«Восемь с половиной» (8 1/2, Otto e mezzo) — кинофильм Федерико Феллини (Federico Fellini), снят в 1963 году. Фильм о том, как режиссёр Гвидо (Марчелло Мастроянни) хочет снять фильм о спасении после ядерной катастрофы. Название фильма обозначает её порядковый номер в фильмографии Феллини — он к тому времени снял 6 полнометражный фильмов, 2 короткометражных фильма и совместный фильм с режиссёром Альберто Латтуада «Огни варьете» («полфильма»). Картина «Восемь с половиной» во многом автобиографичная. Марчелло Мастроянни, чья работа в фильме стала непревзойденным шедевром, играл самого Феллини его тоску, беспокойство, сомнения, постоянные поиски правды и ужас обыденности, «его ощущение кризиса жизни, пустой мишуры балагана и магию творческих преображений».



Героя этого легендарного фильма, Гвидо, известный и модный режиссер, тщетно борется с рутиной реальности, ища в ней гармонию и красоту для своего нового фильма. А фильм никак не получается. Режиссер не знает, как приступить к съемке нового проекта, в то время как гигантский плотоядный механизм кинопроизводства уже запущен, и за Гвидо уже охотятся продюсеры, актеры и кинокритики, желающие принять самое деятельное участие в съемках.



Но мир прекрасен именно в своем несовершенстве! А жизнь разрешает любые противоречия непревзойдённым чудом своего существования. Вечные желания и стремления людей стирают границы между действительностью, съемками фильма и самим фильмом. В финале с недостроенной, необжитой декорации сходят персонажи будущего фильма Гвидо Ансельми. Звучит музыка Нино Роты; откуда ни возьмись, появляются клоуны, и все вымышленные и реальные люди объединяются в хороводе, в котором заключены смысл жизни и творчества, их непостижимая тайна. И Феллини, и его протагонист Гвидо уже и не пытаются разгадать эту тайну, как и маленький мальчик из финала, замыкающий карнавальное шествие. Он только гасит свет на экране, давая понять, что жизнь скоро предложит новое чудо…



Фильм получил две премии «Оскар» (1964) в номинациях лучший фильм на иностранном языке и лучший дизайн костюмов в чёрно-белом фильме; Большой приз на III Московского Международного кинофестиваля (1964); награды Итальянского национального синдиката киножурналистов (1964): за лучший оригинальный сюжет, за лучший сценарий, за лучшую режиссуру, за лучшую работу продюсера, за лучшую музыку, за лучшую операторскую работу, за лучшую актрису второго плана (Сандра Мило); приз датских критиков на фестивале в Копенгагене «Bodil Awards» (1964) за лучший европейский фильм; награды кинофестиваля в Токио «Kinema Jumpo Awards» (1966) за лучший иностранный фильм и как лучший зарубежный режиссер; награду Американского национального кинобюллетеня за лучший иностранный фильм (1963); награду Нью-Йоркского кружка кинокритиков за лучший иностранный фильм (1963).

«Гражданин Кейн» (Citizen Kane) — кинофильм 1941 года, выпущенный кинокомпанией «РКО Радио Питкчерз» («RKO Radio Pictures»), первый полнометражный фильм, снятый Орсоном Уэллсом (George Orson Welles).

Драматический сюжет фильма демонстрирует историю жизни и карьеры Чарльза Фостера Кейна, медиамагната, начинавшего работу в издательском мире с идеей о службе обществу через предоставление ему новостной информации, а затем превратившегося в человека, использующего свои громадные деньги и власть для постоянного удовлетворения потребностей собственного эго. Полностью построенное на принципе флешбеков действие фильма разворачивается на фоне журналистского расследования, которое ведёт репортёр, получивший задание выяснить историю предсмертного слова Кейна: «rosebud» («розовый бутон»).



Сразу после выпуска фильм получил премию «Оскар» за лучший сценарий (тогда как был номинирован на эту премию ещё в восьми номинациях), а впоследствии многократно упоминался критиками как «лучший фильм всех времён и народов».

«Забриски Пойнт» (англ. Zabriskie Point) — кинофильм снятый Микеланджело Антониони (Michelangelo Antonioni), вышел на экраны в 1970 году и стал одним из центральных фильмов культуры хиппи.



