестует против чувств сына. Она требует от Нормана отстраниться от Мэрион, а получив отказ, решает убить девушку и осуществляет свой замысел в ванной, пока та моется (эта сцена убийства в ванной, сопровождаемая пронзительными звуками, является одной из самых известных сцен в мировом кинематографе вообще). В это время по следам Мэрион направляется частный детектив Милтон Арбогаст, которому и предстоит постепенно раскрыть жуткую тайну Нормана Бейтса.



Хичкок создает напряжение в фильме небольшими «толчками», во внешне совершенно безобидных сценах. Ну, казалось бы, что такого в том, что девушка увидела из окна автомобиля своего босса, что такого в том, что у нее потребовал (и без всяких последствий) документы полицейский. Но каждый из этих «эпизодиков» чуточку цепляет, и постепенно обнаруживаешь, что уже сам начинаешь нервничать вместе с обаятельной Мэрион Крейн. Даже такой пустяк, как езда по шоссе с заливающим стекло дождем, и то становится чем-то страшноватым. И напряжение растет потихоньку, очень медленно, но не отпускает.



В знаменитой сцене убийства в ванной пронзительный звук создаётся скрипками, по которым резко водят смычками. А звук ножа, впивающегося в плоть — это звук ножа, втыкающегося в дыню. Сама же сцена снималась с 17 декабря по 23 декабря 1959 года, причём снималась вообще без участия Перкинса (он в этот момент уехал в Нью-Йорк). Сцена имела около 90 склеек при монтаже. Альфред Хичкок купил у Роберта Блоха права на экранизацию его романа анонимно и всего за 9 тысяч долларов. А затем Хичкок до премьеры скупил столько экземпляров романа, сколько смог найти, чтобы сохранить концовку фильма в тайне. Одна из причин, почему Хичкок решил снять фильм на чёрно-белую плёнку, — это решение не делать фильм слишком кровавым. Роль крови в фильме исполнял шоколадный сироп.

«Священная гора» (La montana sagrada) — фильм Алехандро Ходоровски (Alejandro Jodorowsky), снят в 1973 году, однако из за разногласия продюсера и режиссера уже более 30 лет этот масштабный экспериментальный фильм, разрушающий саму природу кинематографа, не получает широкого проката, хотя и стал классикой среди ценителей кино.



Этот фильм считается одним из самых радикальных фильмов за всю историю мирового кинематографа. Такого вихря образов вряд ли можно встретить в еще какой-либо ленте. Из ран убитых солдатами жертв вылетают птицы, жабы в старинной испанской форме под нацисткие марши штурмуют пирамиды ацтеков. Главный герой, просыпается голым в земном мире пороков и соблазнов. Пройдя сквозь череду соблазнов и ужасов обыденной жизни, он встречает Учителя, который проводит его через миры каббалы, Таро, Астрологии. Персонаж, пройдя обряды инициации и очищения, получает возможность вместе с другими учениками совершить попытку подняться на Священную Гору, чтобы постичь тайны девяти мудрецов, проживших 30 000 лет.



Сам Ходоровски рассказывал: "Я хотел сделать "Священную гору" фильмом о мистическом просветлении. Я обыскал весь Нью-Йорк, Мехико и Лос-Анджелес, чтобы найти актеров, которые сыграли бы мудрецов: отыскать правильного человека было все равно, что найти клад. Но актеры, которых я выбрал, никуда не годились - они все хотели заработать деньги, прославиться и принимать наркотики. Перед началом съемок я запер их на два месяца в одном доме. Я позволил им спать только четыре часа в сутки, и мы прошли курс мистических тренировок - смесь дзена и йоги. Я был не в своем уме, но не сомневался, что обязан сделать нечто священное. Снимая ""Священную гору"", я пытался быть предельно честным. Я не мечтал разбогатеть или прославиться. В фильме почти нет диалога, но я не собирался делать его развлекательным или забавным - я хотел расширить границы сознания. Я воспринимал кино, как поэзию, и всегда говорил, что ищу в кино то, что хиппи ищут в наркотиках. Я пытался сделать фильм, который взорвет сознание. Я был в поиске - я хотел знать, что такое гуру, что означает быть Буддой. Я ел галлюциногенные грибы, ЛСД и начал изучать таро. Пару раз во время съемок я рисковал жизнью; когда мы забрались в горы, началась снежная буря, пять человек погибли там несколькими месяцами раньше, и я думал, что тоже погибну. Уцепившись за камень, я сказал себе: "Мне нельзя умирать, - надо закончить этот чертов фильм!". В таро круг с девятью точками символизирует познание вселенной. Девять точек соответствуют планетам. В конце фильма камера отъезжает назад и открывает иллюзию. Я хотел показать, что мы движемся от сказочного символизма к реальности и что сам я - не гуру, а просто что-то ищущий человек".