Забриски Поинт – это всего лишь место в Аризоне, высохшее мертвое озеро посреди бескрайней пустыни, растянувшееся на многие мили. “Забриски Поинт” – первый и единственный фильм великого итальянского режиссера Микеланджело Антониони снятый им в Голливуде. Антониони изображает протестующую молодежь – американских студентов, спорящих за свои права и готовящих забастовку. Ему чрезвычайно симпатичны и интересны эти бунтари – недаром в самом начале картины в течение нескольких минут мы рассматриваем их лица крупным планом. Но режиссеру, как он заявил в одном интервью, всегда не нравилось, что люди слишком много разговаривают и мало делают, поэтому среди этих студентов он выделяет Марка – «попутчика», как герой сам себя именует – личность деятельную и всей душой стремящуюся к свободе. В попытке помочь своим товарищам, Марк стреляет в полицейского, а потом угоняет спортивный самолет, на котором несется в бесконечное пространство пустыни. Там он встречается со свободолюбивой Дарьей, которая вместо того, чтобы ехать по указанию своего начальника, ищет место для медитации.



Марк и Дарья – герои, ищущие личную свободу и непохожие на представителей американского общества потребления и накопления, которые приспосабливаются ко всему и обманывают себя видимостью свободы. Иллюзию свободы Антониони изображает с неореалистическим интересом к мелким бытовым деталям – рекламные плакаты, своей пестротой нарушающие общую естественную тональность фильма, офис начальника Дарьи, а также его вилла в пустыне, которая неоднократно взрывается в финале фильма. Взрыв как напоминание о гибели Вавилона касается всего материального, символизирующего накопление: на воздух взлетают шкаф с одеждой и с книгами, телевизор, холодильник – всюду излишества.



Во время съемок ФБР внедряло агентов в съемочную группу; места съемок осаждали консерваторы и громко клеймили Антониони за сжигание американского флага; шериф Окленда (штата Калифорния) обвинил Антониони в том, что тот прибыл разжигать народные бунты. Рейнджеры Долины Смерти поначалу запретили Антониони снимать фильм в долине, т.к. небезосновательно опасались, что он устроит там оргию, а гос.управление штата начало следствие по делу о предполагаемом "анти-американизме" и нарушении занятного закона Мэнна, принятого в 1910 года и запрещающего транспортировку женщин через границу штата "для безнравственного поведения, проституции или распущенности".

Название: Смерть среди айсбергов
Оригинальное название: Orca, the Killer Whale
Год выхода: 1977
Жанр: Триллер
Продолжительность: 1:28:15

Помню в юности ходил на него раза три в местный "Сачок" (кинотеатр где обычно прогуливают уроки), и с удовольствием посмотрел на днях еще разок.

Китобой Нолан одержим убийством гигантского кита по кличке Орка, за которым он гоняется по всем морям. "Вы знаете, что касатки моногамны?" — предупреждали капитана Нолана. Нет, он вздернет на дыбы своей охотничьей шхуны самку кита и посмотрит, как у нее случится выкидыш и как, скинутая с борта, она прикончит себя, ринувшись под лопасть. А наутро ее самец отбуксирует труп в рыбацкий поселок и бросит капитану смертельный вызов. В плавание с ним отправляется биолог Рейчел Бедфорд, мечтающая остановить его безумную одиссею… В общем мораль такая - "кит убийца" в своих поступках человечнее человека...

«Прибытие поезда на вокзал Ла-Сиоты» (фр. L'Arrivee d'un train en gare de la Ciotat, 1896) — документальный короткометражный фильм; один из первых фильмов, снятых и публично показанных братьями Люмьер (Auguste and Louis Lumiere). В русскоязычных источниках фильм также упоминается как «Прибытие поезда» и «Прибытие почтового поезда».



Несмотря на незамысловатость сюжета (на экране демонстрируется всего лишь остановка поезда у железнодорожной платформы вокзала города Ла-Сиота и движущиеся вдоль вагонов пассажиры), фильм приобрёл широкую известность. По свидетельствам (возможно, сильно преувеличенным), некоторые показы фильма вызывали панику среди публики, которая не была психологически готова воспринять «ожившее» изображение движущегося поезда.

Фильм стал каноническим произведением кино благодаря тому, что впервые в истории выразительно передал на плоском экране движение в перспективе — поезд появлялся издалека, проходил наискось справа налево через весь экран на первый план и уходил за левый край экрана, создавая впечатление пространства. Кроме того, в этом фильме впервые в одном кадре были показаны съёмки людей общим, средним и крупным планом.