Фильм «Сало, или 120 дней Содома» (Salo o le 120 giornate di Sodoma) — последний художественный фильм итальянского кинорежиссёра Пьера Паоло Пазолини (Pier Paolo Pasolini), вышедший на экраны в 1976 году, т. е. уже после убийства постановщика. Снят по книге «120 дней Содома» Маркиза де Сада. Из-за реалистичных сцен насилия и жёсткого секса фильм был запрещён к показу в нескольких странах.



Республика Сало на севере Италии, последние дни итальянского фашизма. Фильм состоит из четырёх частей, названия которых основаны на произведении Данте Алигьери «Божественная комедия»: Преддверие ада (Antinferno), Круг маний (Girone della manie), Круг дерьма (Girone delle merda), Круг крови (Girone del sangue). Насилие у Пазолини выступает, как парадигма всего существования и мироощущения фашистской "знати". Без оного они просто не могут, не умеют, не хотят жить. В начале фильма, когда идёт отбор юношей и девушек для жестоких и беспощадных утех, мы видим нескрываемую радость на лицах детей. Муссолини мёртв, но они по прежнему верят в правильность и истинность его идей. Всё меняется во дворце. Взрослые уничтожают не только физическую девственность ребят, но и духовную чистоту, что намного страшней. Обратного пути нет. Они приехали во дворец, чтобы умереть. Последние пятнадцать минут - подробнейшая панорама массового убийства, торжествующий гимн смерти.



Тема смерти занимало не последнее место в творчестве Пазолини. Он обращался к ней и как писатель, и как философ. Смерть подобно монтажу в кино помогает нам трезво посмотреть на то, что было сделано до этого. Оглянуться назад, проанализировать. Символично, что именно эта лента стала последней в карьере режиссёра. За страшной, неприглядной, по настоящему скандальной (а Пазолини знал, на что шёл) содержательной стороной картины многие не видят смыслового стержня. Сегодня, пожалуй как и в 70-х, ужасы Второй Мировой войны представляются с позиций освободителей при чётком ранжировании "добра" и "зла". Но ведь чтобы победить нужно понять. Понять не для оправдания зверских деяний, а для самих себя. Дабы разобраться в причинах повлёкших такие последствия. Гитлер и Муссолини не захватывали власть, они пришли к ней законным путём при огромной поддержки народов Германии и Италии.



"Сало или 120 дней Содома" кино, прежде всего, социально направленное. Нацеленное на интеллект, разум и только потом на чувства. Картина Пазолини сегодня является чуть ли не единственным художественным документом, показывающим обратную сторону зла, без "красок" и "грима".

Фильм «Ночной портье» (Il Portiere di notte) — снят Лилианой Кавани (Liliana Cavani) в 1974 и произвел эффект разорвавшейся бомбы, никто еще до Кавани не показывал ужасы фашизма, воспоминания о которых были еще очень сильны во всем мире, через мазохистский противоестественный любовный роман. Эротические сцены, демонстрируемые в ленте, по тем временам являлись очень откровенными. По этим двум основным причинам картина оказала сильное впечатление на смотрящие массы.



«Портье» был и остается по сей день жестокой, болезненной, но по-своему красивой историей любви, побеждающей смерть. Кто сказал, что любовь – это нежность, романтика, заоблачность и доброта? А почему она не может быть болью, кровью, насилием и испепеляющим влечением? Именно об этом и говорит в своей картине Лилиана Кавани. Главные герои вовсе не извращенцы, не больные и не сумасшедшие. Они не более безумны, чем любая страстно влюбленная пара. Просто великое чувство зародилась в них в нечеловеческих условиях, когда один был палачом, а другая – жертвой.



"Ночной портье" по манере - типичный фильм-нуар. Буквально все в нем - люди, здания, вещи, дела, мысли, взгляды, жесты и чувства тонут во мраке, стыдливо или испуганно прячутся в тени, чтобы как можно ярче высветлить преступную, обреченную, гибельную для Макса и Лючии любовь. Двенадцать лет ничего не изменили. Страсть горит еще ярче. Их, конечно же, не отпустит прошлое, но оно же их и сплавит еще крепче. Их не простит общество - им наплевать. Им не дадут жить бывшие эсесовцы - умирать, так вдвоем... В фильме немало просто потрясающих сцен. Все они безрадостны и безыскусны, горьки и пронзительно правдивы. Черно-белый полудокументальный ряд воспоминаний о лагере, Лючия на цепи в квартире Макса, смерть на мосту: она в белом плаще, он в черной, вызывающе красивой эсесовской форме. "Ночной портье" - кинолента о любви, купленной ценой страданий и ценой жизней искупившей свою греховность...



Картина смотрится очень непросто, но это не недостаток мастерства Кавани, а способ показать душевное состояние героев. Война давно окончена, но все равно остались «свои» и «чужие», поэтому окружающий мир никогда не примет эту странную, ужасную с моральной точки зрения любовь. Но герои все равно борются за свое счастье, зная, что они обречены, и до последнего вздоха остаются вместе. Поэтому «Ночной портье» - это фильм не о победе над фашизмом, не о половых извращениях, не о сексе и насилии. Это просто кино о самом главном в этой жизни.

Фильм «Последнее танго в Париже» (Ultimo tango a Parigi) — снят Бернардо Бертолуччи (Bernardo Bertolucci) в 1972 и является культовым романтико-эротическим кинофильмом.



Пронизанная грустью, чувственная атмосфера развивает сюжет "Прощальное танго в Париже", самого противоречивого фильма эпохи, номинированного на две премии Американской Киноакадемии, излучающего мощную сексуальную энергию, как никакой другой фильм, снятый до или после него. Блистательная современная классика, шокировавшая всю Америку и изменившая сущность искусства в целом. Он (Марлон Брандо) - живущий в Париже 45-летний американец, тяжело переживающий самоубийство жены. Она (Мария Шнайдер) - привлекательная 20-летняя парижанка, помолвленная с молодым кинорежиссером. Даже не зная имен друг друга, эти истомившиеся ожиданием люди, спешащие утолить свою сексуальную жажду, отправляются в пустующую квартиру, напоминающую их собственное сумрачное и неприкаянное существование. Отдавшись исступляющему танцу совокупления, они уже не в силах остановиться. Странные любовники доводят свои страсти до самых высот - и глубин - наслаждения, за пределы всего того, что им когда-либо дано было испытать...



Вместо набившего оскомину любовного треугольника Бертолуччи предлагает зрителю куда более сложную фигуру. Всё окружение почившей супруги невыносимо Полу на физиологическом уровне, но сложно просчитать по какому критерию видёться отбор. Он кричит на свою тёщу, и в то же время, спокойно, без шумного выяснения отношений, общается с любовником жены. Единственное, что хоть как-то может пробудить в нём интерес к жизни, это Жанна. Они станцуют своё танго. Пьяные, счастливые и, одновременно, очень одинокие.



Фильм Бертолуччи совершил революцию в кино. Это в самом деле первый фильм, где адекватно была отражена сексуальная тематика. Не тема любви, а именно секса, с соответствующим видео- и звукорядом. Сейчас это выглядит анекдотично, но в советские времена за "несанкционированный" просмотр "Последнего танго в Париже" давали срок. Если картина и упоминалась в отечественной прессе, то не иначе, как порнографическая. Да и в самой Италии после непродолжительного кинопроката фильм был запрещён цензурой, что впрочем, не помешало сделать внушительные кассовые сборы и снискать восторг критики за рубежом. Как всегда, истина где-то посередине. Безусловно, Бертолуччи снял очень смелую картину, появление которой не могли не заметить пуритане и моралисты, уж слишком открыто в ней показывалась, если не провозглашалась, раскрепощённая сексуальность, идущая в разрез со всеми этическими устоями современного общества. И обвинить режиссёра во всех смертных грехах было куда проще, чем увидеть то, что скрывается за всеми этими сценами, а именно человеческая беспомощность, страх и неудовлетворённость. Именно по этой причине "Последнее танго в Париже" до сих пор продолжает волновать зрителя, ставя вечные вопросы о сущности человеческой жизни, ответы на которые даются с поправкой на время.

«Полет над гнездом кукушки» (One Flew Over the Cuckoo's Nest) — культовый кинофильм Милоша Формана (Milos Forman), экранизация одноимённого романа Кена Кизи - 5 премий «Оскар» (лучший фильм, лучшая режиссура, лучшие актёр и актриса в главных ролях, лучший адаптированный сценарий), а также 28 других наград и 11 номинаций, премьера фильма состоялась 19 ноября 1975 года.