Фрагменты из этого фильма вошли в советский фильм «Человек с бульвара Капуцинов», в котором иронично отражена история раннего кинематографа.

Фильм «Сало, или 120 дней Содома» (Salo o le 120 giornate di Sodoma) — последний художественный фильм итальянского кинорежиссёра Пьера Паоло Пазолини (Pier Paolo Pasolini), вышедший на экраны в 1976 году, т. е. уже после убийства постановщика. Снят по книге «120 дней Содома» Маркиза де Сада. Из-за реалистичных сцен насилия и жёсткого секса фильм был запрещён к показу в нескольких странах.



Республика Сало на севере Италии, последние дни итальянского фашизма. Фильм состоит из четырёх частей, названия которых основаны на произведении Данте Алигьери «Божественная комедия»: Преддверие ада (Antinferno), Круг маний (Girone della manie), Круг дерьма (Girone delle merda), Круг крови (Girone del sangue). Насилие у Пазолини выступает, как парадигма всего существования и мироощущения фашистской "знати". Без оного они просто не могут, не умеют, не хотят жить. В начале фильма, когда идёт отбор юношей и девушек для жестоких и беспощадных утех, мы видим нескрываемую радость на лицах детей. Муссолини мёртв, но они по прежнему верят в правильность и истинность его идей. Всё меняется во дворце. Взрослые уничтожают не только физическую девственность ребят, но и духовную чистоту, что намного страшней. Обратного пути нет. Они приехали во дворец, чтобы умереть. Последние пятнадцать минут - подробнейшая панорама массового убийства, торжествующий гимн смерти.



Тема смерти занимало не последнее место в творчестве Пазолини. Он обращался к ней и как писатель, и как философ. Смерть подобно монтажу в кино помогает нам трезво посмотреть на то, что было сделано до этого. Оглянуться назад, проанализировать. Символично, что именно эта лента стала последней в карьере режиссёра. За страшной, неприглядной, по настоящему скандальной (а Пазолини знал, на что шёл) содержательной стороной картины многие не видят смыслового стержня. Сегодня, пожалуй как и в 70-х, ужасы Второй Мировой войны представляются с позиций освободителей при чётком ранжировании "добра" и "зла". Но ведь чтобы победить нужно понять. Понять не для оправдания зверских деяний, а для самих себя. Дабы разобраться в причинах повлёкших такие последствия. Гитлер и Муссолини не захватывали власть, они пришли к ней законным путём при огромной поддержки народов Германии и Италии.



"Сало или 120 дней Содома" кино, прежде всего, социально направленное. Нацеленное на интеллект, разум и только потом на чувства. Картина Пазолини сегодня является чуть ли не единственным художественным документом, показывающим обратную сторону зла, без "красок" и "грима".

Фильм «Ночной портье» (Il Portiere di notte) — снят Лилианой Кавани (Liliana Cavani) в 1974 и произвел эффект разорвавшейся бомбы, никто еще до Кавани не показывал ужасы фашизма, воспоминания о которых были еще очень сильны во всем мире, через мазохистский противоестественный любовный роман. Эротические сцены, демонстрируемые в ленте, по тем временам являлись очень откровенными. По этим двум основным причинам картина оказала сильное впечатление на смотрящие массы.



«Портье» был и остается по сей день жестокой, болезненной, но по-своему красивой историей любви, побеждающей смерть. Кто сказал, что любовь – это нежность, романтика, заоблачность и доброта? А почему она не может быть болью, кровью, насилием и испепеляющим влечением? Именно об этом и говорит в своей картине Лилиана Кавани. Главные герои вовсе не извращенцы, не больные и не сумасшедшие. Они не более безумны, чем любая страстно влюбленная пара. Просто великое чувство зародилась в них в нечеловеческих условиях, когда один был палачом, а другая – жертвой.



"Ночной портье" по манере - типичный фильм-нуар. Буквально все в нем - люди, здания, вещи, дела, мысли, взгляды, жесты и чувства тонут во мраке, стыдливо или испуганно прячутся в тени, чтобы как можно ярче высветлить преступную, обреченную, гибельную для Макса и Лючии любовь. Двенадцать лет ничего не изменили. Страсть горит еще ярче. Их, конечно же, не отпустит прошлое, но оно же их и сплавит еще крепче. Их не простит общество - им наплевать. Им не дадут жить бывшие эсесовцы - умирать, так вдвоем... В фильме немало просто потрясающих сцен. Все они безрадостны и безыскусны, горьки и пронзительно правдивы. Черно-белый полудокументальный ряд воспоминаний о лагере, Лючия на цепи в квартире Макса, смерть на мосту: она в белом плаще, он в черной, вызывающе красивой эсесовской форме. "Ночной портье" - кинолента о любви, купленной ценой страданий и ценой жизней искупившей свою греховность...