Преступник Рэндл Патрик Макмёрфи (Джек Николсон) попадает в тюрьму на небольшой срок. Чтобы отдохнуть от тюремного труда, он симулирует умопомешательство и его переводят в психиатрическую клинику для обследования. Свободный духом, оригинальный, с горячей кровью в жилах и бойкий на язык бунтарь наслаждается кажущейся свободой в компании очаровательных психов и надеется провести так весь остаток своего заключения. Но постепенно он понимает, насколько несвободны пациенты клиники и как их подавляет старшая медсестра Милдред Рэтчед (Луиза Флетчер), установившая в отделении строгий распорядок и неукоснительно требующая его соблюдения.



Этот фильм был снят по роману Кена Кизи, ставшем культовым для поколения 1960-х и повествующем о бунте внутренне свободного человека против тоталитарной системы. Но ради правдоподобия Форман выдвинул на первый план Макмёрфи, вытеснив рассказчика романа — гигантского индейца «Вождя» — на второй план. Кен Кизи был очень недоволен экранизацией, в частности, именно тем, что в фильме отсутствует «рассказчик», которым в романе является Вождь Бромден.



Форман также убрал некоторые особо жёсткие сцены из романа — в книге, например, описывается, как сестра Рэтчед затыкала сумочкой рот Вождю, когда его били санитары. Очень оригинальным решением Формана явилась съёмка настоящих пациентов психбольницы из Орегона вместо актёров в несложных ролях; пациенты выглядят очень органично. Но главная изюминка фильма — это, конечно, блистательная игра актёров в главных ролях. Джек Николсон сыграл одну из своих лучших ролей в этом фильме. Его игру критики называли гениальной. Так же блистательна игра Луизы Флетчер в роли медсестры Рэтчед. Созданный ею образ деспотичной медсестры стал одним из самых ярких образов тоталитаризма и подавления свободы в мировом кинематографе вообще. Некоторые сцены фильма по своему содержанию могут показаться неестественными, например, когда группа пациентов едет в автобусе, разглядывая мир, о котором они почти позабыли, — но Форман при этом не заостряет углы, поэтому безусловная трагедия у него получилась очень лёгкой и трогательной, лишь временами проявляя жёсткость и напряжение. Этот ставший классикой фильм до сих пор пользуется заслуженной популярностью и у критиков, и у зрителей.

«Заводной апельсин» (A Clockwork Orange) — культовый кинофильм режиссёра Стенли Кубрика (Stanley Kubrick), снятый в 1971 году - экранизация одноимённого романа Энтони Бёрджесса, 4 номинации на «Оскар», всего 5 наград и 16 номинаций. Фильм состоит из размышлений о сущности человеческой агрессии на примере подростковой жестокости, о свободе воли и об адекватности наказания. Премьера состоялась 19 декабря 1971 года.



События фильма происходят в недалёком будущем. В фильме рассказывается о судьбе подростка Алекса (Малкольм Макдауэлл). Алекс очень любит слушать Бетховена, насиловать женщин и совершать акты «ультранасилия»: избивать бездомных, врываться в приличные дома и грабить жильцов, драться со сверстниками. Этот фильм, вызвавший в своё время культурный шок и ставший культовым, в полной мере отражает художественный стиль Стенли Кубрика и пронизан характерной для Кубрика мизантропией и пессимизмом. Пугающий и провокационный по содержанию, «Заводной апельсин» затрагивает сложную тему зла и насилия в современном обществе. Имеет ли государство и общество право лишать человека свободы воли, пусть даже в целях наказания и исправления? Может ли человек, личность, лишённая свободы воли, ставшая похожей на заводной апельсин, символизировать собой победу современных технологий над злом? Но наряду с социальными вопросами, в фильме глубоко затронута и природа человека. Откуда исходит агрессия? Каков человек без свободы воли? Как может садизм сочетаться с тягой к прекрасному, к музыке Бетховена, например?



Визуальный ряд и композиция кадра в этом фильме считаются неповторимым авторским почерком Кубрика. Чтобы подчеркнуть бунтарский характер фильма, Кубрик свёл работу камеры до самых простых движений: работы трансфокатора, горизонтального движения (особенно знаменита начальная сцена дома у писателя-оппозиционера) и лишь нескольких панорамных кадров. В фильме также очень интересно прослеживается переход от сюрреализма в начале к реализму в середине и конце, и снова к сюрреализму в заключительной сцене. В этой заключительной сцене фильма Алекс занимается сексом с женщиной в окружении аплодирующих джентльменов викторианской эпохи. Это символизирует, что агрессия Алекса принята обществом, и что Алекс теперь будет сеять зло, опираясь на политиков, а не на преступников.



Странное название «Заводной апельсин» должно вызывать у зрителя ассоциацию с чем-то очень странным внутри, но заурядным снаружи. Это метафора человеческой природы. Энтони Бёрджессу фильм понравился, он яростно защищал его от разных обвинений и нападок, но потом Бёрджесс обиделся и сказал, что Кубрик просто использовал его для создания пиара своему фильму. До того, как проектом занялся Стенли Кубрик, на роли Алекса и его банды планировались музыканты группы The Rolling Stones. После обвинений в пропаганде насилия и после того, как ему стали приходить анонимные смертельные угрозы, Кубрик изъял фильм из проката в Великобритании спустя год после премьеры, запрет держался вплоть до 1999 года, до самой смерти режиссера. Сообщалось о нескольких реальных фактах подражания героям фильма, воплотившихся в реальных актах подросткового насилия, писали, что насильники напевали «Singin' In The Rain» во время преступлений. Малкольм Макдауэлл претерпел много страданий во время съёмок: в одной из сцен у него оказались сломаны рёбра, в другой сцене ему повредили глаза, а в сцене топления Алекса его дружками Макдауэлл чуть не задохнулся из-за поломки дыхательного аппарата.



Несмотря на многочисленные упрёки и обвинения "Заводной апельсин" является признанным эталоном в жанре фантастического реализма. Михаэль Ханеке, Оливер Стоун, Матье Кассовиц, Вим Вендерс - все эти режиссёры не раз возвращались и использовали в своих фильмах архетип Алекса Де Ларджа, тем самым доказывая риторичность вопросов поставленных Кубриком.

«Сталкер» — фантастический фильм, режиссер Андрей Тарковский, СССР, фильм снят в 1979 году по мотивам повести «Пикник на обочине» Аркадия и Бориса Стругацких. Фильм завоевал Специальную премию экуменического жюри, премии ИНТЕРФИЛЬМ и ОСИК на XXXIII МКФ в Каннах в 1980 году, Приз Лукино Висконти, Италия, 1980, Приз ФИПРЕССИ на II МКФ научно-фантастических фильмов в Мадриде в 1981 году, Премию критики на I фестивале фестивальных фильмов в Триесте в 1981 году.



Фильм Сталкер снимался в окрестностях Таллина (Эстония) в 1977—1978 гг. Команде, которая создавала картину, пришлось столкнуться со значительными трудностями. Братья Стругацкие в общей сложности написали около восьми вариантов сценария ни один из которых, в сущности, не устраивал режиссёра. Рабочее название сценария было «Машина желаний». По этим вариантам сценария в 1977-м году была снята первая версия фильма, где по отзывам Стругацких Кайдановский играл крутого парня Аллана (близкого по духу к герою «Пикника на обочине» Рэда Шухарта). Однако при проявке фильма произошла трагедия, весь отснятый материал фильма погиб в проявочной машине. И Тарковский отснял фильм заново, по совершенно другому — последнему — варианту сценария под названием «Сталкер», где Кайдановский сыграл юродивого. Этот вариант полностью устроил режиссёра и стал финальным.



Фильм «Сталкере» сочетает ясность и простоту формы, свойственные традиционной притче со сложностью и философской глубиной мысли. Внешний сюжет - путешествие в Зону, в которой есть волшебная комната, где исполняются все желания. Причём может исполниться только то, что человек действительно желает в глубине души, порой даже не подозревая об этом. Но позже выясняется: сам Сталкер не знает, что происходит с его спутниками дальше, после посещения Зоны: обретают ли они искомое счастье и удовлетворение, исполняются ли их желания? И вообще существует ли волшебная комната на самом деле? За сюжетом обнаруживается глубокий метафорический подтекст. Поиски счастья - это поиски веры. В волшебную комнату верит только тот, кто способен в неё поверить, и счастье никто не принесет на тарелочке, всего нужно добиваться своими усилиями. И за эти усилия надо платить, на земле точно не будет счастья, счастье и несчастье - внутри человека.