Картина смотрится очень непросто, но это не недостаток мастерства Кавани, а способ показать душевное состояние героев. Война давно окончена, но все равно остались «свои» и «чужие», поэтому окружающий мир никогда не примет эту странную, ужасную с моральной точки зрения любовь. Но герои все равно борются за свое счастье, зная, что они обречены, и до последнего вздоха остаются вместе. Поэтому «Ночной портье» - это фильм не о победе над фашизмом, не о половых извращениях, не о сексе и насилии. Это просто кино о самом главном в этой жизни.

Фильм «Последнее танго в Париже» (Ultimo tango a Parigi) — снят Бернардо Бертолуччи (Bernardo Bertolucci) в 1972 и является культовым романтико-эротическим кинофильмом.



Пронизанная грустью, чувственная атмосфера развивает сюжет "Прощальное танго в Париже", самого противоречивого фильма эпохи, номинированного на две премии Американской Киноакадемии, излучающего мощную сексуальную энергию, как никакой другой фильм, снятый до или после него. Блистательная современная классика, шокировавшая всю Америку и изменившая сущность искусства в целом. Он (Марлон Брандо) - живущий в Париже 45-летний американец, тяжело переживающий самоубийство жены. Она (Мария Шнайдер) - привлекательная 20-летняя парижанка, помолвленная с молодым кинорежиссером. Даже не зная имен друг друга, эти истомившиеся ожиданием люди, спешащие утолить свою сексуальную жажду, отправляются в пустующую квартиру, напоминающую их собственное сумрачное и неприкаянное существование. Отдавшись исступляющему танцу совокупления, они уже не в силах остановиться. Странные любовники доводят свои страсти до самых высот - и глубин - наслаждения, за пределы всего того, что им когда-либо дано было испытать...



Вместо набившего оскомину любовного треугольника Бертолуччи предлагает зрителю куда более сложную фигуру. Всё окружение почившей супруги невыносимо Полу на физиологическом уровне, но сложно просчитать по какому критерию видёться отбор. Он кричит на свою тёщу, и в то же время, спокойно, без шумного выяснения отношений, общается с любовником жены. Единственное, что хоть как-то может пробудить в нём интерес к жизни, это Жанна. Они станцуют своё танго. Пьяные, счастливые и, одновременно, очень одинокие.



Фильм Бертолуччи совершил революцию в кино. Это в самом деле первый фильм, где адекватно была отражена сексуальная тематика. Не тема любви, а именно секса, с соответствующим видео- и звукорядом. Сейчас это выглядит анекдотично, но в советские времена за "несанкционированный" просмотр "Последнего танго в Париже" давали срок. Если картина и упоминалась в отечественной прессе, то не иначе, как порнографическая. Да и в самой Италии после непродолжительного кинопроката фильм был запрещён цензурой, что впрочем, не помешало сделать внушительные кассовые сборы и снискать восторг критики за рубежом. Как всегда, истина где-то посередине. Безусловно, Бертолуччи снял очень смелую картину, появление которой не могли не заметить пуритане и моралисты, уж слишком открыто в ней показывалась, если не провозглашалась, раскрепощённая сексуальность, идущая в разрез со всеми этическими устоями современного общества. И обвинить режиссёра во всех смертных грехах было куда проще, чем увидеть то, что скрывается за всеми этими сценами, а именно человеческая беспомощность, страх и неудовлетворённость. Именно по этой причине "Последнее танго в Париже" до сих пор продолжает волновать зрителя, ставя вечные вопросы о сущности человеческой жизни, ответы на которые даются с поправкой на время.

«Москва слезам не верит» — советский художественный фильм, режиссер - Владимир Меньшов, картина вышла на экраны страны в 1980 году.



Москва пятидесятых годов. В общежитии живут три подруги. Их судьбы складываются именно так, как предполагает характер каждой из девушек. Антонина вышла замуж, растит детей, любит мужа. Людмиле Москва представляется лотереей, в которой она должна выиграть свое особенное счастье. Катерина одна растила дочь, закончила институт, работала и стала директором крупного предприятия. Но пришла любовь к такому же сильному человеку, как она сама. И, оказалось, что спасти любовь от собственных ошибок трудно и почти невозможно.



Главная премия на МКФ в Португалии, 1980; Премия "Оскар" за лучший иностранный фильм, 1981; Приз "Сен-Мишель" за лучшее исполнение женской роли (актриса Вера Алентова) на МКФ в Брюсселе,1981



Критики называют это кино своего рода киноповестью о Москве, москвичах, об их становлении. В фильм прекрасно вплетается канвой и замечательная песня ,в своё время ставшая символом самой Москвы и крепко ассоциировавшаяся именно с этим городом это песня «Песня Александры» (С. НИКИТИН — Ю. ВИЗБОР, исполняют С. и Т. НИКИТИНЫ). Песня как раз подчёркивает становление современной Москвы, Советского периода. Новой Москвы которая кардинально меняет жизни людей, которые туда попадают. Не зря и дано название фильму. Эту фразу произносит героиня Муравьёвой когда Катя убивается, что потеряла своего Гошу. Это перефразировка известной фразы: слезами горю не поможешь. Смысл тот же, убиваться не стоит надо действовать. Причем чем раньше тем больше шансов на успех.



Надо так же заметить, что «Оскар» фильм получил вовсе не зря. Американцы увидели там свою любимую тематику историю о self-made woman! Из грязи в князи. Но здесь ещё и задействована тонкая морально-наставительная нотка: вот типа какой надо быть мегаженщиной. Сцепив зубы и потуже завязав пояс ринуться для достижения своей цели (у Кати это было поступить в институт) меньше спать, больше зарабатывать (так как появилась дочка). А не надеяться на случай или богатого дядю в Америке или тому подобное. В общем - всяк сам кузнец своего счастья.

«День сурка» (Groundhog Day) — американская фантастическая комедия режиссёра Гарольда Рэмиса (Harold Ramis) снятая им в 1993 году по мотивам истории Дэнни Рубина (Danny Rubin).



Каждый год 2 февраля в небольшом американском городке Панксатони (англ. Punxsutawney, штат Пенсильвания) проводится праздник под названием День сурка: из норы достают сурка и предсказывают по его поведению погоду. Каждый год на этот праздник в Панксатони из Питтсбурга ездит самовлюблённый и высокомерный телеобозреватель погоды Фил Коннорс (Билл Мюррей), которому до смерти надоела его работа и который ненавидит этот фестиваль в глухом городишке.



Но однажды Фил, посетив в очередной раз фестиваль сурка, не просыпается на следующий день 3 февраля… он просыпается снова 2 февраля! Он оказывается в некой петле времени, из которой нет выхода: 3 февраля просто не наступает! Фил вынужден снова и снова переживать 2 февраля на фестивале сурка, снова вести оттуда репортаж, снова возвращаться в гостиницу и так каждый новый день. Фил обращается к врачам, пробует уехать из города и даже многократно заканчивает жизнь самоубийством, но ничего не помогает — на следующий день он опять просыпается 2 февраля в 6:00 в гостинице городка Панксатони.



Поразмыслив, Фил затем решает посвятить этот день удовольствиям: объесться сластями, заняться сексом, ограбить банк и промотать все деньги — ведь последствий не будет. Но все усилия тщетны — 3 февраля так и не наступает. Поразвлекавшись таким образом некоторое время, следующие несколько недель Фил тратит на то, чтобы завоевать любовь Риты, которая понравилась ему с первого взгляда... Он аккуратно и шаг за шагом узнает о ней максимум всевозможных подробностей, делая все, чтобы предугадывать каждый ее шаг, каждое ее последующее желание, однако пропасть между ними - мягкой, отзывчивой и очень доброй к людям девушкой и законченным эгоцентриком с манией величия - настолько велика, что как бы Фил ни ухищрялся, в течение одного дня любовь Риты он завоевать не может. В общем по итогу, чтобы миновал этот бесконечный День сурка ему надо будет изловчиться и наконец трахнуть эту своенравную барышню... ;)



Режиссёр Гарольд Рамис очень любит снимать добрые фильмы о самопознании и духовном преображении человека. Но здесь Рамис превзошёл самого себя, многие мастера дзен и суфии, каббалисты и эзотерики считают данный фильм самым глубоким по проникновению в мистическую сущность человека. «День сурка» безусловно вошёл в историю мирового кинематографа. Трудно представить себе фильм, который давал бы зрителю такой же заряд любви, доброты и понимания, как «День сурка».